黑白史-刘子建-中国当代实验水墨1992-1999 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖北美术出版社

作者:皮道坚

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-11

价格:12.00

装帧:平装

isbn号码:9787539409030

丛书系列:

图书标签:

• 电影艺术
• 水墨
• 实验水墨
• 中国当代艺术
• 绘画
• 艺术史
• 刘子建
• 黑白史
• 1990年代
• 艺术作品
• 艺术设计

好的，这是一本关于中国当代艺术史的图书简介，重点关注1990年代的实验水墨发展，但不涉及您提到的特定书籍《黑白史-刘子建-中国当代实验水墨1992-1999》。 --- 浮世绘与精神疆界：中国当代艺术的转型与试验（1990-2005） 书籍简介 本书聚焦于1990年代初至21世纪初这一中国当代艺术剧烈变革的时期。这是一个社会结构深刻重塑、全球化浪潮涌入的时代，艺术家的创作语汇和表达方式经历了前所未有的拓展与颠覆。本书并非对某一特定艺术流派或个案的详尽梳理，而是尝试以宏观的视角，勾勒出在此期间，中国本土艺术语言在面对西方现代性冲击与本土文化身份重塑时的复杂张力与探索方向。我们将考察水墨媒介如何挣脱传统笔墨的束缚，成为探讨个体精神困境与时代变迁的有力工具，同时，探讨装置、影像等新兴媒介如何挑战既有的艺术体制与审美规范。 第一部分：时代的切片——1990年代初期的艺术语境 1990年代初期，中国的艺术生态正处于一个微妙的十字路口。一方面，1980年代的“思潮热”逐渐退温，艺术的宏大叙事开始让位于对个体经验和日常细节的关注。另一方面，随着市场经济的深入发展，艺术的商业化进程初露端倪，这使得艺术家们在创作姿态上不得不重新审视艺术的社会功能与主体性价值。 本部分将详细剖析当时艺术界对“文化反思”和“身份焦虑”的探讨。艺术家们开始以更为疏离、戏谑甚至批判的视角，重新审视“中国性”与“现代性”的关系。我们关注那些在体制边缘游走，试图构建私人化审美体系的群体。他们的作品中，常常能看到对传统符号的解构与重组，对大众文化的挪用，以及对自身在快速变迁社会中的位置的迷茫和确认。 第二部分：媒介的解放与实验的疆界——水墨的“非传统化”探寻 在这一时期，水墨作为一种具有深厚文化积淀的媒介，其在当代艺术中的角色经历了本质性的转变。传统中国画的“意境”与“笔墨精神”并未完全消失，但它们不再是创作的终极目标，而是成为艺术家进行观念表达和形式试验的“原材料”。 本书将深入探讨水墨在以下几个维度的试验： 1. 材料的拓展与介入： 探讨艺术家如何引入非水墨材料——如油彩、丙烯、现成品，甚至工业颜料——来改变水墨的肌理和视觉重量。墨的“黑”不再是单一的色调，而是成为一种光影和质感的载体，与画布、宣纸以外的载体产生新的对话。 2. 观念先行与形态的解构： 很多艺术家开始将水墨视为一种“符号系统”而非“绘画技法”。他们通过极简主义的布局、重复性的劳动、或故意制造的“败笔”与“粗糙感”，来挑战传统审美对精致与完美的追求。这种对水墨本体性（ontology）的质疑，是当时实验水墨最为核心的议题之一。 3. 个体书写与身体介入： 水墨线条的“书写性”被放大，但这种书写不再指向对古典范式的模仿，而是成为艺术家身体经验、情绪波动甚至政治隐喻的直接投射。 第三部分：装置艺术的崛起与空间政治学 与水墨在平面上的激烈试验并行，装置艺术和影像艺术开始在中国当代艺术领域占据重要地位。这些媒介以其更强的空间介入性和对日常物的挪用能力，为艺术家提供了挑战既有艺术场域的全新武器。 本书将分析装置艺术如何成为批判社会现实的有效工具。艺术家们利用废弃物、工业材料以及现成品，构建出与观众产生直接物理互动的空间叙事。这种叙事往往揭示了城市化进程中的遗迹、消费主义的渗透以及被遗忘的历史碎片。我们将讨论特定展览空间（如画廊、废弃工厂、公共空间）的选择，如何反过来塑造了作品的意义，构成了独特的“空间政治学”。 第四部分：从“反叛”到“回归”的张力——世纪之交的文化转向 进入21世纪初，艺术家的创作姿态在某种程度上从初期的高调批判与外放的试验，转向更为内敛和深沉的文化探寻。这种转变既有艺术发展周期的自然规律，也与全球化背景下，中国重新审视自身文化根基的趋势有关。 这一时期的作品开始展现出对“时间感”和“记忆载体”的深切关注。艺术家们不再满足于对符号的简单解构，而是试图在更深层次上，探究传统美学经验在当代语境下的生命力。比如，对“留白”概念的重新理解，不再仅仅是构图技巧，而是对信息过载时代下“缺席”与“在场”的哲学思考。 结论：未完成的实验场 本书试图描绘的，是一个充满活力、不确定性和激烈对话的艺术时期。这一代艺术家拒绝被单一的标签定义，他们的实验性探索，无论是对水墨的拓展、对装置的运用，还是对个人叙事的坚持，共同构筑了一个复杂且持续演进的当代艺术图景。他们的努力，不仅关乎艺术形式的革新，更关乎在一个快速转型社会中，知识分子如何保持其独立思考与精神疆界。本书的分析，旨在提供一个理解那个时代艺术精神风貌的参照系，理解媒介与观念之间不断摩擦碰撞所产生的独特火花。 ---

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这本画册的装帧设计真是令人眼前一亮，厚实的纸张，精良的印刷，光是捧在手里就能感受到一种沉甸甸的艺术分量。尤其是对于色彩的还原度，那些游走在传统水墨与现代抽象之间的黑白灰层次，被细腻地捕捉了下来，让人在翻阅时仿佛能触摸到笔触的干湿浓淡。我特别留意了其中一些大幅作品的排版，摄影师的取景角度和画册的编辑思路似乎都在努力营造一种“在场感”，仿佛你正站在画廊里，被那些气韵生动的线条和墨块所包围。从装帧的质感上，就能看出主事者对作品的尊重，这绝非市面上那些粗制滥造的复制品可比。那些留白的处理，甚至比墨色本身更耐人寻味，它们不仅仅是空白，更像是呼吸的空间，让观看者的思绪可以自由地在其中穿梭，去构建属于自己的叙事线索。这种对物质媒介的考究，本身就是对那个特定年代实验精神的一种致敬，它让每一次翻阅都成为一次郑重的仪式。

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这本画册的编排思路，与其说是在展示作品，不如说是在建构一个关于“实验”的叙事场域。它没有采用那种简单的时间顺序或主题分类，而是通过不同年份作品的穿插对比，引导观者去体会艺术家在不同阶段对自身语言的修正与突破。我尤其欣赏那些配有简短艺术家的手稿或前期草图的页面，它们为理解最终定稿提供了关键的“幕后视角”。这让我们得以窥见，那些看似一蹴而就的精彩瞬间，背后是何等密集的思考与不断的否定。它教会我们，真正的“实验”并非盲目的尝试，而是在深刻理解传统之后，带着目标和方法论去解构与重建。这种严谨的学术态度，加上作品本身所展现出的澎湃的创造力，使得整本画册不仅仅是一本画集，更像是一份关于“如何进行严肃艺术探索”的行动指南，让人受益匪浅，值得反复研读。

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阅读这本画册，最大的感受是对于“时间性”的强烈感知。1992年到1999年，这不仅仅是一个时间段的标记，它恰恰是中国社会经历剧烈转型，个体在高速发展的洪流中寻找锚点的时期。从这些作品中，我似乎捕捉到了一种强烈的“在场感”与“疏离感”的矛盾统一。那些看似随意的泼洒和擦刮，实则蕴含着对时代脉搏的精准捕捉。例如，有些画面中墨迹的晕染，让人联想到城市扩张中模糊的边界和消逝的记忆；而另一些近乎刻意的、精准的线性结构，则像是对秩序与失序的理性审视。这不再是传统的山水写意，而更像是一种对存在状态的“心理地形图”的描摹。观看这些作品，就像是在翻阅一份秘密日记，里面记载的不仅是艺术家的笔触，更是整个时代精神气质的侧影，让人感慨万千。

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从纯粹的视觉语言分析角度来看，刘子建先生在这一阶段对“墨”的运用达到了炉火纯青的地步，这远超出了传统意义上对墨色的依赖。他将墨当作一种实体化的物质媒介，去探索其在纸张上的物理反应，这其中蕴含着一种近乎科学实验的精神。有些地方的墨块厚重得如同岩石，有着雕塑般的体量感；而有些地方则轻盈得像是烟雾或灰烬，几乎要消散于无形。这种极端的对比和强烈的物质性探讨，使得作品的肌理和质感成为了表达内容本身。我反复摩挲着其中几幅局部放大图，试图理解他是如何控制水分和笔锋的，才能达到那种既有流动性又保持结构稳定的效果。这套作品集无疑是研究“当代水墨材料性”演变的一个绝佳范本，它揭示了艺术家是如何将最传统的媒介，推向了触及现代性本质的边缘。

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我之所以对这个时期的中国当代艺术抱持着一种特殊的兴趣，正是因为那段时期，艺术家们仿佛集体从一个漫长的沉睡中猛然惊醒，开始用最原始、最本能的材料去叩问“我是谁，我从哪里来”的宏大命题。这本作品集，恰好锁定了刘子建先生从1992年到1999年这段被视为探索期和爆发期的关键八年。我尤其欣赏那些作品中流露出的那种克制却又暗流涌动的张力，它不是对西方抽象表现主义的简单模仿，而是根植于中国哲学语境下对“气”和“虚实”的全新阐释。你能明显感觉到，艺术家在试图打破水墨作为“文人画”的既有规范，用近乎碑刻的力度和构成主义的几何感去重塑“黑白”的哲学辩证。这种挣脱既有框架的勇气，在当时的语境下是极具颠覆性的，它标志着中国当代水墨真正开始拥有自己的“现代性语言”，而非仅仅是主题上的创新。

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