墨梅画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国和平出版社

作者:刘福林

出品人:

页数:87

译者:

出版时间:1991-06

价格:11.00

装帧:平装

isbn号码:9787800375590

丛书系列:

图书标签:

• 墨梅
• 梅花
• 绘画
• 水墨画
• 中国画
• 绘画技法
• 艺术
• 花卉
• 临摹
• 写意

好的，这是一部关于中国传统建筑艺术的深度探索之作。 《琼楼玉宇：中国古典园林建筑的形制与意境》 内容提要： 《琼楼玉宇》是一部全面而深入地剖析中国古典园林建筑艺术的学术专著。本书超越了对园林景观的简单罗列与赞美，旨在从历史、哲学、美学和技术多个维度，揭示中国园林之所以成为世界建筑史上一颗璀璨明珠的内在逻辑与精神内核。全书以严谨的考据和细腻的观察为基础，构建了一个系统化的中国古典园林建筑的知识体系，适合园林专业人士、建筑史研究者、历史文化爱好者以及所有对东方美学心怀向往的读者。 第一部分：溯源与奠基——园林思想的哲学基础 本部分追溯了中国古典园林思想的源头，探讨了其与先秦道家思想、儒家伦理以及佛教禅宗哲学的深刻关联。 自然观的演变： 首先阐述了古人“天人合一”的宇宙观如何直接导向了“师法自然”的造园理念。重点分析了《庄子》中对“逍遥游”的追求，如何转化为园林中对自由空间和非对称布局的偏爱。 “咫尺之内再造乾坤”的实现： 详细阐述了中国园林如何通过有限的空间，模拟无限的自然山水。研究了“缩地成寸”的造园手法背后所蕴含的空间哲学，即通过层层递进的景观序列，引导观者心神进入一种冥想式的境界。 礼制与隐逸的张力： 辨析了宫廷苑囿（如皇家园林）与私家园林在功能和精神上的差异。皇家园林侧重于秩序、威仪与教化，而私家园林则承载了士大夫阶层对“归园田居”的理想化寄托，这种内在的张力构成了中国园林艺术的丰富性。 第二部分：形制之美——建筑元素与空间序列的构建 本部分是本书的核心技术分析部分，详细解构了构成中国园林建筑的各种实体元素及其组织规律。 “借景”的艺术与“框景”的技法： 深入剖析了园林建筑中窗、门、廊、亭的结构性作用。窗不再仅仅是采光通风的构件，而是被视为连接室内与室外的“画框”。分析了不同形制的窗（月洞门、海棠窗、漏窗）在引导视线、控制光影和暗示季节变化中的精妙作用。 水体的哲学与工程： 论述了水在中国园林中的核心地位，不仅仅是景观要素，更是“气”的流动象征。详细研究了江南私家园林（如苏州园林）中对水池的形态设计——曲折、深浅、动静的控制，以及如何通过叠石来模拟江河湖海的自然状态。 建筑的“虚”与“实”： 探讨了亭、台、楼、阁、轩、榭等单体建筑的功用与造型。分析了它们在空间布局中如何扮演“节点”或“过渡”的角色。例如，亭的轻盈与山体的厚重如何相互映衬，实现空间节奏的抑扬顿挫。特别关注了廊道系统，揭示其如何串联各个景观单元，形成一条流动的叙事线索。 叠石的摹山理水： 专门开辟章节探讨了太湖石等假山的营造艺术。从选石、运石到堆叠，每一步都体现了对自然山脉形态的提炼与升华，是“人造自然”的极致体现。 第三部分：意境之韵——光影、色彩与文人情怀 此部分着重于园林中非物质化元素的分析，即如何通过精心的设计营造出独特的“意境”。 光影的雕刻： 分析了在不同时间、不同天气条件下，建筑构件如何与自然光互动，产生“步移景异，人过景迁”的效果。重点分析了竹影、树影在白墙黛瓦上的动态美感。 色彩的克制与象征： 探讨了中国园林中色彩的运用原则——崇尚自然朴素的本色。白墙、灰瓦、青砖构成了园林的主色调，这种克制的色彩策略，旨在衬托自然界瞬息万变的色彩（如花卉、秋叶、蓝天），体现了高古的审美趣味。 诗文与题咏的融入： 阐释了匾额、楹联、碑刻在中国园林中的文化功能。这些文字元素不仅是装饰，更是对园林空间意境的诗意解读与哲学点睛，将园林从单纯的物质空间提升至精神境界的载体。 季节的转换与园林的情感： 深入研究了园林如何通过特定的植物配置（如岁寒三友、四季花卉）来体现季节的更迭，以及文人在不同季节游园时所寄托的个人情感与人生哲思。 第四部分：流变与典范——地域风格的差异化研究 本书最后一部分将目光投向中国地域间的园林风格差异，以确立各地园林的独特地位。 江南园林的精致与内向： 以苏州、扬州园林为例，强调其“以小见大”的技巧、精细的装饰、以及内向含蓄的布局，是士大夫文化成熟期的产物。 北方园林的规整与宏大： 分析了皇家园林（如颐和园的局部改造）的特点，即更加强调轴线对称、体量感和开阔的视野，反映了皇权对自然的掌控欲。 岭南园林的通透与湿热适应： 探讨了广东、福建等地园林为适应湿热气候而发展出的通风、开敞的建筑结构，以及其吸收地方物产和民间艺术的特色。 结语： 《琼楼玉宇》不仅是一部关于建筑技术的书籍，更是一部关于中国传统生活哲学和审美理想的深度文献。它引导读者穿越历史的烟尘，重新审视那些看似寻常的飞檐斗拱、曲径通幽之处，领悟中国古人如何将哲学思考、文学想象与精湛的建筑技艺完美融合，创造出独步世界的“可居、可游、可赏”的精神家园。 --- 附录 中国古典园林大事年表 园林建筑术语详尽解释 主要园林案例测绘图集（精选） 参考文献与史料索引

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从收藏和研究的角度来看，这本画谱的文献价值是无法忽视的。它收录的作品，似乎囊括了几个不同流派的代表性风格，呈现出一种融汇贯通的气象。书中的注释部分，虽然简短，但引用的典故和出处都非常考究，显示出编撰者深厚的学术功底。我特别注意到，对于一些罕见的笔法技巧，书中不仅有图例，还引用了古代画论中的相关论述进行佐证，这使得整个学习过程变得更加严谨和有据可依。对于想要进行深入研究的学者而言，这本书提供了一个很好的切入点，它既是实践的指南，也是理论的参考。它没有故作高深地用晦涩的语言包装，而是用最朴实的图文，搭建起一座连接古今艺术精髓的桥梁，让人在学习绘画技艺的同时，也对中国传统艺术史有了更立体的认识。

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当我开始细看内容时，才真正体会到这套画谱在技法解析上的独到之处。它不像某些教程那样堆砌复杂的理论，而是采取了一种非常直观的、由浅入深的示范路径。作者对于墨色的层次变化，简直是掌握得出神入化，从最淡的“宿墨”到浓黑的“焦墨”，每一种过渡都被拆解成了几个清晰可循的步骤。特别是对“飞白”的运用，书中不仅展示了最终效果，还配有放大图，清晰地勾勒出笔尖如何巧妙地游走于纸面之上，使得枯笔的力度和速度感跃然纸上。对于我这种长期困于笔墨表现力不足的习画者来说，这种具象化的指导无异于拨云见日。它似乎在无声地告诉我，每一次落笔都不是随机的，而是基于对材料和工具深刻理解后的精准控制。这种对细节的执着，让原本高深的技艺变得触手可及，极大地增强了我尝试和模仿的信心。

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这本书的装帧设计实在是让人眼前一亮，尤其是那精美的封面，初拿到手时，就被那雅致的墨色与含蓄的留白所吸引。纸张的质感也相当出色，触感温润，拿在手里有种沉甸甸的踏实感，这显然是下了功夫的。内页的印刷清晰度极高，即便是最细腻的笔触，线条的过渡也毫无模糊之感，这对于学习中国画的读者来说，无疑是极大的便利。翻开扉页，排版布局疏朗有致，让人在阅读和观摩时，能够保持一种心境的宁静。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，比如每幅作品旁标注的创作年代和简短的题跋赏析，虽然篇幅不长，但信息量却很丰富，能让人快速进入到作品的语境中去。整体而言，这本书的制作水平已经达到了收藏级别，即便是对绘画尚不精通的爱好者，光是欣赏这本画册本身，也是一种极大的享受。它不仅仅是一本画集，更像是一件精心打磨的艺术品，体现了出版方对传统文化应有的敬意。

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这本书的编排逻辑，体现了一种深厚的文化底蕴和清晰的教学思路。它并非简单地将作品罗列在一起，而是似乎遵循着一条内在的“心法”脉络进行展开。前一部分似乎侧重于基础的“形神兼备”，探讨如何捕捉对象的生命力，线条的力度和韵律感是重点。接着，内容逐渐深入到意境的营造，探讨“以形写神”的高级阶段。我发现，作者很擅长将抽象的哲学思考，融入到具体绘画的步骤讲解中，比如如何通过调整呼吸和心态来影响墨的洇化效果，这种跨界的讲解方式非常新颖。读完这部分内容，我感觉自己对中国画的理解不再仅仅停留在“画什么”的层面，而是提升到了“如何以画入道”的层次。这种由技入道的引导，才是真正的高级教学，让人读后久久不能平静，总想拿起笔再试一试。

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最让我感到惊喜的是，阅读这本书的过程中，我体验到了一种前所未有的精神上的共鸣。它似乎超越了单纯的绘画技巧教学，更像是一次与古人心灵的对话。在描绘那些看似简单的花卉形象时，字里行间透露出的那种对自然万物细致入微的观察和尊重，深深地感染了我。比如对花瓣边缘那几笔不经意的勾勒，仿佛能感受到画家那一刻的静谧与专注。这种宁静的力量，在如今这个喧嚣的时代里，显得尤为珍贵。它让我意识到，绘画不仅仅是技巧的展现，更是一种修身养性的过程。每次翻开它，都像是在进行一次心灵的洗涤，烦躁的心绪会自然而然地沉淀下来，只剩下对美的纯粹追求。这本书带来的不仅仅是绘画能力的提升，更是一种生活态度的熏陶，让人在创作中寻找到内心的平和与秩序。

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