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出版者:中国美术学院出版社

作者:刘国辉

出品人:

页数:89

译者:

出版时间:1996-03

价格:30.00

装帧:平装

isbn号码:9787810191463

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《西域风情画卷：丝绸之路上的艺术交融与文化变迁》 一、绪论：丝绸之路上的艺术回响 本书旨在深入探讨历史上著名的陆上动脉——丝绸之路沿线地区，自汉代开辟至唐宋鼎盛时期，直至中晚期贸易交流的持续发展中，艺术形式所呈现出的复杂面貌与文化意义。我们关注的重点并非单一的绘画流派或技术研究，而是将丝绸之路视为一个巨大的文化熔炉，探究不同文明（包括但不限于汉文化、犍陀罗艺术、波斯萨珊王朝影响、古印度笈多王朝的审美趣味）如何在地理的迁徙与贸易的往来中相互渗透、彼此激发，最终在视觉艺术领域留下了深刻的印记。 本书摒弃将艺术史局限于单一民族或地域的传统视角，而是采取一种宏大的、跨区域的视野，聚焦于“连接”与“变异”这两个核心概念。丝绸之路不仅是货物的通道，更是思想、宗教、技术和审美的生命线。通过对壁画、雕塑、出土文物上的装饰图案以及现存的绘画残片进行细致的文献梳理与图像学分析，我们将重构一幅充满异域情调与文化张力的西域风情画卷。 二、犍陀罗艺术的勃兴与佛教造像的转型 丝绸之路东段艺术交流中最具标志性的事件之一，便是希腊化风格与印度本土宗教信仰的完美结合，催生了犍陀罗艺术的辉煌。本章将详细分析犍陀罗地区（今巴基斯坦西北部及阿富汗东部）的造像艺术。我们不会专注于传统中国佛教造像的早期传入，而是着重探讨犍陀罗佛像“人化”的过程。 具体而言，我们将审视佛陀形象的特征：其衣纹的写实性、健硕的人体结构、深刻的面部表情，以及这些特征如何继承了古希腊雕塑的古典美学传统。同时，也会剖析这些西方元素是如何被巧妙地“印度化”和“佛教化”的。例如，衣纹的处理虽然写实，但其目的在于凸显神圣性而非世俗的肉体感；佛陀的五官特征中又融入了南亚的审美元素。 此外，本章还会对比分析受犍陀罗影响的早期敦煌壁画中的佛陀形象与犍陀罗本土雕塑的差异。这种差异性揭示了艺术跨越数千公里传播过程中，因地制宜的适应性调整，是“变异”过程的生动例证。我们会考察早期“本生故事”壁画中，人物造型上对犍陀罗线脚和体量的继承与简化。 三、粟特商贾与中亚的艺术网络 粟特人（Sogdians）作为古代中亚最活跃的商业民族，他们在贸易中的核心地位，自然也深刻影响了他们所经略区域的艺术面貌。本章将重点考察粟特人在不同地域（如中国北朝、唐代中原以及中亚绿洲城邦）留下的文化遗存。 我们特别关注粟特织锦图案的传播路径及其对绘画领域的影响。粟特织锦中常见的“联珠纹团窠”结构、狩猎纹样、神兽形象（如狮子、双翼神兽）在吐鲁番、高昌等地的墓葬壁画和纺织品中反复出现。这些图案并非简单的装饰，它们承载着粟特人对异域文化的理解和他们自身萨满教或祆教信仰的视觉投射。 本书将运用符号学方法，解析粟特艺术中的特定母题，如生命树、格里芬（Griffin）等，考察它们如何在唐代“胡风”盛行的社会中，被士人阶层吸收并转化为新的审美趣味，例如在唐代“三彩”器物和墓室壁画中的抽象化和程式化表达。我们将证明，粟特艺术网络构筑了一个非宗教、纯商业驱动的审美交流场域。 四、波斯萨珊王朝的审美渗透与吐蕃艺术的形成 丝绸之路的战略要地——吐蕃（西藏高原），在唐代中期以后，开始大量吸收来自西域及更西方的艺术影响。本章将聚焦于萨珊波斯艺术，特别是其平面化、对称化的装饰风格，如何渗透到高原地区的宗教艺术中。 我们将分析吐蕃早期（吐蕃王朝鼎盛时期）壁画，特别是古格和拉达克地区早期遗存中，那些与中原风格迥异的元素。例如，萨珊风格的“珍珠边框”、对称排列的瑞兽图样，以及人物服饰的宽大处理和夸张的几何感。这些特征与中原艺术追求的写实与和谐感形成鲜明对比，更接近于中亚和西亚的审美取向。 本书特别对比研究了萨珊银器上的纹饰与吐蕃寺院中的金属工艺品和壁画细节。我们主张，这种来自西方的“平面化”和“程式化”审美，为吐蕃本土宗教艺术的成熟提供了重要的视觉语言基础，尤其是在表现宏大叙事和神性威严时，这种风格的优势得以凸显。 五、技术传播与材料的地理学 艺术风格的交流往往伴随着材料和技术的流动。本书的第五章将探讨这一硬性基础。我们将考察矿物颜料（如青金石、朱砂的来源与贸易路线）的地理分布，以及它们在不同地区壁画中的使用频率与浓度。 例如，在莫高窟中晚期，富裕的石窟往往能使用更多源自西域的昂贵矿物颜料，这直接影响了壁画的视觉效果和色彩的持久性。我们将分析不同地区工匠对“矿物颜料”的掌握程度，例如中亚地区对石灰基底的处理技术（如“干画法”与“湿画法”的混合使用），如何通过技术人员的流动而被引入东方。 此外，植物染料和纸张、丝帛的产地与贸易，也构成了艺术交流的物质载体。通过对出土文书和残片进行纤维分析，我们可以更精确地描绘出，艺术作品是如何沿着贸易路线，在不同地域工匠手中被“翻译”和“再创作”的。 六、结论：多元共生与后世的遗响 《西域风情画卷》总结认为，丝绸之路上的艺术交流并非简单的“输入”与“输出”，而是一个持续的、动态的“共生”过程。艺术的生命力在于其适应性，这种适应性使得来自不同文明的元素得以在新的文化土壤中生根发芽，形成新的地域性风格。 本书最终强调，认识丝绸之路上的艺术，就是认识一个开放、流动、互鉴的古代世界。后世的中国绘画，尤其是在宋元以后，虽然趋向内敛与文人化，但其视觉记忆中依然潜藏着早期丝路带来的异域风情与色彩斑斓的印记。通过对这些被边缘化的“边疆艺术”的重新考察，我们得以更全面地理解中国艺术史的丰富性和复杂性。 本书适合历史学、艺术史、考古学以及世界文化交流史的研究人员和爱好者阅读。它提供了一套跨越传统国界限制的、观察古代艺术变迁的全新视角。

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这本关于中国传统绘画的书籍，从装帧设计到内容编排，都散发着一种沉静而典雅的气息。我尤其欣赏作者在引言部分对“意境”二字的深刻阐释。他没有用那些陈词滥调来空泛地描述水墨的妙处，而是结合了几位不同时期的大师作品进行对比分析，让人一下子就抓住了中国画的精髓所在——那种“笔墨之外”的韵味。比如，书中提到唐代吴道子的“吴带当风”与宋代李公麟的“白描”在气韵上的细微差异，分析得极为透彻，让我这个业余爱好者也能感受到其中蕴含的哲学思考。更难能可贵的是，作者将中国古典文学中的诗词意象融入到绘画的讲解中，使得原本可能枯燥的技法探讨，变得像在品读一首隽永的古诗，读完后，仿佛心灵也得到了涤荡。这种跨学科的视野，极大地拓宽了我对传统艺术的理解深度，让我看到了技法背后所承载的文化重量。

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我对书中对于线条处理的章节印象最为深刻。不同于市面上许多只停留在“点、皴、擦、染”这些基本笔触介绍的教程，这本书仿佛是打开了一扇通往高级技法殿堂的大门。作者用极其细腻的笔触描摹了“飞白”与“渴笔”在表现人物动态时所产生的瞬间张力，那简直是一种视觉上的“留白”艺术。他详尽地分析了不同毛笔在吸墨量和弹性上的细微差别，如何影响到线条的粗细和韧性，甚至提到了不同季节、不同纸张对墨色洇化的影响。我尝试着模仿书中的几组线条练习，发现以往画出来的线条总是僵硬而缺乏生命力，而按照书中的指引调整握笔的角度和运笔的速度后，人物的衣袂果然生动了起来，仿佛真的有风拂过。这部分内容对于希望从初级向中级迈进的画者来说，无疑是一份宝贵的实践指南，实操性极强。

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这是一本非常有“温度”的艺术论著。它不像一些学术专著那样高高在上，而是充满了作者对传统艺术的深厚感情和敬畏之心。在谈及古代画师的创作心境时，作者引用了大量鲜为人知的笔记和信札片段，仿佛能让人穿越时空，与古人进行一场无声的对话。特别是对某位明代画家的介绍部分，书中揭示了这位画家在仕途失意后，如何将满腔的愤懑和对自由的向往倾注于笔下那些看似洒脱不羁的仕女形象中。这种历史的厚重感和人性的复杂性交织在一起，使得原本静态的画面获得了强大的叙事张力。读完这一段，我合上书本，久久不能平静，意识到艺术创作从来都不是孤立的技术行为，它与时代、与个人命运紧密相连。

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从装帧和排版来看，这本书无疑是市场上精品中的精品。纸张的选用非常考究，墨色的还原度极高，即便是书中的局部放大图，也能清晰地看到笔触的微妙变化，这是扫描印刷品常常达不到的效果。设计上大量运用了宣纸纹理的背景和仿古的边框，整体视觉感受非常舒适，没有现代设计那种咄咄逼人的锐利感。更难得的是，本书在注释和参考资料的标注上做得极为严谨和详尽，许多引用的典籍都能清晰地追溯到出处，这极大地增加了内容的可靠性和研究价值。对于既想欣赏精美画作，又想深入探究其理论根基的读者来说，这本书无疑提供了一种沉浸式的、高质量的阅读体验，值得珍藏。

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这本书的叙事节奏把握得恰到好处，它没有急于展示那些炫目的成稿，而是花了大量的篇幅去探讨“写意”这一核心理念如何通过人物造型来体现。作者没有将古代画人模式化，而是将人物的“精、气、神”拆解开来，用近乎解剖学般的严谨去剖析“骨法用笔”在塑造人物性格方面的作用。读到关于表现僧侣和侠客的章节时，我深有感触。前者重在内敛的禅定与平静，线条多用圆转含蓄；后者则侧重于张力和瞬间爆发力，用笔果断凌厉。这种将人物的身份、精神状态与具体的笔墨语言进行一一对应的梳理，让我明白了何为“因形见神”。它教会的不是如何画得像，而是如何画出灵魂的模样，这对于我长期以来在人物动态捕捉上的困惑，提供了全新的思路。

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