具体描述
本书收入了16首小号谱，有德国作曲家克拉夫曼曲、苏联作曲家肖洛科夫曲等等。书后还附有音乐术语注释，该书内容全面是小号演奏及学习者的必备用书。
作者简介
朱起东（1913-1991）：鄞县人。上海音乐学院小号教授，中国小号教育的四大宗师之一，著名的音乐教育家，小号演奏家。长期从事小号教学，培养出我国第一流的小号演奏家和教师，他不但是写过交响乐的作曲家，也是一位很有修养的小号专家。早年曾留学美国，获小号演奏学士学位，音响学硕士学位和美西北大学音乐哲学博士。译注出版了阿尔班的《小号—短号教程》，出版了《小号独奏曲选》（共三集），另外还编有《小号五声音阶日常练习》，对提高我国小号演奏水平起到了重要的推动作用。他还创作改编了大量的小号独奏曲（如《山丹丹开花红艳艳》、《阿拉木汗》、《秋收》、《送我一枝玫瑰花》、《喜相逢》、《故事》等）、练习曲、重奏曲以及乐队用曲，共一百余首。著有《小号表演艺术》、《音乐声学基础》等专著，发表多篇小号及其它乐器方面的专业论文。
目录信息
2 东方之歌
3 朋友
4 六月
5 斗牛士之歌
6 那波里舞曲
7 西班牙圆舞曲
8 印度客商之歌
9 伙伴
10 愉快的行列
11 苏格兰的蓝铃花
12 鲜花盛开的村庄
13 第一钢琴奏鸣曲主题
14 小将军
……
· · · · · · (收起)
读后感
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用户评价
从曲目的艺术价值和时代背景来看，我注意到了一处明显的“偏心”。尽管声称是“独奏曲选”，但似乎对某一特定时期和地域的音乐抱有近乎狂热的偏爱。几乎有超过三分之一的篇幅被那些带有明显法国印象派风格的作品所占据，大量的泛音、模糊的调性色彩以及对弱音演奏（pianissimo）近乎苛刻的要求，充斥了乐谱的前半部分。我理解印象派对小号音色探索的贡献，但这种过度的集中，使得整本选集在听觉体验上显得有些单调和“梦幻”，缺乏必要的对比和张力。例如，当我已经听完了三首结构相似、情绪都笼罩在一种朦胧月光下的作品后，我对第四首几乎已经失去了新鲜感。我非常希望能够在后面看到更多来自德奥早期浪漫主义的庄严作品，或者即便是二十世纪早期美国铜管乐派那种更具力量感和节奏驱动力的作品作为调剂，以平衡这种过于“阴柔”的听感。但很遗憾，这种平衡感在这本厚厚的曲集里始终没有建立起来，它更像是一份为特定“品味”人士量身定制的私人歌单，而不是一本面向大众的经典选集。
评分这套选集的难度梯度控制，坦白说，非常不均匀，甚至可以说是有些“失衡”。它更像是将不同水平的练习曲和独奏作品随意地堆砌在一起，而不是按照演奏者从入门到精通的自然学习路径来构建。第一部分开头的几首曲子，那些短小的、主要练习音阶和琶音的练习曲，难度简直像是为刚学会看谱的初学者准备的，极其基础，甚至有些幼稚，我五分钟就能轻松吹完。但紧接着，中间部分突然插入了一首被誉为“小号演奏家试金石”的二十世纪作品，那首作品对音域的跨越、对双吐和三吐技巧的要求，达到了近乎变态的程度，即便是技巧娴熟的乐团首席，也需要花费数周时间来攻克。这种从幼儿园直接跳到大学高数课的体验，对于渴望稳定进步的乐手来说，是极其令人沮丧的。我不得不将这本“选集”拆分成好几个独立的部分来对待——基础练习部分单独抽取出来，高难度曲目部分则要配合其他更专业的教材来分步击破。如果只是想找一本可以系统性提升的读物，这本书显然不符合要求，它更像是一本收藏了各种不同风格和难度的“曲目样本库”，而不是一本“教材”。
评分这本《小号独奏曲选(1)》的曲目选择实在是太出乎意料了，我原本期待的是一些经典的巴赫或莫扎特的协奏曲选段，毕竟这是“选集”嘛，总得有点标志性的东西打底。结果呢，里面收录的曲目风格跨度极大，从早期的巴洛克风格的简洁对位，到浪漫主义时期那种旋律线极其悠长、需要极强气息控制的炫技作品，再到一些听起来像是二十世纪早期美国爵士乐影响下的调性模糊的片段，简直让人摸不着头脑。比如其中一首编号为“Op. 42”的作品，全曲几乎都在高音区徘徊，小号手需要处理大量的快速音群跑动，但这乐曲的内在情绪却极其内敛，没有给演奏者太多的情感宣泄口，让人感觉像是在欣赏一件极其精密的机械艺术品，而不是一首热情的独奏曲。我反复听了好几遍，试图从中找到一个清晰的主题脉络，但每一次都有新的发现，也带来了新的困惑。这种“什么都有，但又好像什么都没完全深入”的编排方式，对于初学者来说可能意味着太多的知识点需要消化，而对于资深演奏者来说，又缺乏一个明确的艺术方向来深入钻研。我更希望看到的是一个更集中的主题，比如专注于某一特定历史时期的某个小众作曲家，而不是这种包罗万象的“大杂烩”，这使得我很难找到一个可以稳定练习和建立演奏习惯的基石。
评分翻开乐谱，首先映入眼帘的是排版和字体设计，这一点上，出版方显然是下了不少功夫的，几乎可以算是乐谱印刷界的典范了。纸张的质感厚实，微微带着一点象牙白的色泽，在舞台灯光下不反光，阅读起来非常舒适，这对于需要长时间盯着谱子练习的铜管乐手来说，简直是福音。更值得称赞的是那些指法和呼吸标记，它们不是那种千篇一律的通用标记，而是针对每一首曲子独特的乐器性能和演奏技巧进行了细致入微的标注。比如在处理某一首波西米亚风格的练习曲时，标记清晰地指出了在哪里可以进行“半音阀滑音”，以及建议使用哪种口型来达到特定的音色变化，这种细节的把控，远超出了我阅读过的其他任何一本独奏曲集。然而，也正是在这些精细的标记中，我发现了一丝出版商的“固执”。在某一首明显带有强烈抒情色彩的慢板乐章中，标记要求所有连音都要演奏得极其清晰、如同断奏般干脆，这与乐曲本身那种如歌的旋律基调形成了强烈的冲突。这让我不禁思考，制谱者是否为了追求某种“技术上的纯净性”，而牺牲了音乐情感的自然流动？我花了大量时间去尝试遵从这些标记，结果吹出来的效果僵硬而缺乏灵魂，最终还是不得不自己根据听觉感受去“修正”那些过于教条化的指导。
评分最让我感到困扰的，是这本选集在“连奏”处理上的不一致性。小号演奏中，连奏的连贯性是衡量音色美感的核心标准之一，它要求气息的稳定输出和阀门的精准配合。在这本选集中，有些曲子（尤其是那些模仿人声旋律的作品）明确要求极为流畅、几乎没有缝隙的连奏，仿佛是长笛在歌唱，演奏者必须采用极深的、持续的气息来完成长句。然而，紧接着的某些练习曲部分，却明显是为机械性的、强调清晰度的“分奏”而设计的，要求每一个音符都像珠子一样被精准地分离和敲击出来。这种在同一本书中，对同一技术要求给出截然相反的指导或体现，让学习者感到无所适从。我不得不花费额外的精力去反复调整我的口型和气息模式，以适应这种剧烈的风格切换。如果这些曲子是分属不同出版版本或不同时期的作品集，我可以理解这种差异，但既然它们被汇编在一起，就应该有一个统一的、或者至少是渐进式的技术过渡方案。这本书更像是一份“技术展示场”，而不是一个“学习路径图”，它要求你的技术已经足够成熟，可以随时在两种极端之间自由切换，否则，它只会暴露你在某个技术点上的脆弱性。
评分有点简单 不过还不错 拿波里舞曲 和六月船歌 斗牛士之歌 还是比较实用的曲目
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