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出版者:光明日报出版社

作者:黄全信

出品人:

页数:152

译者:

出版时间:1997-01

价格:14.80

装帧:平装

isbn号码:9787800916182

丛书系列:

图书标签:

• 古诗
• 字帖
• 书法
• 教育
• 儿童
• 启蒙
• 汉字
• 传统文化
• 亲子
• 学习

《翰墨丹青：中国传统绘画技法详解》 一、绪论：穿越时空的艺术对话 中国传统绘画，植根于五千年的文明沃土，不仅是视觉的艺术，更是哲思的载体，心性的流露。它与诗词、书法并称“三绝”，以独特的笔墨语言，构建了一个充满东方意境的审美世界。《翰墨丹青：中国传统绘画技法详解》旨在带领读者深度探寻这一博大精深的艺术领域，从宏观的理论体系到微观的笔墨技巧，进行一次全面而细致的梳理与剖析。 本书的编写初衷，在于为当代艺术爱好者、专业学习者，以及对中国文化有浓厚兴趣的读者，提供一本既具学术深度又不失实践指导意义的参考典籍。我们力求跳脱出传统教程的刻板框架，以一种更具探索性和启发性的方式，引导读者进入中国画的“有法而无定法”的境界。 二、卷一：溯源与理论基石 1. 历史脉络的梳理：从岩画到宋元高峰 本卷首先追溯中国绘画的源头，从遥远的新石器时代的陶器纹饰，到汉代的帛画、墓室壁画，勾勒出早期图像的符号意义与社会功能。随后，重点聚焦于魏晋南北朝时期，探讨顾恺之“传神论”的诞生，及其对后世人物画的深远影响。 唐代作为盛世，绘画艺术达到了第一个高峰。我们详细分析了吴道子“吴带当风”的线条艺术，阎立本的工谨写实，以及青绿山水的辉煌成就。进入宋代，院体画的成熟与文人画的兴起形成了鲜明的对比。李唐、刘松年的界画精妙，范宽、郭熙对山川形胜的描摹，以及马远、夏圭“一角半边”的意境营造，构成了中国山水画的理论和实践的巅峰。 元代的文人画思潮，以“元四家”为代表，强调“逸笔草草，不求形似”，将诗、书、画、印融为一体，是理解中国绘画精神内核的关键。 2. 哲学与美学：意境、气韵与留白 中国画的精髓不在于“形似”，而在于“神似”。本章深入阐释了影响中国绘画创作的几大核心美学概念： 气韵生动：东晋谢赫“六法”之首，它是衡量一件作品艺术成就的最高标准，涉及画家对自然、社会和自我的体悟。 计白当黑与虚实相生：留白并非“空白”，而是“有形之无形”，是画家预留给观者想象力的空间。我们将分析如何通过墨色的浓淡干湿控制，营造空间的层次感与呼吸感。 诗中有画，画中有诗：探讨中国画如何融入文学性和哲理性，使得画面成为承载文人情怀的载体。 三、卷二：笔墨的物质性与技法精修 中国画的工具材料是其独特的物质基础。本卷将详尽介绍“文房四宝”及其在绘画中的具体应用。 1. 笔的选择与控制 毛笔的种类繁多，包括狼毫、羊毫、兼毫等，每种毛笔的特性（弹性、蓄墨量）决定了其适用的线条和皴法。本章将通过大量实例图解，演示如何通过提、按、顿、挫的力度变化，控制线条的粗细、刚柔与节奏感。 2. 墨的运用与层次 墨，是中国画的灵魂。我们不仅讨论墨锭的研磨过程，更着重分析“墨分五色”的实践——焦、浓、重、淡、清的转化。如何运用宿墨、破墨等技法，在单色调中创造出丰富的水墨层次和立体感。 3. 传统用色与矿物颜料 虽然水墨为主流，但重彩、浅绛体系依然重要。本卷会介绍矿物颜料（如石青、石绿、朱砂）的特性、附着力，以及如何配合胶矾水进行矿物颜料的晕染，避免“颜色发灰”的问题。 四、卷三：山水画的千岩万壑 山水画是中国画中最为宏大和成熟的体系。本卷将专注于山水画的结构、皴法与章法。 1. 基本骨架的构建：皴法详解 皴法是表现山石肌理的独特手段，是山水画的“骨骼”。本书系统介绍了十八种主要的传统皴法，并剖析其地域性和适用性： 披麻皴、斧劈皴：分析其在表现不同岩石结构时的侧重点。 米点皴、蘸笔皴：探讨如何用点染的技法来表现南方湿润、雾气弥漫的山景。 2. 树法与点苔 树木是山水的“毛发”。本章将拆解传统树法，如“折枝法”、“点叶法”，并结合四季变化分析不同树种的造型特点。点苔则是赋予山石生命力的关键步骤，讲解苔点在增强画面空间感和湿润度上的作用。 3. 章法与散点透视 中国山水画通常采用散点透视，打破西方焦点透视的局限。我们将讲解“高远、深远、平远”的运用，以及如何通过“S”形或“Z”形的路线引导，组织画面元素，使之气脉贯通，避免画面拥堵。 五、卷四：花鸟与人物的精微之道 1. 花鸟画：写意与工笔的交融 花鸟画分为工笔重彩（如宋徽宗的院体）和写意（如徐渭、八大山人）。本章对比分析两种风格的创作要点： 写意花鸟：强调神态的捕捉，以简练的线条和墨色勾勒生命的活力。对梅兰竹菊“四君子”的笔墨要诀进行专项解析。 工笔界画：对细节的极致追求，对禽鸟羽毛的丝丝入扣，以及对昆虫形态的精确描绘。 2. 人物画：气韵与衣纹的表达 人物画强调“传神”。我们回溯顾恺之、吴道子、韩干的线条技法，重点分析白描在人物画中的基础地位。衣纹的绘制不仅要表现衣物的质地，更要体现人物的性格和动态，如曹衣带水、兰叶描等经典纹样解析。 六、结语：融入自我，开创新局 中国传统绘画的学习是一个不断“入古”又不断“出新”的过程。本书的最后一部分，旨在鼓励读者在掌握了扎实的传统技法之后，应勇于将个人的情感、时代的面貌融入到笔墨之中。优秀的中国画家，始终是时代精神的忠实记录者和思想的深刻表达者。 《翰墨丹青：中国传统绘画技法详解》，是通往中国古典艺术殿堂的一把钥匙，它提供的不仅是技法手册，更是一条通往东方审美与哲学深处的探索之路。

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我是一个对字体美感有执念的人，市面上那些流行的字体很多都追求速度感和现代感，但总觉得少了点沉淀和韵味。这本字帖的选帖角度非常独特，它没有选择最常见的王羲之或者颜真卿的楷书，而是似乎更偏向于宋代苏轼那种既有法度又充满灵气的风格。我尤其欣赏它在笔画转折处对力道的处理，那种“屋漏痕”的感觉不是简单模仿就能体会到的，需要深厚的功底才能写出来。当我对着范本一笔一划地去揣摩时，我能感受到作者在行笔过程中那种内在的节奏感，它不仅仅是教你怎么把字写对，更是教你怎么把字写“活”。我发现，自从开始练习这本字帖后，我在写日常便签或者工作邮件时，都不自觉地流露出一种更沉稳的气质。这种潜移默化的影响，远比单纯地追求形似要宝贵得多。这本字帖的价值，已经超越了普通练字工具的范畴，更像是一部关于中国传统审美如何融入日常书写的教科书。

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作为一名对传统文化有浓厚兴趣的家长，我一直想找一本能让孩子在学习古诗词的同时，又能提升书写能力的材料。我收到这本字帖后，最先关注的就是它对“教子”这个概念的诠释。它在每首诗的旁边，除了标准的释文外，还配有一些非常精炼的、关于该诗意境或典故的简短解读。这些解读的语言非常典雅，但又足够清晰，不会使用过于生僻的学术词汇，让孩子在抄写的时候，能对文字背后的故事产生兴趣。我试着让我的孩子先看着内容理解，然后再去描摹，效果比单纯的“照猫画虎”要好得多。他不再把写字看作是枯燥的重复劳动，而是将文字和背后的画面感联系起来。这使得练字过程变成了一种文化熏陶，而不是机械训练。这种“知其意，而后习其形”的编排思路，是我在其他字帖中很少见到的，非常符合现代教育理念中对素质培养的重视。

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这本书的装帧设计真是太用心了，封面那种略带复古的米黄色调，配上烫金的字体，拿在手里就感觉分量十足。我特别喜欢它内页的用纸，那种略微带点纹理的特种纸，写起来非常顺滑，墨水洇得恰到好处，不会像有些字帖那样吸墨过度或者渗得到处都是。我之前买过好几本号称“高档”的字帖，但大多是那种光面的铜版纸，用钢笔写上去滑得根本抓不住笔锋，练完之后墨迹干得也慢。这本《教子古诗字帖》在材质上的选择，显然是考虑到了使用者真实的练字体验，无论是用毛笔还是硬笔，都能得到很好的反馈。而且，它的每一页排版都非常讲究，留白适中，让人在临摹的时候感到心旷神怡，而不是被密密麻麻的字挤压得喘不过气。这种对细节的极致追求，让整个练字过程都变成了一种享受，而不是单纯的任务。从书本的整体质感来看，它的耐用性应该也不错，就算是经常翻阅，也不会轻易出现书脊开裂或者散页的情况，这点对于长期坚持练习的人来说，简直太重要了。

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我对字帖的实用性要求很高，尤其是在临摹区域的设计上。这本字帖的布局设计简直是天才之举。它不是简单地把字印上去让你描红，而是采用了“间架结构示范”和“逐字拆解”相结合的方式。对于一些结构比较复杂的字，它会用虚线标出笔画的起收和重心位置，这对于初学者来说，简直是找到了“骨架图”。我个人在练习过程中，经常会遇到一个问题：写出来的字虽然笔画尚可，但整体感觉东倒西歪，缺乏内在的稳定感。这本字帖通过精妙的网格和结构提示，直接解决了这个痛点。它让你在下笔之前，就能在脑海中构建起一个稳固的结构模型。而且，它提供的米字格和九宫格的密度也拿捏得非常到位，既提供了足够的参照，又没有过度干扰视线，让人能够聚焦于笔法的提按顿挫。这种注重结构训练的设计，比那种只关注单个笔画的字帖，进步速度要快得多。

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这本书的装订方式也非常值得称赞，它采用了完全平铺的骑马钉或锁线胶装，打开后可以百分之百地贴合桌面，完全没有那种“拱起来”的感觉，这对于需要长时间伏案练习的人来说，简直是福音。我以前用的很多精装字帖，为了追求美观，把书脊做得太硬，导致你必须用手去按住两边，否则字帖就会合起来，这严重影响了临摹的连贯性。但这本《教子古诗字帖》完全没有这个问题，我可以放心地把整页内容摊开，无论是在书桌还是在榻榻米上练习，都能找到最舒适的姿势。这种对使用者友好度的关注，体现了出版方对使用者体验的深度理解。另外，从装订的牢固程度上看，它也经得起反复翻阅和重压，边缘处理得很干净利落，没有多余的毛边，拿起来手感非常舒适，整体的制作工艺达到了一个非常高的水准，让人觉得物超所值。

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