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出版者:广西教育出版社

作者:

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:1997-07

价格:78.00

装帧:精装

isbn号码:9787543525948

丛书系列:

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《世界建筑史纲》 导言：人类文明的凝固之诗 建筑，是人类文明史上最直观、最持久的物质载体。它不仅是遮风避雨的实用结构，更是特定时代精神、技术水平、审美观念和文化信仰的凝练体现。从史前巨石阵的神秘矗立，到现代摩天大楼的玻璃幕墙，每一座建筑都是一部无声的史书，记录着人类探索空间、改造自然、追寻理想的漫长历程。《世界建筑史纲》旨在为读者构建一幅宏大而精微的全球建筑图景，梳理不同文明在时间长河中如何通过“建造”这一行为，塑造了我们今日所见的地球景观。本书力求超越单纯的风格罗列，深入探讨建筑背后的哲学思辨、社会结构与技术革新之间的复杂互动关系。 第一部分：文明的基石——古代建筑的起源与确立（约公元前3000年—公元476年） 本部分聚焦于人类定居后，建筑如何从原始的巢居演变为具有宗教和政治意义的宏伟工程。 第一章：尼罗河畔的永恒宣言——古埃及建筑 古埃及文明以其对永恒的执着追求而闻名，这直接决定了其建筑材料（厚重石材）和形态（金字塔、神庙）。我们将详细分析胡夫金字塔的几何学原理、卡尔纳克神庙的林立巨柱阵，以及它们如何体现了法老的“神性君权”。同时，探讨了古代埃及人对来世的信仰如何渗透到墓室设计与陪葬品的规划之中。 第二章：美索不达米亚的泥土与天空——两河流域的早期城市形态 在底格里斯河与幼发拉底河冲积的土地上，早期文明围绕着泥砖——这种易于获取但耐久性较差的材料——发展出独特的建筑技术。重点剖析了苏美尔人的“塔庙”（Ziggurat）的层级结构，以及巴比伦空中花园的工程学假设与文献记载的交叉验证。 第三章：神圣的秩序与完美比例——古希腊的理性之光 古希腊建筑是西方古典美学的源头。本书将详尽阐述多立克、爱奥尼、科林斯三种柱式的演变及其象征意义。雅典卫城的帕特农神庙被视为建筑光学矫正的典范，我们将用图表分析其“视线修正”技巧，探讨希腊人如何将数学的和谐比例（如黄金分割）应用于人神之间的交流空间。 第四章：实用至上的帝国工程——古罗马的尺度与技术革命 罗马人继承了希腊的美学，但更侧重于实用性、规模化和工程创新。本书将着重介绍罗马人在混凝土（Opus Caementicium）发明上的革命性贡献，这使得拱券、交叉拱顶和穹顶得以大规模应用。案例分析将包括万神殿的无支撑穹顶、罗马斗兽场的观众疏散系统以及庞大的公共浴场和引水渠网络，展示罗马帝国如何以建筑巩固其统治。 第二部分：信仰的堡垒——中世纪的宗教建筑（约公元5世纪—15世纪） 随着罗马帝国的衰落，欧洲的建筑重心转移至宗教领域，建筑的象征意义和对天堂的模仿成为核心主题。 第五章：拜占庭的金色穹庐——神圣的镜像 以君士坦丁堡的圣索菲亚大教堂为中心，探讨拜占庭建筑如何融合了罗马的拱顶技术与东方的装饰艺术。重点解析了“鼓座”（Pendentive）技术的精妙，它使巨大的中央穹顶能够稳固地落在方形基座上，营造出“天堂悬浮”的视觉效果。 第六章：光影的迷宫——早期基督教与罗马式建筑 早期基督教的巴西利卡式布局如何演变为更厚重、防御性更强的罗马式修道院。我们将审视其厚墙、小窗和连续的拱廊，探讨这些形式如何反映了社会动荡时期的安全需求与虔诚的内心世界。 第七章：直插云霄的祈祷——哥特式建筑的结构革命 哥特建筑是中世纪技术与精神的巅峰。本书将细致拆解飞扶壁、尖拱和肋拱这“三位一体”的结构体系，解释它们如何协同作用，将建筑的重量有效分散，从而解放了墙体，使得巨大的彩色玻璃花窗得以成为可能。对沙特尔大教堂和科隆大教堂的分析将揭示光线如何在空间中被转化为“神圣的颜色”。 第三部分：复兴、理性与帝国的雄心（约15世纪—18世纪） 文艺复兴的回归古典，巴洛克的戏剧张力，以及启蒙运动对秩序的重申，塑造了这一时期的城市面貌。 第八章：重拾黄金比例——文艺复兴的理论回归 以佛罗伦萨为中心，探讨布鲁内莱斯基如何重新发现古典的透视法和比例原则。阿尔伯蒂的建筑理论和帕拉第奥的别墅设计，如何将古罗马的和谐理念系统化，并成为影响全球数个世纪的范式。 第九章：情感的倾泻与戏剧性的空间——巴洛克与洛可可 巴洛克建筑拒绝静止，追求运动感、光影对比（明暗对比）和夸张的装饰效果，旨在震撼信众和觐见者。重点解析贝尼尼在圣彼得大教堂广场的设计，以及博罗米尼对复杂几何形状的运用。洛可可作为其向内收缩的、更为私密和轻盈的风格，则在宫廷内部找到了最佳的表达。 第十章：新古典主义与启蒙的秩序 对巴洛克过度装饰的反动，新古典主义重新强调希腊罗马的清晰、宏大与理性。本书考察了这一风格在法国大革命时期的政治抱负，以及它如何成为新兴国家（如美国）官方建筑的首选语言。 第四部分：工业时代的冲击与现代性的诞生（19世纪—20世纪初） 工业革命不仅带来了新材料（钢、玻璃），也带来了对城市环境的深刻反思，直接催生了现代建筑的萌芽。 第十一章：新材料与新功能——钢铁、玻璃与结构表现 重点分析水晶宫和埃菲尔铁塔等早期结构，它们首次将钢材作为主要承重构件，挑战了传统石材的权威。同时，探讨了维也纳分离派、芝加哥学派等，如何开始将建筑的“形式服从功能”的理念付诸实践。 第十二章：现代主义的宣言——功能至上与国际风格 深入剖析勒·柯布西耶的“新建筑五点”、密斯·凡德罗的“少即是多”，以及格罗皮乌斯在包豪斯所倡导的彻底的理性化、标准化和去装饰化。我们将讨论这些理念如何通过玻璃幕墙和钢筋混凝土框架，彻底改变了20世纪的城市天际线。 第五部分：多元的探索与后现代的回响（20世纪中期至今） 面对现代主义的僵化与全球化挑战，当代建筑呈现出极大的多样性和地域性回归。 第十三章：对形式的解放——有机建筑与粗野主义 探讨弗兰克·劳埃德·赖特对基地环境的尊重（有机建筑），以及勒·柯布西耶晚期作品中粗犷、未经修饰的混凝土（粗野主义）所蕴含的社会批判力量。 第十四章：解构、高技与在地性 分析后现代主义如何通过戏仿和引用历史符号来反叛现代主义的清教徒作风。深入研究高技派（High-Tech）对建筑结构和设备的暴露化处理，以及当代建筑大师们（如普利兹克奖获得者们）如何在全球化语境下，重新探索地域文化、气候适应性和可持续性（绿色建筑）的平衡点。 结语：未完成的建造 世界建筑史是一部关于人类想象力与物质约束之间永恒对话的历史。本书收束于当代建筑的多元趋势，旨在启发读者以更具批判性、更富历史感的目光，重新审视我们身边的每一处空间与结构。建筑的演进从未停止，它将继续反映并塑造着人类未来的梦想与挑战。

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这本书的内容编排逻辑性极强，从基础的笔画结构解析，到不同书体（比如楷、行、草、篆、隶）的演变脉络，再到历代大家的作品赏析，层层递进，深入浅出。作者显然对书法史有着非常深刻的理解，他没有停留在简单的图解层面，而是深入挖掘了每一字体背后的时代精神和文人气质。比如在讲解魏碑的结体时，不仅分析了其方峻的特点，还结合了当时的社会背景和审美趣味进行阐述，使得学习者能够真正理解“形神兼备”的真谛。特别是关于“气息”和“笔意”的论述部分，那些抽象的概念被作者用生动且富有启发性的语言描摹出来，让我这个初学者茅塞顿开，明白了书法绝非简单的技法模仿，而是一种内在精神的外化。我曾尝试过其他一些教材，但大多只是罗列字帖，这本书则更像是一位循循善诱的老师，指引我从“学着写”过渡到“写着想”。

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我发现这本书在对历代名家风格的梳理上做得非常细致到位，简直像是一本浓缩的“书法名人堂”。它不仅展示了颜真卿的雄浑博大、柳公权的遒劲瘦硬，还细致对比了王羲之的飘逸自然与赵孟頫的清雅秀美之间的差异。作者在介绍每一位大家时，总能精准地抓住其最核心的艺术特征，并配以高质量的局部放大图，让我能清晰地观察到运笔的提按顿挫和墨色的浓淡干湿。这种对比式的讲解，极大地拓宽了我的审美视野，让我明白了“风格”是如何在继承中创新的。过去我常常觉得这些大家的作品都差不多，但阅读完这部分内容后，我能明显分辨出苏轼的意趣和黄庭坚的欹侧，这种鉴赏能力的提升，是这本书带给我最宝贵的收获之一。它不仅仅是教我怎么写，更重要的是教我如何“看”书法。

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这本书的实用性远超乎我的预期，尤其是关于“临摹技巧”的那几个章节，简直是为我量身定做的“避坑指南”。作者非常坦诚地指出了初学者在临摹过程中最容易陷入的几个误区，比如一味追求形似而忽略了笔法的力度，或者在转折处笔势断裂等问题。他详细讲解了如何通过“意临”和“背临”来加深记忆和理解，并且给出了非常具体的练习方法，比如如何通过小楷的反复练习来巩固行笔的稳定性。我按照书里推荐的方法，对着一个特定的笔画结构进行了为期一周的集中练习，效果立竿见影，原先那些总是写不稳的横画终于找到了下笔的“支点”。这种注重实践、直击痛点的写作方式，使得这本书的指导价值非常高，而不是空泛的说教，真正能指导我的日常习练。

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这本书的装帧设计实在是太吸引人了，那种古朴典雅的气息扑面而来，光是捧在手里摩挲着封面的纹理，就仿佛能感受到时光沉淀下来的韵味。内页的纸张选择也深得我心，那种略带米黄的色泽，不仅保护了视力，更衬托出了墨迹的深沉与厚重。我尤其欣赏它在版式上的用心，留白的处理恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又营造出一种疏朗空灵的艺术氛围。每一页的排版都像是经过精心设计的画卷，文字与空白之间进行着一场无声的对话，让人在阅读时能够完全沉浸其中，不去理会外界的喧嚣。装帧的细节处理，比如线装的工艺或者书脊的包边，都体现了制作者对传统的敬意和对品质的极致追求。这本书不仅是一册知识的载体，更是一件值得收藏的艺术品，每一次翻阅都是一次视觉与心灵的享受。我将它郑重地放在书架上最显眼的位置，它不仅仅是我的藏书之一，更像是家里一件承载着文化气息的陈设。

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从文化哲学的角度来看，这本书为书法赋予了更深层次的意义。它探讨了书法如何与中国传统诗词、绘画乃至道家思想相互渗透、相互影响的历史轨迹。作者将书法视为一种“静观”的哲学实践，阐述了在挥毫泼墨之间，人与自然、人与自我精神世界的连接。阅读这部分内容时，我仿佛进行了一次精神的漫游，理解了古人为何将写字视为修身养性的重要途径。书中引用的那些文人雅士的轶事，比如他们如何从自然景物中获取书法灵感，都极大地激发了我对书法艺术背后那份“道”的向往。这本书不仅仅是关于技艺的书，更是一部关于东方美学精神的导读，它让我意识到，每一次运笔，都是一次对内心平静的追求和对生命哲理的体悟。

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