中国舞等级考试教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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作者:孙光言

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出版时间:1900-01-01

价格:50.0

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isbn号码:9787887240620

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《世界芭蕾舞史纲》 一部深度剖析古典芭蕾艺术流变与审美演进的权威著作 内容概要： 《世界芭蕾舞史纲》并非仅仅是一部简单的历史编年史，它是一部深入挖掘芭蕾艺术如何在数百年间从宫廷娱乐蜕变为世界级舞台艺术的恢弘叙事。本书致力于构建一个全面、立体、富有洞察力的芭蕾舞发展图景，聚焦于技术革新、美学思潮的碰撞以及关键人物的决定性影响。全书结构严谨，脉络清晰，旨在为专业舞者、舞蹈学者、艺术评论家以及所有对古典艺术抱有热忱的读者，提供一个理解芭蕾“何以为美”与“如何发展”的深层视角。 本书的叙事始于芭蕾艺术的萌芽——15世纪意大利文艺复兴时期的宫廷宴会舞蹈，直至21世纪新古典主义与当代融合的多元化探索。我们摒弃了平铺直叙的流水账式记录，转而采用主题式章节推进，确保每一段历史叙述都紧密围绕着艺术核心的演变展开。 第一篇：起源与奠基——从意大利到法兰西的启蒙 本篇详述了芭蕾舞如何在法国路易十四统治下的凡尔赛宫得以系统化和规范化。重点剖析了皇家舞蹈学院的成立（Académie Royale de Danse），及其对基本脚位、手臂位置和术语（如“Turnout”）的标准化贡献。我们仔细考察了皮埃尔·博尚（Pierre Beauchamp）在将舞蹈动作提升至技术层面所扮演的关键角色。此外，书中还探讨了早期芭蕾的叙事主题——神话与寓言，以及如何通过服饰和舞台设计来服务于王室的政治意图。 第二篇：浪漫主义的崛起——“足尖”的革命与轻盈的追求 浪漫主义时期（19世纪上半叶）是芭蕾艺术史上一次颠覆性的审美转向。本篇将集中探讨“足尖技巧”（Pointe Work）的发明与普及对女性舞者形象塑造的决定性影响。重点分析了玛丽·塔里奥尼（Marie Taglioni）在《仙女》（La Sylphide）中所确立的“仙女”形象——轻盈、虚幻、超越尘世的美学标准。我们深入剖析了这一时期的服装（如钟形纱裙）和灯光技术如何共同营造出梦幻般的舞台效果，并探讨了这一时期的叙事如何反映了社会对个体情感和自由的渴望。 第三篇：俄罗斯的黄金时代——古典芭蕾的集大成者 本书将大量篇幅献给19世纪末，芭蕾艺术中心向圣彼得堡的转移，以及马里乌斯·彼季帕（Marius Petipa）时代的辉煌。彼季帕被誉为“古典芭蕾之父”，他构建的结构复杂、技巧要求极高的三幕或四幕剧目，如《睡美人》、《天鹅湖》和《胡桃夹子》，构成了今天古典芭蕾的基石。本篇细致分析了彼季帕对“大双人舞”（Grand Pas de Deux）形式的规范化，对舞剧结构（如群舞、变奏、尾声）的精妙编排，以及对舞美、音乐配合的极致要求。书中特别收录了对柴可夫斯基与彼季帕合作模式的深度研究。 第四篇：现代化的先声——“俄罗斯季”与艺术的突破 进入20世纪初，以谢尔盖·佳吉列夫（Serge Diaghilev）的“俄罗斯芭蕾舞团”（Ballets Russes）为核心的艺术运动，彻底打破了古典芭蕾的僵化藩篱。本篇详细描绘了这一时期的激烈冲突与创新。我们分析了米哈伊尔·福金（Mikhail Fokine）提出的“五大原则”，他主张动作应服务于主题，反对僵化的格式化表演。随后，书中探讨了瓦斯拉夫·尼金斯基（Vaslav Nijinsky）在《火之鸟》、《彼得鲁什卡》和《牧神午后》中带来的原始性、表现力和戏剧张力，这些作品标志着芭蕾开始向现代舞语汇靠拢。 第五篇：风格的多元化与新古典主义的诞生 二战后，芭蕾艺术的地理中心进一步分散，形成了不同的流派和风格。本篇重点阐述了乔治·巴兰钦（George Balanchine）对古典语汇的革命性提炼。巴兰钦的“新古典主义”强调音乐性、速度感、空间感和抽象性，他将芭蕾舞者视为纯粹的运动家，极大地加速了动作和去叙事化。同时，书中也将分析美国芭蕾舞剧院（ABT）在传承经典与拥抱新编排（如安东尼·图多尔的作品）方面的努力。 第六篇：当代语境下的实验与融合 本书的最后部分，聚焦于20世纪下半叶至今，芭蕾舞如何应对当代社会思潮和跨媒介艺术的挑战。我们将考察威廉·福赛斯（William Forsythe）如何解构古典技巧，引入后现代的非对称性、速度的极限以及即兴元素，挑战观众对“美感”的固有认知。此外，我们还将探讨当代编舞家如何将街舞、现代舞语汇融入古典框架，探讨芭蕾在数字化时代如何保持其生命力与相关性。 特色与价值： 本书的价值不仅在于其详尽的史实梳理，更在于其独到的分析视角。我们运用了舞蹈人类学、美学理论和音乐分析的交叉学科方法，力求揭示每一次技术变革背后深层次的文化动因。书稿中包含了大量对经典剧目在不同时代不同舞团演绎的对比分析，配以详尽的术语解释和历史图片资料（注：此为文字描述，不包含实际图片）。《世界芭蕾舞史纲》是一本经得起推敲的学术专著，同时也是一本能激发读者审美情趣的艺术之书。它不仅教授你“谁”做了“什么”，更让你理解“为什么”艺术必须如此发展。 适读人群： 舞蹈学院学生、专业舞蹈演员、艺术史研究人员、舞台艺术策展人、古典音乐爱好者、以及所有希望系统、深入了解世界顶级舞台艺术发展脉络的读者。

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我不是科班出身，只是业余爱好，每次想找点资料自学时，总觉得市面上的书籍要么太难啃，要么就是视频教程信息量太小。这本《中国舞等级考试教材》的纸质印刷质量本身就让人心情愉悦，拿到手很有分量感。最吸引我的是它的叙事方式，它没有高高在上的姿态，而是用一种非常“接地气”的语言来解释那些原本很抽象的舞蹈概念。比如，它讲解“开、绷、直、立”时，不是生硬地罗列名词，而是通过描述“打开身体像一朵花在阳光下舒展”这样的画面感，让我瞬间就理解了动作的内在要求。而且，这本书的结构设计非常人性化，它把知识点切分得非常小，非常适合碎片化时间进行学习和回顾。我常常在通勤路上翻阅它，哪怕只看几页，也能对之前练习中遇到的困惑找到新的思路。它真的打破了专业与业余之间的壁垒，让舞蹈学习不再是少数人的特权。

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这本书简直是为舞蹈爱好者量身打造的宝典！我一直对中国古典舞充满向往，但苦于没有系统的方法入门，市面上的教材往往过于学术化，或者内容零散。《中国舞等级考试教材》的出现彻底改变了我的状况。它的编排逻辑清晰得令人惊叹，从最基础的手眼身法步开始，循序渐进地引入不同风格的技巧训练。我特别欣赏它在每个动作讲解中都配有详尽的图解和口诀，即便是初学者也能很快抓住要领。比如，对于“兰花指”的描述，书中不仅清晰地画出了手指的微小弧度和力度分布，还用形象的比喻来描述那种“含蓄而又饱满”的气韵，而不是简单地停留在肌肉的形态上。更让我惊喜的是，它不仅关注外在的“形”，更深入地探讨了“神”——如何将中国传统文化中的意境融入舞蹈之中。阅读这本书，就像有了一位经验丰富、耐心至极的舞蹈导师在身边指导，让我对学习中国舞的信心倍增，感觉自己正一步步踏入这个优美而深邃的艺术世界。它真的让枯燥的技巧练习变得充满乐趣和目标感。

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作为一个常年研究民族舞的专业人士，我通常对市面上泛泛而谈的“考试教材”持保留态度，认为它们往往为了迎合考核标准而牺牲了艺术的深度。然而，这本《中国舞等级考试教材》却给我带来了极大的触动。它在严谨性上达到了一个非常高的水准，它所建立的技术体系是完整且具有高度可操作性的。我特别关注了其中关于“跳”和“翻”的技术板块，书中对重心转移的细微控制、空中造型的保持时间以及落地缓冲的处理，都有着极其精辟的理论阐述和对比分析。令人称道的是，教材没有止步于标准化的要求，它在高级篇章中引入了对不同流派风格差异的探讨，暗示了在满足基础要求之上，个体化表达的可能性。我甚至发现书中对一些看似简单的组合，其背后的力学原理分析都非常到位，这对于指导学生进行科学训练、避免运动损伤至关重要。这本书无疑是业界内一次严肃且有价值的梳理和提升。

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这本书在文化底蕴的挖掘和呈现上，做得非常出色，远超出了一个“考试指南”所应有的范畴。它不仅仅是一本教你如何做动作的书，更是一本引导你理解中国传统审美哲学的读物。我特别喜欢它在介绍套路动作时，会穿插引用相关的诗词歌赋或者历史典故来佐证动作的“意境”。例如，描述一个旋转的收尾时，它会引述“风过竹林，形神兼备”的意境，这种结合让人在学习过程中时刻保持对文化背景的敏感度。对我来说，学习中国舞不只是为了考试，更是为了承载和传承这份东方美学。这本书成功地将枯燥的技术训练与深厚的文化滋养结合起来，让每一个动作背后都有了故事和灵魂。当我按照书中的指导去练习时，我能明显感觉到自己对音乐的理解和对情感的表达有了质的飞跃，不再是僵硬地模仿，而是真正融入到角色的心境之中去展现。

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从一个家长陪练的角度来看，《中国舞等级考试教材》提供了无与伦比的清晰度与操作性。我的孩子正在准备考级，我作为辅助者，最头疼的就是如何准确理解并辅助她矫正那些细微的错误。这本书的图文排版堪称典范。它采用了多角度的审视图，比如有些侧身的动作，它会提供正面、侧面甚至略微俯视的角度，这对于我们这些缺乏专业知识的陪同者来说，是极其关键的辅助信息。更重要的是，书中提供的“常见错误及纠正方法”部分，简直就是救星。它不会笼统地说“你肩膀抬太高了”，而是具体指出是由于提肋过大还是肩胛骨未找到正确位置所致，并给出了一套针对性的拉伸或激活练习。这种精准到位的反馈机制，极大地提高了陪练的效率，也让孩子在练习中建立了正确的身体意识，大大减少了因错误示范而带来的反复修正的挫败感。这本书真正实现了知识传递的闭环，让家庭辅导变得有章可循且高效。

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