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出版者:四川少年儿童出版社

作者:李正林

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:2001-4-1

价格:9.80

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787536526068

丛书系列:

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《光影织就的梦境：电影艺术的流变与审美》 一部深入探索电影百年发展史，剖析光影如何构建人类集体潜意识的权威著作。 第一章：黎明前的低语——电影艺术的诞生与早期探索 本章将追溯至19世纪末，人类对“活动影像”的痴迷如何催生了电影这一新兴媒介。我们不会将目光仅仅停留在卢米埃尔兄弟和爱迪生那标志性的发明时刻，而是深入挖掘在这一技术突破背后，潜藏的对时间凝固、空间重塑的哲学渴望。 我们将详尽分析梅里爱如何将魔术的幻觉引入镜头，从而确立了电影作为“造梦机器”的最初基因。随后，探讨早期电影制作人（如乔治·史密斯、埃德温·S·鲍特）如何通过蒙太奇的雏形——简单的场面调度和场景切换，开始学习如何用视觉叙事取代舞台化的固定景别。 重点内容包括：早期电影院的社会功能转型，从奇观马戏到大众娱乐的过渡；对光线、景深和焦距的初步运用，以及无声片时代对音乐、表演和字幕的依赖性研究。本章旨在揭示，电影诞生之初，其叙事语言的构建是多么原始而又充满实验性。 第二章：好莱坞的崛起与古典叙事范式的确立 进入20世纪20年代，随着长片制作的成熟和好莱坞制片厂制度的建立，电影工业化进入快车道。本章将聚焦于如何通过D.W.格里菲斯等人的努力，完成了对“经典好莱坞叙事”（Classical Hollywood Narrative）的系统化构建。 我们将详细剖析“连续性剪辑”的规则——如何通过动作匹配、视线方向、焦点跟随等技术手段，实现对时间与空间的无缝隐藏，从而让观众完全沉浸于故事之中，而不去察觉到影像的“拼接”痕迹。 此外，本章还会深入研究梅里美（Merle)的“三幕剧”结构如何在商业电影中被固化，以及类型片（西部片、歌舞片、黑色电影的萌芽）是如何通过重复的叙事母题和视觉符号，构建起美国大众文化的集体记忆。对马克斯·魏斯（Max Weber）的企业化管理模式如何渗透到艺术创作过程的分析，将为理解好莱坞的运作逻辑提供新的视角。 第三章：欧洲的觉醒——现代主义的挑战与形式的解放 二战前后，欧洲的电影创作者们对好莱坞的“完美幻觉”发起了深刻的质疑。本章将从两个主要方向展开叙述： 一、苏联的构成主义与情感动员： 重点分析爱森斯坦、普多夫金和库里肖夫对蒙太奇理论的激进发展。他们不再满足于连接场景，而是追求通过对立元素的碰撞，在观众心中产生新的、预设的观念——“知性蒙太奇”。本章将以《战舰波将金号》为例，拆解其阶梯场景中视觉节奏如何精确地控制观众的道德判断。 二、法国的印象派与超现实主义： 探讨巴赞（Jean Epstein）和杜拉克（Germaine Dulac）等人如何反抗剪辑的暴政，转而推崇“深度曝光”和“运动景深”来强调现实的连续性。同时，我们将剖析布纽尔（Buñuel）和达利（Dalí）如何利用梦境逻辑和潜意识的意象，挑战既有的视觉理性，预示了后来的艺术电影走向。 第四章：战后的迷惘与个体视角的回归 二战的创伤使得欧洲电影人开始反思宏大叙事和意识形态的构建。本章聚焦于意大利新现实主义的出现，以及它对纪实美学的影响。 我们将研究德·西卡和罗西里尼如何将镜头带出摄影棚，聚焦于普通民众在废墟中的挣扎。这种对“未被粉饰的现实”的追求，极大地影响了后世的纪录片和作者电影。 随后，我们将过渡到法国新浪潮（Nouvelle Vague）。特吕弗、戈达尔等人的崛起，标志着电影不再仅仅是导演对剧本的诠释，而是作者（Auteur）的自我表达。本章会详细分析“跳切”（Jump Cut）如何成为一种反叙事的工具，表达时间的中断与主体身份的碎片化。对摄影机稳定性的打破，以及对即兴表演的推崇，共同构建了这种高度个人化的电影语言。 第五章：全球视野下的叙事重构与技术革新 进入20世纪70年代，电影艺术进入了多元化和全球化的阶段。本章将审视几个关键的转向： 一、新好莱坞的“反英雄”时代： 分析科波拉、斯科塞斯等导演如何借鉴欧洲现代主义手法，将对美国梦的怀疑植入到商业制作中，塑造出复杂、道德模糊的角色。 二、日本电影的静谧美学： 探讨小津安二郎的“榻榻米镜头”和“无为而治”的叙事策略，以及黑泽明的历史史诗如何将东方哲学融入到对权力与正义的探讨中。 三、数字时代的冲击与未来： 本章最后部分将探讨数字摄影、CGI技术对传统胶片美学的颠覆。讨论后现代电影（如昆汀·塔伦蒂诺）如何通过对类型片的戏仿和拼贴，模糊了“原创”与“引用”的界限。我们将探讨在流媒体主导的时代，电影的“场所性”（Place）正在如何被重新定义。 总结：光影的永恒命题 全书的结论部分将回到电影本质的探讨：电影是时间的雕塑，是空间的重构，更是人类集体情感投射的载体。通过对跨越百年的技术、美学和哲思的梳理，本书旨在提供一个成熟的框架，帮助读者理解电影艺术是如何从最初的“移动的幻灯片”，发展成为我们这个时代最具影响力的表达形式之一。

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读完《剪刀》，我最大的感受是它对“切割”这一行为的深刻探讨，但这种探讨是极其隐晦和诗意的。它远不止于字面上的剪断，更多的是关于选择、分离、界限的建立与破坏。作者似乎总是在不经意间，抛出一个哲学层面的命题，然后让故事自然而然地去回应它。我特别喜欢其中关于记忆如何被“裁剪”和重塑的部分。书中有一个章节，描写了一次家庭聚会，对话寥寥数语，但通过人物眼神的交汇和肢体语言的细微变化，那种陈年旧事的张力几乎要冲破纸面。这种“写而不尽，言之有物”的叙事技巧，极大地激发了读者的想象力，让人在合上书后，仍然会在脑海中不断地回放那些场景，试图拼凑出更完整的图景。它不是一本读起来轻松愉快的书，它更像是一块需要耐心打磨的璞玉，只有投入足够多的心神，才能看到其中折射出的复杂人性之光。

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《剪刀》带给我的震撼，更多的是一种智力上的挑战与精神上的回响。它不是那种读完就合上的书，它会像种子一样在你心里生根发芽，让你在接下来的日子里，总是不由自主地回想起书中的某些场景、某些对话，去审视自己生活中的“边界”和“选择”。全书的意象运用极为克制而精准，每当出现一个重要的物件或场景时，你知道它绝非偶然，它一定是为后续的情节或主题服务的，这种伏笔的巧妙设置，体现了作者高超的掌控力。我尤其推崇结局的处理方式，它没有提供一个大团圆式的总结，反而留下了一个开放式的、带着一丝悲剧色彩的尾声，这种留白，恰恰是对生活本质最真实的写照——很多事情，从来就没有一个干净利落的终点，它们只是以另一种形式继续存在着。这是一部值得反复品读，每次都能发现新层次的佳作。

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这本《剪刀》读起来真是一次意想不到的旅程。一开始，我对书名感到有些好奇，毕竟“剪刀”这样一个日常用品，能承载起怎样的故事或思考？然而，作者并未直接聚焦于剪刀的物理形态，而是巧妙地将其作为一种意象，贯穿在错综复杂的人物关系和时代背景之中。叙事节奏把握得极为精妙，时而如平静的湖面，细细描摹着主人公内心的挣扎与微小的日常；时而又猛然掀起波澜，将读者抛入一场突如其来的冲突或抉择之中。特别是书中对某个特定历史时期市民生活的刻画，那种细节的丰富程度令人叹为观止，仿佛能闻到那个年代特有的气味，感受到空气中弥漫的紧张与希望。角色塑造更是立体得让人心疼，他们并非完美无瑕的英雄或彻头彻尾的恶人，而是充满了人性的弱点与闪光点，他们的每一个决定，都似乎带着某种宿命般的沉重感。这本书的文字功底极其深厚，尤其在环境烘托和心理描摹方面，达到了令人屏息的境地。

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这本书的语言风格变化多端，这是我最欣赏的一点。有时它会使用极其古典、考究的书面语，描绘宏大场景或进行内心独白，笔力雄健，气势磅礴；但转瞬之间，又会切换到极其口语化、带着浓重地方色彩的对话，生动活泼，充满了烟火气。这种张弛有度的语言运用，使得全书的基调保持着一种微妙的平衡，避免了沉重感压垮读者的疲惫。尤其是在描述两位主要角色之间那种爱恨交织、难以割舍的情感纠葛时，作者对情绪的捕捉达到了近乎本能的精准。那种无法言说的复杂情愫，仅仅通过一两句看似平淡的对白，便能让读者感同身受。它成功地避免了落入俗套的爱情故事窠臼，而是将其提升到了探讨人与人之间依存关系的哲学层面。

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坦白说，初读《剪刀》时，我曾感到一丝困惑，因为它并非采用线性叙事，时间线经常在过去与现在之间跳跃，人物的身份和动机也需要读者花费一些力气去梳理。但一旦适应了这种叙事结构，就会发现这种碎片化的处理方式恰恰是作者要表达的主题的一部分——生活本身就是由无数不规则的碎片拼凑而成的。书中对某一类特定职业人群的描写，尤其引人注目。作者显然是做了极为细致的田野调查，对他们的工作流程、行话乃至私下的交流方式都了如指掌，使得这些部分的描写真实得近乎残酷，充满了未经修饰的生活气息。与市面上许多追求快速情节的畅销书不同，《剪刀》更像是一部慢炖的艺术品，它不急于给出答案，而是邀请你一同进入那个构建的世界，去感受那些微小而重要的瞬间。这种沉浸式的阅读体验，让人欲罢不能。

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