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出版者:文化艺术出版社

作者:黄兰

出品人:

页数:174

译者:

出版时间:1998-12

价格:28.00元

装帧:平装

isbn号码:9787503918315

丛书系列:

图书标签:

• 美术史
• 中国美术
• 艺术
• 绘画
• 书法
• 雕塑
• 工艺美术
• 艺术史
• 文化
• 艺术作品

《世界建筑史纲》 一、本书概述：穿越时空的建筑之旅 《世界建筑史纲》是一部全面而深入探讨人类建筑艺术演变历程的权威著作。本书以宏大的历史视野，系统梳理了自史前萌芽至当代前沿的全球主要建筑风格、技术革新及其背后的文化、社会、技术驱动力。它不仅仅是一部编年史，更是一部关于人类居住理念、审美追求与工程智慧的深刻剖析。 本书的主旨在于揭示建筑作为物质载体与精神象征的双重属性，探讨不同文明在特定的历史语境下，如何通过空间组织、材料运用和结构设计，塑造其独特的社会形态和精神面貌。我们力求超越单纯的风格罗列，深入挖掘每一阶段建筑背后的哲学思想、宗教信仰、政治权力结构乃至气候环境的制约与适应。 全书内容涵盖了从最初的洞穴居所、巨石阵，到古埃及的金字塔、古希腊的柱式殿堂，再到古罗马的拱券奇迹、中世纪的哥特式教堂，再到文艺复兴的理性回归、巴洛克的激情澎湃，直至近现代的工业化浪潮与后现代主义的多元解构。 二、核心内容结构：按时间轴与地域文明划分的深度剖析 本书内容划分为六大部分，确保了历史的脉络清晰且兼顾地域文化的独特性。 第一部分：文明的起源与早期形态（史前至公元前 3000 年） 引言：环境塑造者与被塑造者。 探讨早期人类对生存空间的本能需求，以及工具和技术对建筑实践的初次影响。 早期聚落的出现： 聚焦于美索不达米亚地区的泥砖建筑传统，分析其与大河文明的紧密联系。 巨石文明的谜团： 详细考察英国的巨石阵、爱尔兰的纽格莱奇，分析其天文观测与宗教仪式的空间意义，探讨早期社会组织能力。 材料的初次标准化： 讨论早期木材、夯土、石材的初步加工与应用规范。 第二部分：古典文明的典范与规范（公元前 3000 年 – 公元 476 年） 古埃及：永恒的纪念碑。 深入研究金字塔、神庙（卡尔纳克、卢克索）的轴线对称、体量感与永恒性追求。重点剖析了方尖碑的象征意义和石材运输、堆砌的技术挑战。 美索不达米亚的城市： 分析苏美尔、巴比伦、亚述的城邦规划，如宏伟的空中花园和阶梯金字塔（Ziggurat）如何体现神权与王权的结合。 古希腊：理性的尺度与和谐。 详细解析多立克、爱奥尼、科林斯三柱式的发展与规范。以帕特农神庙为例，阐释黄金分割在建筑美学中的应用，以及公共建筑（剧场、体育场）对城邦生活的重要性。 古罗马：工程的胜利与帝国的扩张。 重点分析罗马人对混凝土（Opus Caementicium）的发明与应用，以及拱、券、穹顶（如万神殿、卡拉卡拉浴场）技术的成熟。探讨罗马道路系统、引水渠（渡槽）对城市化进程的决定性作用。 第三部分：中世纪的信仰之塔（公元 476 年 – 14 世纪） 早期基督教与拜占庭的辉煌： 考察圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia）如何解决巨大的圆形穹顶与方形基座之间的结构过渡问题，分析其马赛克装饰对宗教叙事的贡献。 罗马式建筑：防御与虔诚。 分析厚重墙体、小开窗、筒形拱顶的特征，探讨其在欧洲各地修道院和朝圣教堂中的地域差异。 哥特式革命：向天空的攀升。 全面解析飞扶壁、尖拱、肋拱的结构体系，如何实现了墙体的“消失”和窗户的极限扩张。重点分析沙特尔大教堂、巴黎圣母院等，阐释光线在宗教体验中的角色。 第四部分：文艺复兴与巴洛克：人性的回归与情感的张力（15 世纪 – 18 世纪） 文艺复兴的理性回归： 考察佛罗伦萨如何成为中心，布鲁内莱斯基对古典语汇的重新发掘与结构上的创新（如圣母百花大教堂穹顶）。深入分析阿尔伯蒂和帕拉第奥对古典秩序的理论化，以及“理想城市”的构想。 巴洛克与洛可可：运动、戏剧与感官的盛宴。 分析巴洛克建筑如何通过椭圆平面、曲面墙体、强烈的明暗对比来表达情感的动荡与权力的威严（如贝尼尼的圣彼得广场设计）。洛可可则展示了室内装饰的精致与轻盈。 第五部分：工业革命与现代主义的诞生（18 世纪末 – 20 世纪中叶） 工业时代的挑战与新材料： 探讨铸铁、钢材、玻璃等新材料的出现对传统建筑学的冲击。分析桥梁、火车站等新型基础设施的建筑实践。 学院派的延续与反思： 介绍 19 世纪盛行的复兴主义风格（如新哥特式、新古典主义）及其背后的历史主义思潮。 现代主义的宣言：功能至上。 详述勒·柯布西耶（自由平面、底层架空、横向长窗、屋顶花园）、密斯·凡德罗（少即是多、玻璃幕墙）等大师的核心理念。分析包豪斯在教育和设计实践中对传统美学的颠覆。 第六部分：多元的后现代世界（20 世纪中叶至今） 国际风格的泛滥与反思： 探讨战后全球化背景下，极简主义建筑的推广与随之而来的城市千篇一律问题。 后现代主义的回归：符号与历史的戏谑。 分析文丘里对“复杂性与矛盾性”的倡导，对现代主义纯粹性的挑战。 当代前沿趋势： 考察高技派（High-Tech）、解构主义（如盖里对形态的探索）以及可持续性建筑、绿色建筑和参数化设计（Parametricism）在应对气候变化和信息技术背景下的发展。 三、本书特色与研究方法 1. 跨文化对比分析： 本书不仅关注西方建筑史，更穿插对伊斯兰建筑（如穹顶、几何图案）、中国传统建筑（如斗拱、院落布局）、日本传统建筑（如木结构、侘寂美学）的专题分析，以提供更广阔的全球视角。 2. 技术与美学的统一： 每一章节都强调结构技术（如如何跨越更大的空间）如何直接催生了新的美学形式（如从厚重到轻盈的转变）。 3. 图文并茂的严谨性： 书中辅以大量高清的平面图、剖面图、轴侧图和实景照片，确保读者能够精确理解建筑的结构逻辑与空间关系。对关键建筑的尺寸和比例分析达到了学术研究的严谨程度。 四、适用读者群体 本书是建筑学、城市规划、艺术史、历史学等相关专业学生及研究人员的必备参考书。同时，对于所有对人类文明发展、空间艺术和历史变迁抱有浓厚兴趣的普通读者，本书也将提供一场深入浅出、引人入胜的知识盛宴。通过阅读此书，读者将能够以全新的眼光审视我们周遭的建筑环境，理解其深藏的历史密码。

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这份装帧精美的读物，给我带来的阅读体验，更像是进行了一场充满了意外和惊喜的“考古发掘”。它没有采用那种教科书式的平铺直叙，而是采取了一种非常个人化、近乎“私人笔记”的叙事口吻。作者在论述某些历史事件对艺术风格转变的影响时，不拘泥于传统的史料堆砌，而是大量穿插了对当时社会风气、士人阶层心态的细致描摹，这使得那些冰冷的艺术品仿佛重新获得了生命和呼吸感。特别是解析明代文人画中那种“游戏笔墨”的心态时，那种带着些许洒脱和不羁的笔调，读起来真是酣畅淋漓，让人仿佛能感受到空气中弥漫着松烟和竹叶的清香。但这种高度的个人化叙事也带来了另一个层面的体验——那就是它的主观色彩相当浓厚。某些观点下的论据支撑略显单薄，更多地依赖于作者自身深厚的“感觉”和“直觉”，这对于追求客观公正的史学研究者来说，或许会稍显不够严谨。不过，对于那些渴望在艺术鉴赏中寻找“知音”和“共鸣”的读者，这种真挚的感性表达无疑是极具吸引力的。

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初读此书时，我最欣赏的是作者在语言运用上的那种古典韵味和诗意表达，很多段落读起来简直可以称得上散文诗。文字的节奏感和对气氛的烘托，处理得极为老到，它成功地营造了一种高雅脱俗的审美氛围，让人在阅读过程中倍感愉悦。然而，随着阅读的深入，我开始察觉到这种文风下潜藏的某种“疏离感”。作者似乎更专注于对艺术的“赞颂”和对古典精神的“膜拜”，而较少触及艺术在特定历史时期所承载的社会功能、权力运作，甚至是其商业化流通的现实层面。例如，当谈及某位大家的作品如何影响了后世的审美取向时，描述大多停留在“气韵生动”、“意境高远”这类形而上的赞美，却鲜有分析其艺术品在当时市场上的价值波动、或是被帝王/士大夫阶层如何“使用”和“消费”的实际情况。这种过于强调精神层面而忽视物质基础的做法，使得整本书的论述显得有些“悬浮”，虽然美轮美奂，却少了一份扎根于现实土壤的厚重与力量感。

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这本书的编排结构，有一种奇特的跳跃感，仿佛是在一个巨大的时间轴上随机选取了几个光点进行放大观察。它似乎刻意避开了那些被反复论述的“热门”段落，而是将笔墨集中在了那些相对冷门、但历史意义同样深远的边缘领域。比如，其中关于辽金时期宫廷工艺美术的专题探讨，那种对金属錾刻工艺和地方民族纹样的细致梳理，是我在其他主流读物中极少见到的。这种“冷门聚焦”的策略，无疑拓宽了我的视野，让我意识到中国艺术的丰富性远超我们惯常认知的“唐宋元明清”的主干线索。但这种高度的偏科性，也造成了阅读上的不连贯。当我沉浸于对某一非主流艺术形式的理解时，忽然又被拉回到了另一个完全不相干的朝代，前后的知识点缺乏有效的过渡和勾连，使得知识的吸收过程变成了一种“碎片化”的累积，而不是线性的构建。这要求读者必须具备很强的自我整理和知识整合能力，否则很容易在海量的、不同体系的信息中感到疲惫。

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这本书，嗯，说实话，刚拿到手的时候，我对它抱有的期望值其实挺高的。封面设计那种水墨晕染的风格，一下子就让人联想到了那种沉静而深远的东方美学，我以为它会是一部详尽梳理从魏晋风骨到近现代变革的脉络清晰的学术巨著。然而，翻开内页，那种预期的那种系统性的叙述逻辑感并没有立刻出现。它更像是一系列精心挑选的、分散的艺术史“切片”，每篇文章都聚焦于某一个特定的时期、某一位艺术家的某个阶段，甚至是某一件作品的局部细节进行深入挖掘。比如，关于宋代院体画的细腻描摹部分，文字功力确实了得，那种对笔墨干湿浓淡的描述，简直可以让人脑海中浮现出绢本上色彩的微妙变化。但问题在于，这些“切片”之间的衔接略显突兀，如果不是对中国艺术史已经有了一定的基础认知，初读者可能会在不同章节间感到有些迷失，找不到一条贯穿始终的主线来串联起这些精彩的片段。它更像是给已经有所涉猎的爱好者提供了一本精美的“进阶阅读材料”，而不是为入门者铺设平坦大道的“导览手册”。我期待的是一座结构完整的宏伟殿堂，结果拿到手的是一箱被精心包装、等待独立鉴赏的珍宝。

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说实话，这本书在图版的选择和印刷质量上，简直是无可挑剔的典范。每一幅引入的画作或拓片，色彩的还原度极高，细节的呈现达到了令人惊叹的清晰度。我曾仔细比对过其中一幅元代山水画的局部放大图，连皴法中那些细若发丝的干笔触都能清晰辨认，这对于研究笔墨技巧的读者来说，是极其宝贵的视觉资料。然而，伴随着这种视觉上的盛宴，我内心深处却产生了一种微妙的“失衡感”。大量的篇幅似乎被用于对这些图像的“炫耀式”展示，而对图像背后的文化语境、技术演变过程的阐释，相对而言就显得有些蜻蜓点水了。例如，某一段讨论敦煌壁画的色彩矿物学特征时，作者仅仅是轻描淡写地提到了几种颜料的名称，但并未深入探讨它们在不同朝代的使用频率、成本差异以及宗教象征意义的演变——这方面的内容，在我看来，才是真正能将“艺术”与“历史”深度咬合的关键。高质量的图片固然重要，但倘若其文字内容不能与之匹配，提供足够深厚的理论支撑，那么它更像是一本精美的画册，而非一部严谨的美术史论。

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很薄的一本书，就是简要地把中国绘画的历史梳理一遍。用一个多小时就翻完了。没什么深刻、有意思的见解。了解大概的脉络看看就行。

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很薄的一本书，就是简要地把中国绘画的历史梳理一遍。用一个多小时就翻完了。没什么深刻、有意思的见解。了解大概的脉络看看就行。