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出版者:外文出版社

作者:黄才郎 编

出品人:

页数:1006

译者:

出版时间:2002-1

价格:280.00元

装帧:

isbn号码:9787119029320

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
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• 学术
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• 西方美术
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艺术的广袤星河：一部探索西方美学与风格演变的宏大叙事 书籍名称： 艺术的广袤星河：一部探索西方美学与风格演变的宏大叙事 图书简介： 本书并非一部简明的术语汇编，而是一部以时间为轴线、以思想为脉络的深度游记，旨在带领读者穿越西方艺术史的漫长隧道，从洞穴壁画的原始呼唤，到数字时代的后现代解构，全面理解西方美学观念的演变、关键风格的诞生与消亡，以及那些定义了人类视觉经验的伟大创作背后的哲学支撑。 我们试图构建的，是一个动态的、充满张力的艺术世界。它不仅仅是关于“谁画了什么”，更是关于“为什么他们会那样画”，以及“这种‘画法’如何反过来塑造了我们的世界观”。 第一部：源起与奠基——从神性到人性的觉醒（约公元前 5000 年 – 公元 1300 年） 本部分深入探讨西方艺术的胚胎时期，重点关注其与宗教、政治和哲学思潮的深度捆绑。 第一章：史前回响与古典的曙光 我们将从拉斯科和阿尔塔米拉的洞穴壁画入手，考察人类早期视觉表达的魔力与功能——狩猎的记录、巫术的仪式。随后，我们将聚焦于古埃及的永恒法则（象形、稳定、等级制）与美索不达米亚的叙事浮雕。 真正的突破发生在古希腊。我们细致剖析“卡隆”（Kouros）雕像从僵硬到“对位法”（Contrapposto）的转变，这标志着艺术主体从神祇转向理想化的人体。重点解析柏拉图的“理念论”如何影响了艺术对“完美比例”的追求，以及亚里士多德在美学上对“模仿”（Mimesis）的理性界定。罗马的艺术，则被置于其帝国扩张的背景下——从写实的人像雕塑到宏大的纪念性建筑（万神殿、古罗马广场），考察其如何服务于权力的叙事。 第二章：中世纪的信仰之光与黑暗 随着罗马帝国的衰落，艺术进入了以基督教为绝对核心的时代。本章详细阐述了“前哥特式”（Pre-Gothic）的特征：拜占庭的镶嵌画（Iconography）如何通过光线和黄金营造“天国感”，以及早期基督教艺术对象征符号的依赖。 进入中世纪盛期，我们探讨了两种主要的建筑与装饰风格：罗马式（厚重、堡垒般的结构、相对扁平的壁画叙事）与哥特式。哥特式部分将聚焦于其技术革命——飞扶壁、肋拱和玫瑰窗的出现，如何使建筑“向上”生长，将光线引入教堂内部，象征着对超越性的不懈追求。我们还将讨论手抄本插画在知识传播中的核心地位。 第二部：文艺复兴的辉煌与人文的胜利（约 1400 年 – 1600 年） 这是西方艺术史上最引人注目的一段时期，标志着“人”重新被置于宇宙的中心。 第三章：意大利的文艺复兴——透视与人体的复兴 我们将详细研究佛罗伦萨在早期文艺复兴中的先驱作用。重点分析马萨乔如何首次在绘画中系统地应用线性透视法，将三维空间“压平”到二维画布上。对人文主义（Humanism）的探讨，将解释为什么达·芬奇对解剖学的痴迷，米开朗基罗对“未完成的躯体”的执着，以及拉斐尔对和谐与宁静的追求，成为了那个时代的主旋律。 第四章：北方的细腻与宗教的裂痕 意大利的复兴侧重于理性与宏大，而尼德兰的早期文艺复兴则展现出惊人的写实主义与对微观世界的关注。扬·凡·艾克的油画技术革新（色彩的饱和度、光线的捕捉）是本章核心。我们还将审视宗教改革对艺术赞助和主题选择带来的剧变，以及北方艺术家如何将世俗场景和日常生活纳入艺术表达。 第五章：矫饰与张力的极致——盛期与风格的转向 “风格主义”（Mannerism）的出现，被视为对文艺复兴完美和谐的一种“疲劳反应”。本章分析丁托列托、帕尔米贾尼诺等人如何通过拉伸的人体、非自然的色彩和模糊的空间来表达精神上的不安和复杂性。 第三部：巴洛克的戏剧性与启蒙的理性之光（约 1600 年 – 1800 年） 艺术从表现“神”的秩序，转向表现“人”的情感和“权力”的意志。 第六章：巴洛克的激情与光影的舞蹈 巴洛克艺术是反宗教改革（Counter-Reformation）的视觉工具，强调情感冲击和动态叙事。我们将深入剖析卡拉瓦乔的“明暗对照法”（Chiaroscuro）如何创造出令人窒息的戏剧效果，以及贝尼尼雕塑中的“瞬间捕捉”。同时，本章将对比天主教国家的宏大叙事（鲁本斯）与新教国家（如荷兰）的世俗化转向（伦勃朗对光线和心理深度的探索，维米尔对室内光影的精妙捕捉）。 第七章：洛可可的轻盈与新古典的回归 洛可可（Rococo）作为巴洛克晚期向贵族享乐主义的延伸，代表了一种精致、柔美和感官化的风格。紧随其后的新古典主义（Neoclassicism）则是对启蒙运动理性的回归，强调清晰的轮廓、古典的道德主题，以雅克-路易·大卫的作品为代表，试图重建古罗马的庄严与公民美德。 第四部：现代性的诞生与对传统的颠覆（约 1800 年 – 1950 年） 工业革命、摄影术的发明以及社会动荡，彻底打破了艺术对客观世界的模仿义务。 第八章：浪漫主义的狂热与现实的挣扎 浪漫主义（Romanticism）是对新古典主义理性过度的反动。它赞颂情感、想象力、异域风情和崇高（Sublime）的体验。德拉克洛瓦的色彩爆发与戈雅对战争残酷的揭示，体现了艺术家内心情感的解放。随后，现实主义（Realism）以库尔贝为代表，拒绝一切理想化，直面劳动者和普通生活的艰辛。 第九章：色彩与光线的革命——印象派与后印象派 本章聚焦于对“瞬间印象”的捕捉。印象派（Impressionism）艺术家如何走出画室，研究光线对色彩的影响，以及他们对现代都市生活的描绘。后印象派（Post-Impressionism）则提供了三种重要的反叛路径：塞尚对结构的几何化解构、梵高对情感色彩的表达，以及高更对象征意义的回归。 第十章：现代主义的爆炸——从立体派到抽象的边界 现代艺术的开端是彻底的解构。我们将详细分析立体主义（Cubism）如何打破传统单点透视，将物体分解并从多个角度重组，预示了后世的视觉信息爆炸。野兽派对色彩的解放、未来主义对速度与机器的颂扬，以及抽象艺术（康定斯基、蒙德里安）如何彻底脱离具象世界，直指纯粹的形式与精神结构。达达主义和超现实主义，则以对潜意识的探索和对既有逻辑的荒谬嘲讽，完成了对旧有美学体系的最后一次冲击。 第五部：战后的多元与语境的重构（约 1950 年至今） 艺术进入了一个全球化、媒介多样化和理论驱动的时代。 第十一章：从纽约到世界的中心——波普与极简 二战后，艺术中心东移。抽象表现主义（Action Painting）强调创作过程本身的重要性。波普艺术（Pop Art）则以安迪·沃霍尔为代表，拥抱消费文化和大众媒介的图像，模糊了“高雅艺术”与“低俗文化”的界限。极简主义（Minimalism）则试图消除艺术家的个人痕迹和任何叙事内容，将观众的注意力引向作品的物质性本身。 第十二章：后现代的语境与媒介的扩张 本章探讨了观念艺术（Conceptual Art）的兴起，即“观念比对象更重要”。装置艺术、行为艺术和摄影的合法化，挑战了“绘画与雕塑”这一传统领域的霸主地位。我们还将审视后现代主义对“宏大叙事”的批判，以及当代艺术家如何利用全球文化资源和数字技术，继续拓宽“什么是艺术”的边界。 结论：永恒的对话 全书的收束部分，将不再聚焦于某一特定风格，而是总结西方艺术史中反复出现的主题：模仿与创新、秩序与混乱、神性与世俗之间的永恒张力。它引导读者认识到，艺术史不是一条直线，而是一张由无数次革新、继承和反叛交织而成的复杂网络。阅读完本书，读者将拥有一个结构化的框架，能够更深入地理解任何一件西方艺术品背后的历史深度、哲学内涵与视觉策略。

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坦率地说，我购买这本书是基于对“西洋美术”这个宏大主题的兴趣，希望能够建立一个清晰的知识框架。这本书的体量确实不小，纸张也算扎实，但这似乎是它仅剩的优点了。它的内容组织，简直是一场对耐心的考验。我发现书中对不同文化圈艺术家的收录严重失衡，例如，对某些特定时期和地域的荷兰静物画家的关注度，远远超过了对同期处于转型期的东欧现代主义先驱的介绍。这种倾向性并非是基于学术重要性，而更像是作者个人偏好的体现。在一个号称是“辞典”的出版物中，我们期待的是一种相对中立和全面的覆盖面，而不是被某种特定的文化视角所裹挟。当我试图查找一些非主流但具有历史意义的艺术运动时，往往发现要么词条缺失，要么解释简略到令人发指，寥寥数语便草草收场。相比之下，对于一些已经被过度解读和泛化了的艺术大师，书中却用了大量的篇幅进行重复性的描述，仿佛在刻意强调其“权威性”，却忽略了对艺术史发展中那些关键转折点的梳理。这种内容上的厚此薄彼，使得这本书在系统性梳理艺术演变脉络方面，显得力不从心，甚至可以说是一种误导。它更像是一本精心挑选的个人收藏集目录，而非一部具有普遍参考价值的工具书。

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我是在一个艺术史课程的推荐书单里看到了这个名字，抱着“查漏补缺”的心态购入的。然而，这本书的阅读体验，真算得上是一次“反智”的旅程。它的结构划分似乎遵循着一种非常任性的逻辑，一会儿深入到某个中世纪小教派的壁画风格，下一页又跳跃到二十世纪早期的某个地域性雕塑流派，两者之间缺乏必要的过渡和逻辑联系，使得知识点之间难以形成有效的网络。对于初学者而言，这种跳跃感简直是灾难性的，你会感觉自己像是在一个巨大的、没有清晰标识的迷宫里乱闯，每找到一个知识点，却不知道它与周围的其他元素如何关联。我尝试用它来查询关于“巴洛克建筑的结构特点”这个主题，结果发现，相关条目分散在“罗马”、“卡拉瓦乔的戏剧性光影”、“十七世纪的装饰艺术”等十几个毫不相关的角落，你需要像侦探一样在全书范围内搜寻碎片化的信息，然后自己动手去拼凑一个完整的概念。这种设计无疑违背了“辞典”的初衷——即时、准确、系统地提供信息。更让我感到沮丧的是，许多名词条目的解释，与其说是在阐释概念，不如说是在进行文学性的抒情，充斥着大量形容词和夸张的赞美之词，例如对某些画作的描述，用了“灵魂的颤栗”、“宇宙的低语”之类，而关键的技术词汇或历史背景的解释却含糊其辞，让人摸不着头脑。这让人不得不怀疑，作者究竟是想写一本供人学习的工具书，还是想为自己的艺术鉴赏心得找一个华丽的载体。

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我是一位业余的艺术爱好者，平时喜欢阅读一些关于艺术史的普及读物，这本书是在一家老牌书店的推荐下购买的。我对它的期望是，能够提供比网络百科更深入、更结构化的背景知识。然而，这本书的插图质量，尤其是色彩还原度，简直令人气愤。在涉及油画和色彩理论的章节，清晰度和色准是重中之重，但这本书中的许多彩色图片，颜色发灰、细节模糊，尤其是对光影和微妙色彩过渡的再现，完全失真。比如，我对比了书中某一幅德加的芭蕾舞女画作的局部放大图和我在线上查阅的高清数字图像，两者在粉彩的细腻处理上有着天壤之别，书中呈现的效果粗糙，完全无法传达出原作的质感和氛围。此外，文字部分也存在一个非常严重的问题：术语的缺乏统一性。同一个概念，在不同的章节中，可能会出现两种或三种不同的中文表述，或者干脆使用生硬的直译，让习惯了标准学术用语的读者感到无所适从。这种不专业的处理，极大地干扰了阅读的流畅性，迫使我不得不频繁地停下来，去思考作者到底想表达的是哪个艺术史上的专业术语。一本工具书，如果连最基本的视觉传达和术语规范都做不到，那么它的实用价值就大打折扣了。

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这本定价不菲的画册，收到时我还有些许期待，毕竟书名听起来就颇具分量，像是能带我领略一番中西方艺术史的波澜壮阔。然而，当我翻开它时，最初的热情很快就被一连串的困惑取代了。首先是装帧，虽然用了厚实的铜版纸，但内页的排版却显得极为拥挤和杂乱。那些原本应该清晰展示的经典作品，被生硬地裁剪或与大段的晦涩文字挤压在一起，视觉上造成了一种强烈的压迫感，根本无法让人静下心来细细品味画面的细节和笔触的精妙。更要命的是，许多重要的艺术家和流派的介绍，似乎停留在上世纪八九十年代的水平，许多近期的学术研究成果和新兴的艺术思潮完全没有提及，读起来就像是在翻阅一本陈旧的博物馆导览手册，错失了捕捉时代脉搏的机会。例如，关于后印象派的分析，其深度远不如市面上任何一本入门级的艺术史读物，更多的是对名作的简单罗列和套路化的描述，缺乏对艺术家内心世界的挖掘和时代背景的深刻剖析。对于一个希望系统性了解艺术脉络的读者来说，这种信息上的滞后和排版上的粗糙，无疑是一种双重的打击，让人不禁怀疑这究竟是“辞典”的严谨性，还是仅仅是一本勉强拼凑起来的“图册”草稿。我甚至花了大量时间去核对一些基础概念的翻译，发现其中存在不少令人费解的术语误用，这对于一本旨在普及知识的工具书来说，是极其致命的疏忽。

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从内容深度上讲，这本书给我的感觉更像是一本“速查手册”而非“辞典”。它或许能快速告诉你某位艺术家的生卒年月和代表作名称，但在探究其艺术观念的演变、技术革新的影响，或者其作品在特定历史时期所引发的社会反响时，往往戛然而止。我尝试用它来深入了解“文艺复兴盛期”的“人文主义精神”是如何具体体现在佛罗伦萨雕塑中的，结果找到的解释极其简略，几乎只停留在“肯定人的价值”这样的宏观论述上，完全没有深入到具体的技法变革（如解剖学的应用）或赞助人制度对艺术创作的反作用力分析。这本书更倾向于“是什么”的罗列，而不是“为什么”和“怎么样”的阐释。对于渴望理解艺术背后的驱动力和复杂性的人来说，这种浅尝辄止的介绍无疑会让人感到意犹未尽和知识断裂。它更像是为那些只需要在派对上快速炫耀几个艺术家名字的场合准备的“样板材料”，而非能陪伴你进行深度学习和研究的良伴。总而言之，它在广度上似乎想包罗万象，但在深度上却显得力不从心，未能真正担当起一部全面、深入的“西洋美术辞典”的重任。

评分☆☆☆☆☆

名画，画家介绍，很详细，全面的书。

评分☆☆☆☆☆

书内容不错。不过2000年后发行这版，虽也是铜版，但不知道为何，印刷色彩和纸张感觉没有80年代台湾原版的好。尤其色彩，影响欣赏。

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名画，画家介绍，很详细，全面的书。

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书内容不错。不过2000年后发行这版，虽也是铜版，但不知道为何，印刷色彩和纸张感觉没有80年代台湾原版的好。尤其色彩，影响欣赏。

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书内容不错。不过2000年后发行这版，虽也是铜版，但不知道为何，印刷色彩和纸张感觉没有80年代台湾原版的好。尤其色彩，影响欣赏。