百年中国美术经典文库・美术思潮与外来美术(1896-1949)

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出版者:海天出版社
作者:李树声
出品人:
页数:250
译者:
出版时间:1998-12
价格:120.00
装帧:精装彩印
isbn号码:9787806159095
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《百年中国美术经典:美术思潮与外来美术(1896-1949)》写到:回顾本世纪以大陆为主体的中国社会,基本上可以说是一个从衰弱向强盛、从动荡向安定的发展过程。或者说,是经历了革命、战争、运动、建设这样几个大的阶段。酝酿于19世纪末、终于1911年(辛亥)实现对清王朝的推翻,并不是历史上一般意义的改朝换代,而是结束几千年封建制度的一场翻天覆地的大革命。这场革命的意义不仅仅是一个政治体制的转换,而是从更深层的思想和文化上,引发了人们对中国几千年的传统文化和思想的反思;同时也因扩大的文化视野而注目和大量吸收外来文化。因此,这个时期也是中外文化真正发生强烈碰撞的时期。

汉唐雕塑艺术赏析 一、 序言:时代的见证与艺术的永恒 本书致力于深入探究中国汉代至唐代(约公元前206年—公元907年)这一波澜壮阔的历史长河中,雕塑艺术所展现出的独特魅力与深远影响。此阶段的雕塑,不仅是宗教信仰与王权思想的物化载体,更是当时社会审美趣味、技术革新与民族文化交流的生动缩影。我们将从宏观的历史脉络入手,逐步聚焦于不同时期、不同地域的代表性作品,力求勾勒出一幅立体、丰满的汉唐雕塑艺术全景图。 二、 汉代的雄浑与世俗:气象初开的雕塑语言 汉代是中国封建王朝正式确立的时期,其艺术风格雄健、质朴,充满了强烈的生命力和世俗的烟火气。 1. 建筑装饰与画像石(砖)的叙事性: 汉代雕塑的很大一部分体现在陵墓的画像石和画像砖上。这些作品不再仅仅是程式化的符号,而是开始追求叙事性和场景的再现。内容涵盖了贵族的出行、宴饮、狩猎、神话传说,以及重要的历史事件。雕刻手法上,早期以浅浮雕为主,线条粗犷有力,人物造型古拙,体现出一种尚未完全脱离早期图腾意味的朴拙之美。特别是西汉早期的部分作品,其夸张的形体处理和对动感的强调,预示着未来艺术发展的巨大潜力。 2. 陶俑与明器:生死观念的具象化: 汉代盛行的厚葬之风,催生了大量制作精良的陶俑作为明器随葬。兵马俑、百戏俑、侍女俑、动物俑等,种类繁多。这些陶俑的面部表情开始出现个体化的倾向,服饰的刻画也愈发细致,反映了当时社会阶层的划分和生活习俗。特别是说唱、杂技类俑,展示了汉代民间娱乐生活的丰富性。其造型特点在于“写实”与“夸张”的结合,注重体量感和纪念碑性,奠定了中国雕塑中写实主义的早期基础。 三、 魏晋南北朝:宗教的勃兴与风格的转型 自东汉衰亡至隋唐统一,中国经历了漫长的分裂与民族融合时期。佛教的广泛传播,成为这一时期雕塑艺术的主导力量,带来了艺术语言的深刻变革。 1. 石窟艺术的奠基与发展: 这一时期,云冈石窟、龙门石窟等大型石窟群的开凿与发展,标志着中国雕塑艺术进入了一个以佛教造像为主导的全新阶段。 云冈模式(北魏早期): 受到犍陀罗和笈多艺术风格的强烈影响,早期的云冈造像,如昙曜五窟的“昙曜五佛”,体量巨大,面相丰圆,高鼻深目,衣纹厚重,具有明显的异域色彩。佛像的袈裟衣褶处理,常采用“褒衣博带”式样,线条流畅,呈凹凸起伏的平行线,富有雕塑感。 龙门与北魏晚期的秀骨清像: 随着佛教本土化进程的加深,北魏孝文帝迁都洛阳后,雕塑风格开始转向“秀骨清像”。以龙门石窟宾阳洞为代表,造像趋于清瘦、飘逸。人物面容瘦削,衣纹飘带轻薄如丝绸,衣褶的结构趋向几何化和装饰化,展现出魏晋风度中士大夫阶层追求的超凡脱俗之美。 2. 木雕与金铜造像的精致化: 在石窟之外,小型的金铜佛像和木雕也取得了显著成就。工艺技术的进步使得作品的细节处理更加精湛,如鎏金技术、錾刻工艺的应用,使佛像表面更具光泽和层次感。这一时期,对人体结构和动态的理解逐渐深化,为隋唐盛期的成熟打下了坚实的技术基础。 四、 隋唐盛世:气魄宏大与写实主义的巅峰 隋唐统一后,国力强盛,文化自信空前高涨,雕塑艺术也随之进入了它最辉煌的“盛唐气象”。 1. 技艺的融合与成熟: 唐代雕塑吸收了前代北魏的秀丽、北周的健硕,并更进一步地融合了印度笈多艺术的圆润饱满,形成了具有鲜明时代特征的“健美”风格。艺术家们突破了魏晋时期对“骨骼”的过度强调,转而追求人体结构上的和谐、丰腴与生命力。 2. 佛像的“人化”与世俗化: 盛唐时期的佛像,如敦煌莫高窟晚期和唐代主要寺院的造像,已经高度“人化”。佛陀的面容慈祥、端庄,体态丰满健硕,衣纹简洁流畅,仅在关键处以写实的褶皱表现材质的厚薄和身体的起伏。菩萨像则更是雍容华贵,璎珞华美,展现出宫廷贵族般的生活气息。观音菩萨的造型尤其丰富,展现出多样的宗教职能和审美取向。 3. 乾陵与唐代世俗雕塑: 除了佛教雕塑,唐代的陵墓石刻也达到了新的高度。以乾陵为代表的唐代帝王陵,其石刻的规模、气势和艺术水准令人叹为观止。翁仲(仪仗武士俑)、天王像、石狮子等,其比例匀称,气势雄浑,肌肉结构的表现极富动感,体现了盛唐对力量和秩序的崇拜。 4. 泥塑的复兴与实用化: 唐代泥塑艺术在寺庙中的应用达到了高峰。由于泥塑易于塑形和彩绘,它成为表现复杂情景和群体雕塑的最佳媒介。唐代泥塑的特点在于其高度的写实性,特别是对人物性格的捕捉和细节的刻画,达到了极高的艺术水准,许多作品虽历经千年,依然能感受到其生动的神采。 五、 结语:汉唐雕塑的遗产 汉唐是中国雕塑艺术从早期探索到成熟辉煌的完整周期。汉代的朴拙雄浑,奠定了中国叙事艺术的基调;魏晋南北朝的宗教革新,完成了艺术语言的转型与精神内涵的深化;而唐代的兼收并蓄与气象万千,则将中国古典雕塑推向了写实与理想完美结合的巅峰。这些穿越千年的石与土的杰作,至今仍以其不朽的艺术魅力,向世人诉说着那个辉煌时代的精神风貌。本书的价值在于,通过对不同质地、不同题材的雕塑作品的细致梳理与分析,让读者得以跨越时空,直观感受中国古代艺术精神的磅礴力量。

作者简介

目录信息

目录
梁启超 美术与生活
蔡元培 以美育代宗教说
蔡元培 文化运动不要忘了美育
蔡元培 在北大画法研究会之演说词
鲁 迅 拟播布美术意见书
鲁 迅 随感录四十三
向 达 明清之际中国所受西洋之影响
潘天寿 域外绘画流入中土考略
陈抱 洋画运动过程略记
徐悲鸿 新艺术运动之回顾与前瞻
刘海粟 天马会究竟是什么
王济远 天马会筹办六届画展的经过
晨光艺术会 晨光艺术会章程
北京艺专 北京艺术大会
艺术运动社 艺术运动社宣言
决澜社 决澜社宣言
庞薰� 决澜社小史
常书鸿 本会成立经过(中国留法艺术学会)
刘海粟 艺术叛徒
刘海粟 人体模特儿
附录:刘海粟复孙传芳函
颜文� 十年回顾
林文铮 本校艺术教育大纲
吕斯百 艺术学系之过去与未来
林风眠 致全国艺术界书
林文铮 何谓艺术
邓以蛰 艺术家的难关
邓以蛰 观林风眠的绘画展览会因论及中西画的区别
徐悲鸿 惑
徐志摩 我也“惑”
李毅士 我不“惑”
徐悲鸿 惑之不解
主子恺 新艺术
傅 雷 现代中国艺术之恐慌
吴作人 艺术与中国社会
宗白华 论中西画法的渊源与基础
宗白华 中西画法所表现的空间意识
秦宣夫 我们需要西洋画吗?
澄 之 我国艺术界应有的觉悟
鲁 迅 一八艺社习作展览会小引
刘汝礼 鲁迅在上海中华艺术大学的讲演
许幸之 新兴美术运动的任务
许幸之 中国美术运动的展望
时代美术社 时代美术社对全国青年美术家宣言
春地美术研究所 春地美术研究所成立宣言
木铃木刻研究会 几句要说的话
许广平 鲁迅与中国木刻运动
曹 白 鲁迅先生和中国新兴的木刻
田 汉 全国美术家在抗敌建国的旗帜下联合起来
夏 衍 全国美展所见所感
茅 盾 门外汉的感想
陆定一 文化下乡
胡一川 关于年画
王朝闻 年画的内容与形式
力群 等 关于新的年画利用神像格式的问题
鲁艺美术系研究室 年画的内容与形式
罗工柳 关于年画的意见
力 群 从展览会看美术工作
石鲁 明坦 “新洋片”介绍
张 仃 街头美术
张 仃 画家下乡
刘蒙天 介绍一军三师的兵画兵运动
卢鸿基 对于现阶段中国绘画的意见
李桦 等 十年来中国木刻运动的总检讨
李 桦 试论木刻的民族形式
讷 维 木刻的民族形式散论
中华全国木刻协会 木刻工作者在今天的任务
人间画会 人间画会宣言
郭沫若 从灾难中像巨人一样崛起
夏 衍 《三毛流浪记》代序
江 丰 解放区的美术工作
叶浅予 国统区的进步美术运动
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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这本书在理论建构上的创新性,主要体现在它对“现代性”的界定上,它没有被西方中心主义的叙事所束缚,而是构建了一套更符合中国语境的“现代美术”发生路径。作者巧妙地避开了将中国美术简单地视为西方艺术的“被动接受者”的窠臼,而是强调了本土文化在吸收外来养分时所展现出的能动性、选择性和本土化的“重塑”过程。书中对于不同地域、不同阶层艺术家群体之间产生的“张力”的分析也十分精彩,比如城市精英与乡土写实流派之间的对话与差异,展示了美术现代化的复杂性和多中心性。这种细腻的层次划分和批判性的反思,提供了一个非常立体和辩证的视角来理解中国近现代艺术的复杂面貌,绝对是这个领域内一本不可多得的、具有里程碑意义的著作。

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这本书的叙事逻辑简直是一场精妙的迷宫探索,作者并没有采用简单的线性时间推进,而是巧妙地编织了“思潮”与“外来影响”这两条主线,让两条河流在关键节点互相激荡、互相渗透。我尤其欣赏作者对“思潮”部分的处理,他没有停留在对流派名称的简单介绍上,而是深入挖掘了这些思潮背后所蕴含的社会心理和哲学基础,比如在介绍西方现代主义思潮东渐时,那种从欧洲哲学思辨到中国本土艺术实践的转化过程,分析得鞭辟入里,逻辑链条非常严密。读起来就像是跟着一位学识渊博的向导,穿梭于不同画家的工作室和当时的沙龙现场,能够清晰地看到每一次艺术观念的碰撞是如何一步步塑造了中国美术的现代性轮廓。那种抽丝剥茧的分析能力,让人在读完后,对“1896到1949”这段时期的艺术史认知达到了一个全新的高度,不再是零散的知识点,而是一个有机的、充满张力的历史场域。

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阅读这本书的过程中,我体验到了一种强烈的时代共情,仿佛能听到那个年代知识分子内心的挣扎与呼喊。作者对个体艺术家的命运描摹得尤为传神,比如几位先驱艺术家在东西方审美标准夹缝中寻求自我身份认同的艰难历程,读来令人唏嘘。他们不仅仅是作品的创作者,更是时代的见证者和承受者,他们的艺术选择往往是个人理想与政治现实、文化使命之间复杂博弈的结果。这种将艺术史置于社会史、思想史的宏大背景下去考察的视角,使得整本书的情感张力非常饱满。我感受到作者对这些“先行者”怀有一种深深的敬意,笔触中透露出对他们坚韧不拔的艺术追求的赞赏,这种带着人文关怀的叙述方式,让冷峻的学术研究也充满了温度,读起来丝毫没有枯燥感。

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这本书的装帧设计确实很讲究,封面那种略带斑驳感的复古色调,一下子就把人拉回了那个风云变幻的时代。内页的纸张质感也相当不错,文字排版疏密有致,阅读起来非常舒适,尤其是一些老照片和画作的印刷质量,细节处理得相当到位,色彩还原度很高,能真切感受到那个时期艺术的原始风貌。我特地对比了几张书中收录的早期油画作品,那种光影的微妙变化和笔触的厚重感,通过这本画册呈现得非常清晰。编辑在选取插图时显然是下了大功夫的,不仅仅是罗列作品,更像是精心策展,每一页的视觉冲击力都很强,让人忍不住想要一页页地翻下去,细细品味那个百年交替之际,艺术家们是如何用画笔记录和表达他们内心的躁动与思考。它不仅仅是一本学术读物,更像是一件值得收藏的艺术品,对于热爱美术史和那个特定年代文化氛围的读者来说,光是捧在手里就能感受到沉甸甸的历史分量。

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这本书的学术深度和广度令人敬佩,作者在处理“外来美术”的影响时,展现出了一种罕见的宏观视野和微观考据的平衡感。我发现作者不仅关注了主流的法、德、俄等艺术中心对中国的影响,还细致地梳理了早期留学归国艺术家们是如何在异国他乡的艺术教育中,将西方的造型语言与东方的审美情趣进行“本地化”的再创造。特别是关于媒介转换的论述,比如传统国画在面对油画和素描结构理论时的自我调适,以及新兴的版画艺术是如何迅速成为社会批判工具的,这些分析都非常具有洞察力。作者引用了大量鲜为人知的史料和早期艺术期刊的评论,使得论证极具说服力,完全摆脱了空泛的理论说教,而是基于扎实的文献基础进行阐发,这对于希望进行深入研究的读者来说,简直是宝库级别的参考资料。

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