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出版者:广西美术出版社

作者:陈履生,张蔚星

出品人:

页数:1608

译者:

出版时间:2000-04

价格:86.00

装帧:铜版纸彩印平装

isbn号码:9787806257425

丛书系列:

图书标签:

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古都星火：明清北京城内的民间信仰与社会生活 图书简介 本书深入考察了明清时期北京城内丰富多彩的民间信仰图景及其与社会生活的紧密互动。不同于宏大叙事的官方史学，本书将目光投向广阔的市井百姓，聚焦于那些在胡同、里巷、庙宇乃至家庭祭坛中世代相传的信仰实践、神祇谱系与仪式活动。 北京，作为明清两代的政治和文化中心，其社会结构复杂，人口流动频繁。这种环境催生了极其多元化的信仰生态。本书通过对地方志、寺庙碑刻、民间文献、戏曲话本以及西方传教士和早期汉学家的田野记录等一手资料的细致梳理与跨学科解读，力求还原一个“活的”信仰世界。 第一部分：信仰的地理与空间布局 本书首先勾勒了明清北京城内民间信仰的地理分布图。不同信仰的“领地”并非泾渭分明，而是相互渗透，形成了一张精妙的信仰网络。 胡同里的神祇：社稷、里巷与家宅的守护 在城市肌理中，城隍庙、土地庙与社稷坛构成了城市宗教生活的基石。我们探讨了城隍神如何在地方治理中扮演“阴间司法官”的角色，以及土地神信仰如何将城市空间细碎化、人格化，使每一段胡同、每一座院落都拥有其特定的庇佑者。特别关注了明清时期，北京城内多个城隍神职位的并行与竞争，以及地方士绅和市民阶层如何通过祭祀活动来确立自身在社区中的道德权威。 多重庇佑的庙宇群像 北京的寺庙远不止佛教和道教的主流殿宇。本书详述了大量服务于特定群体或行业的地方性神庙，如漕运的河神庙、商业发达区域的关帝庙、以及为游方术士和特定移民群体服务的义庙。通过分析这些庙宇的香火记录和重建历史，可以洞察不同社会阶层对风险管理和身份认同的需求。例如，探讨了行会（会馆）与特定行业神祇的绑定关系，揭示了商业竞争背后隐性的宗教力量。 市井间的流动祭坛 除了固定的庙宇，本书亦关注了流动的祭祀场景——街头巷尾的摆摊祭祀、临时性的节庆献祭。这些“非正式”的宗教空间，往往是社会底层民众表达诉求、进行群体互助的重要场所。 第二部分：神祇谱系与民间解读 本书深入剖析了明清北京城内主要神祇的民间形象转变，以及外来神祇的本土化过程。 神话的重塑与世俗化 传统神祇，如玉皇大帝、观音菩萨、关羽等，在北京的民间信仰中呈现出高度世俗化和人情化的特质。我们对比了官方文书中的神格描述与民间戏曲、说书中的形象差异。例如，观音如何在明代以后深度融入女性日常生活的祈福体系，以及关公如何从一位武将演变为跨越儒释道三教的“忠义商神”。 来自远方的神明：移民与信仰的嫁接 北京作为全国的汇聚之地，带来了大量地域性信仰。本书重点研究了来自山西、福建、湖广等地的移民群体，如何将家乡的神明引入北京，并在新的城市环境中，通过设立同乡会馆内的神龛或在特定节日中举行家乡仪式，来维系群体认同。例如，对北京城内妈祖信仰的传播路径及其与漕运、商业活动的关系进行了详尽考察。 民间秘术与巫觋的边缘存在 在主流宗教的阴影下，民间巫术和术士扮演着解决具体生活难题的角色。本书审视了明清官方对“妖言惑众”的压制，以及民间对占卜、符咒、禳灾解厄等实用性宗教活动的依赖。通过分析官方对“邪术”的定性和民间对“灵验”的追求之间的张力，展示了社会治理的复杂性。 第三部分：仪式、功德与社会实践 信仰并非停留在理念层面，而是通过具体的仪式和活动深刻影响着社会结构。 时间与空间中的祭祀周期 本书详细描绘了明清北京城的“宗教日历”。从春节的迎神送穷，到元宵的灯会祈福，再到七月半的盂兰盆会，以及重阳的登高祭祖。这些周期性的活动不仅是宗教时间，更是城市进行社会动员和信息交流的重要媒介。我们特别关注了庙会这一独特的城市公共空间，分析其商业功能、娱乐功能与宗教功能的叠加与转化。 善行、功德与社会资本 “做功德”是民间信仰中构建个人声誉和社会资本的核心机制。本书探讨了士绅、富商如何通过捐资修缮寺庙、印制经书、施斋布粥等行为，将宗教虔诚转化为世俗的社会声望和社会权力。这种宗教实践的“功利性”体现了精英阶层在维护社会秩序中的主动作用。 女性的宗教生活与私密空间 相较于男性主导的公共祭祀，本书关注了明清城市女性的宗教实践。女性的信仰活动往往集中于闺房、家庙或女性集中的特定寺院（如尼庵）。通过对送子、求姻缘、保平安等主题的分析，展现了女性在父权社会结构中，如何通过宗教获得情感慰藉和有限的自主权。 结论：一个流动的信仰生态 明清北京城的民间信仰是一个动态、开放且具有强大适应性的生态系统。它既承载着传统文化的记忆，又积极吸收着新出现的社会需求和城市变迁。本书旨在说明，理解这些看似琐碎的民间信仰实践，是理解明清北京城社会结构、权力运作和民众心理的必要路径。它们是构成这座伟大都城“活的灵魂”的关键所在。

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这本书的阅读体验简直是一场酣畅淋漓的精神漫步。它最成功的一点，在于它打破了传统艺术解读中常见的“高冷感”。作者的语言风格非常具有亲和力，他没有使用过多晦涩难懂的专业术语，即便是在讲解复杂的“散点透视”时，也能用日常生活的例子来做类比，让像我这样半路出家的爱好者也能迅速抓住要领。我最欣赏的是，它将山水画置于更宏大的历史背景下考察，比如在探讨元代文人画的兴起时，对时代变迁和社会动荡如何影响艺术家心态的分析，极其到位。这使得作品不再是孤立的美学符号，而是特定历史时期人们精神世界的载体。书中的插图质量令人赞叹，色彩还原度极高，尤其是对古代绢本画作的展示，那种丝织物特有的纹理感几乎可以穿透纸面。整体阅读下来，我感觉自己不仅吸收了艺术知识，更进行了一次深刻的文化溯源之旅，心情豁然开朗，对中华文明的深厚底蕴有了更真切的体会。

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说实话，最初我带着一些怀疑的心态去接触这本书的，因为市面上关于传统艺术的解读，很多都流于表面，充斥着华丽却空洞的辞藻。然而，这本书却展现出一种令人信服的严谨性。作者在论述“墨分五色”时，不仅仅停留在技法的层面，而是追溯了研墨工具的演变，以及不同地域矿物质墨锭对最终色阶的影响，这种对“物性”的关注，体现了扎实的考据功夫。我特别喜欢其中关于“以书入画”的论述，它清晰地阐释了书法线条的提按顿挫如何转化为山石的骨力与树木的脉络，这对于理解中国艺术的内在统一性至关重要。书中的案例选取非常巧妙，兼顾了经典与相对小众的精品，拓宽了读者的视野。阅读过程中，我数次停下来，拿起毛笔在废纸上进行模仿练习，那种手与脑同步跟进的体验，远胜于单纯的理论学习。这本书的价值，在于它提供了一套可操作的、深入骨髓的理解框架，而非停留在表层的赞美。

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初次翻开这本画册，扑面而来的是一种沉静而悠远的气息，仿佛真的能听见山间的松涛和溪流的潺潺。装帧设计非常考究，那种略带粗粝感的纸张，透着一股古朴的书卷气，让人爱不释手。我尤其欣赏那些对“气韵生动”的诠释，作者并非简单地罗列技法，而是深入挖掘了中国山水画背后那种“天人合一”的哲学思想。书中对不同时代画家笔墨语言的分析极为精辟，比如对比唐代李思训的金碧山水与宋代范宽的雄浑壮阔，那种磅礴的气势是如何通过皴法和墨色的变化体现出来的，讲解得深入浅出。最让我震撼的是关于“留白”的章节，它不仅仅是画面上的空白，更是意境的延伸，是留给观者想象的空间。作者引用了大量诗词来佐证观点，使得枯燥的理论分析变得富有诗意和画面感。这本书无疑是一部带领人进入中国传统审美殿堂的绝佳向导，它教会我的不仅是如何“看画”，更是如何去“感受”自然与人文的交融。对于任何想要领略东方美学精髓的人来说，这本册子都是不可多得的珍品，其深度和广度都远超我预期的入门读物。

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我是一名在海外生活多年的华人，对于故土山河的思念之情，常常只能寄托于零星的影像资料和模糊的记忆。这本书的出现，简直像是一场及时的甘霖。它不是那种死板的艺术史教科书，而更像是一位饱经风霜的老者，带着你沿着古人的足迹，重新丈量祖国的大好河山。我惊喜地发现，书中的许多构图范例，都对应着我记忆中那些壮丽的景象，那种“可行、可望、可游、可居”的理想境界，通过画家的笔墨得到了完美的呈现。特别值得称赞的是，作者在谈及不同地域的风格时，比如南方的秀润与北方的雄奇，那种地域性的差异被描绘得淋漓尽致，让人仿佛能闻到江南的湿润水汽和关山的干燥风沙。它让我重新审视了自己对“故乡”的定义，不再仅仅是地理概念，而是一种渗透在水墨间的文化基因。这本书的排版非常大气，留白得当，使得每一幅高清复制的画作都能获得应有的尊重，细节处的笔触都能清晰可见，这对于长期接触低质量印刷品的读者来说，是极大的享受。

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如果说市面上的艺术书籍大多是“导游”，那么这本书无疑是提供了一张详尽的“地图”和一把“钥匙”。它不急于让你爱上某一位画家，而是致力于让你理解支撑起整个中国山水画体系的底层逻辑。我尤其关注了书中关于“意境营造”的讨论，作者剖析了如何通过对自然元素的取舍、重组与夸张，来表达画家的主观情感，这其中蕴含的东方辩证法思想非常引人深思。例如，对“瀑布”的处理，在中国画中往往不是物理的再现，而是力量、速度与永恒的象征。书中对不同时期山石皴法的变化——从披麻皴到斧劈皴——的细致对比和分析，让我对每一笔的落墨都充满了敬畏。这本书的装帧设计中，每一章的标题都配有一句意味深长的古语，不仅起到了装饰作用，更在潜移默化中熏陶读者的性情。读完此书，我感觉自己像是被清洗过心灵，对自然万物也多了一份敬畏与审视，它真正做到了“诗中有画，画中有诗”。

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