具体描述
这套丛书在前五集国画普及技法的基础上，从第六集开始为专题绘画教材。本集系统、深入地介绍了梅花的画法。
作者傅世芳先生画梅的造诣极深，曾在中央电视台专题节目中，讲授过怎样画梅的课程。
本书从画梅花的基本知识、学习方法；梅开及树干的结构、分解、组合画法及禁忌；画梅的构图；画梅的用笔、用墨、用色；梅花的创作步骤及创作参考等方面，循序渐进地向读者介绍了画好梅花的规律性知识和技能，传授了画梅速成的一条可行途径，使读者在画梅时能轻快地入门并逐步提高。
这是一本很实用的画梅花技法教材。
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读后感
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用户评价
在学习国画的过程中，我常常会遇到一些困惑，比如为什么自己画的山水没有灵气，或者画的花鸟显得僵硬。这本书在“意境营造”这个部分，给我提供了非常清晰的指导。它不仅仅是教授绘画的技巧，更重要的是引导你去理解和感受中国画的“神”。 它会从多个角度去解析“意境”，比如如何在构图上营造空间感，如何在用笔上体现情感，如何在用墨上表现层次。它鼓励我们要多观察自然，去体会山川的巍峨，花鸟的灵动，并尝试将这些感受融入到自己的画作中。它还提供了许多经典的国画作品赏析，从构图、笔墨、色彩等多个维度去分析其意境的营造，这对我来说是非常宝贵的学习资料。
评分《学国画》这本书在构图上的讲解，也让我耳目一新。我之前总觉得国画的构图很随意，似乎没有章法可循。但读了这本书，我才明白，国画的构图其实非常讲究“意境”和“笔法”。它不仅讲解了传统的“散点透视”，还介绍了如何运用“分割式构图”、“对角线构图”等方式来增强画面的动感和层次感。 书中提供了很多不同风格的构图范例，从简单的花鸟组合到复杂的山水全景，都展示了如何通过元素的安排，引导观者的视线，突出主题。我特别喜欢它关于“黄金分割”和“视觉中心”的讲解，这些看似西方的构图理论，在国画中同样适用，并且能有效地提升画面的美感。它让我意识到，好的构图，能够让画面“活”起来，让作品更具吸引力。
评分这本书，我拿到手的时候，说实话，心里是带着点小忐忑的。一直以来，我对国画都有一种莫名的向往，觉得它线条的勾勒、色彩的晕染，都充满了东方韵味和哲学意境。但同时，又觉得它门槛很高，仿佛需要从小就浸润在传统文化中，才能窥其堂奥。所以，当我翻开《学国画》这本书时，我最关心的就是它是否真的能让一个像我这样的“零基础”爱好者，也能看得懂、学得会。 我特别喜欢它循序渐进的编排方式。一开始，它并没有直接丢给我一堆技法术语，而是从国画的基本构成元素入手，比如笔墨的特性、纸的选择，甚至是握笔的姿势。这些看似基础到不能再基础的内容，却恰恰是我之前一直忽略的。它用非常形象的比喻，比如“笔墨是国画的灵魂”，又或者“不同的纸就像不同的画布，会带来不同的笔触效果”，让我立刻就能体会到这些元素的重要性。而且，它还配有大量的图例，每一个笔触、每一个晕染，都清晰地展示在眼前，让我感觉不是在枯燥地学习理论，而是在一位经验丰富的老师身边，一步步地模仿和练习。
评分这本书最大的特点之一，就是它鼓励创新和个性化的表达。它在传授传统技法的同时，也强调了“师法自然”和“写生”的重要性。它并没有要求所有人都画出完全一样的作品，而是鼓励我们在掌握基本功的基础上，融入自己的观察和感受，形成自己的风格。 我尝试着在书后的练习中，加入了一些自己对景物的观察和理解，比如在画竹子的时候，我加入了自己看到过的风吹竹叶沙沙作响的动态，虽然只是细微的笔触调整，但成品却带上了我自己的“印记”。这种感觉非常好，让我觉得自己不仅仅是技法的学习者，更是艺术的创造者。它让我明白，国画虽然有传统，但并非一成不变，而是可以不断发展的。
评分这本书对笔墨的探讨，也是我最看重的部分之一。它并没有简单地将笔墨分成“浓、淡、干、湿”几个字来交代，而是深入地剖析了每一种笔墨状态所能产生的视觉效果和情感表达。比如，它会讲到，同样是“浓墨”，在运用上，可以用“焦墨”来表现坚实的物体，也可以用“墨分五色”的原理，在浓墨中融入不同的水分，产生丰富的层次。 我尤其喜欢它对“飞白”的讲解。飞白是中国画中一种非常独特的笔法，指的是笔尖在行进过程中，因为墨色枯涩，在纸上留下露白的痕迹。这本书不仅讲解了如何制造飞白，更重要的是阐述了飞白所传达的“力量”、“速度”和“沧桑”感。它鼓励我们在表现一些具有力量感的物体时，尝试运用飞白，来增强画面的表现力。这让我对笔墨的理解，又上升了一个维度。
评分我一直觉得，学习一门艺术，最怕的就是“纸上谈兵”。而《学国画》这本书，最大的优点就在于它的实践性。它提供了大量的示范性作品，从简单的花鸟到复杂的山水，每个阶段都有相应的练习。更重要的是，它不仅仅是展示成品，更重要的是拆解了创作的每一个步骤。比如，在画一幅梅花时，它会先讲解如何勾画梅枝的刚劲，如何点染梅花的花瓣，如何用墨的浓淡来表现花蕊。 而且，这本书的指导非常具体，不是那种含糊不清的“意会”式教学。它会告诉你“用中锋笔勾勒，力度要均匀”，或者“花瓣的渲染要由内向外，注意干湿变化”。这些具体的指导，对于初学者来说，就像是一盏明灯，指引着我们一步步前进。我尝试着跟着书中的步骤来画，虽然最初的作品可能还有些稚嫩，但每完成一笔，我都感觉自己离国画大师的境界又近了一步，这种成就感是无与伦比的。
评分这本书对于国画精神的阐述，也让我受益匪浅。它不仅仅是教你绘画的技巧，更重要的是引导你理解国画背后所蕴含的中国传统文化和哲学思想。它会告诉你，画山水不仅仅是描绘山川的形态，更是寄托了文人对自然的敬畏和对隐逸生活的向往。画花鸟不仅仅是捕捉动物的灵动，更是借物抒情，表达对生命的热爱和对四季变化的感悟。 我特别欣赏它对“气韵生动”的深入剖析。这四个字是中国画理论中的核心，但对于很多人来说，依然是云里雾里。这本书却用非常通俗易懂的语言，结合大量的实例，来解释“气韵”是如何通过笔墨的流动、构图的安排、色彩的搭配来体现的。它鼓励我们要用心去感受，用笔去表达，而不是机械地模仿。这种对“神”的追求，让我在练习技法的同时，也能体会到国画的深层魅力。
评分我非常认同这本书在“写生”方面的观点。很多人学习国画，总是习惯性地临摹范本，但忽略了“写生”这个更重要的环节。这本书强调了“师法自然”，认为只有通过大量的写生，才能真正地理解物体的形态、质感和生命力。 它不仅鼓励我们去户外写生，还提供了一些室内写生的技巧，比如如何选择适合写生的对象，如何快速捕捉物体的特征。我尝试着按照书中的建议，去画身边的花草树木，虽然一开始画得并不完美，但在这个过程中，我不仅掌握了绘画的技巧，更重要的是培养了对生活细节的观察力，以及对自然万物的热爱。这种从“模仿”到“创造”的转变，让我觉得自己的国画学习之路，更加扎实和有意义。
评分这本书还有一个让我特别惊喜的地方，就是它在色彩运用上的讲解。很多人认为国画就是水墨，色彩运用相对保守。但这本书打破了我的固有印象，它详细介绍了中国画中色彩的传统和现代运用，从矿物颜料的特性到合成颜料的搭配，都有很深入的介绍。更重要的是，它不只是讲解色彩的“颜料”本身，还讲解了色彩在国画中的“作用”。比如，如何用淡雅的色彩来营造宁静致远的意境，又如何用鲜亮的色彩来表现生机勃勃的景象。 我非常喜欢它关于“留白”的章节。在西方绘画中，我们习惯将画面填满，而国画的“留白”却是一种独特的艺术语言。这本书把留白比作“空气”，是画面不可或缺的一部分。它讲解了留白如何引导观者的视线，如何营造空间感和意境，甚至如何成为一种象征，承载着未尽之意。书中有很多范例，展示了同一幅画，加入或减少留白后，给人的感觉是多么的不同。这让我意识到，留白并非“没画完”，而是一种深思熟虑的艺术处理，是一种“此时无声胜有声”的魅力。
评分读这本书的过程中，最让我印象深刻的，是它对“意境”的解读。我们都知道，国画讲究“写意”，但“意”到底是什么？它不是简单的模仿，而是通过笔墨的疏密、色彩的浓淡，来传达作者的情感和对自然的感悟。这本书在这方面做得非常出色，它不仅仅是教你“怎么画”，更重要的是教你“如何去感受”。它会让你去观察一棵树的姿态，感受它的沧桑；去描绘一片云的变幻，体会它的飘逸。书中有很多对经典国画作品的赏析，不仅仅是对技法的分析，更深入地探讨了画家是如何通过笔墨的运用，将自己的情感和对世界的理解融入到画面中的。 我尤其喜欢它在讲解“皴法”的部分。皴法是中国画独特的表现手法，用来表现山石的纹理和质感。这本书并没有把皴法讲得高不可攀，而是将几种最常用的皴法，比如披麻皴、斧劈皴，拆解成最基本的笔触组合，然后一步步地展示如何将这些笔触叠加、变化，最终形成丰富多样的山石肌理。它还强调了“师法自然”，鼓励我们在写生中去观察真实的物体，体会它们本身的纹理，再运用到皴法中。这种理论与实践相结合的方式，让我觉得国画的学习不再是枯燥的模仿，而是一个充满探索和创造的过程。
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