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出版者:湖北美术出版社

作者:余启新

出品人:

页数:145

译者:

出版时间:2003-1

价格:30.00元

装帧:

isbn号码:9787539413457

丛书系列:

图书标签:

• 舞台技术
• 灯光设计
• 舞台美术
• 表演艺术
• 剧场
• 舞台工程
• 视听技术
• 艺术设计
• 文化艺术
• 演出

好的，这是一本关于古典音乐鉴赏与历史的深度指南的图书简介，与“T型舞台扫描”这一主题完全无关： --- 《和声的织锦：从巴洛克到浪漫主义的音乐图景》 书籍简介 在这部宏大的音乐史诗中，我们将一同踏上一段跨越三个世纪的听觉旅程，深入探索西方古典音乐——从宏伟的巴洛克时代到激情四溢的浪漫主义巅峰——是如何被创造、演变，并最终塑造了我们今日的审美图景。这不是一本简单的作曲家名录或作品目录，而是一幅精心绘制的“和声的织锦”，旨在揭示不同历史时期中，音乐的结构、情感表达、技术革新以及其背后的社会文化语境。 第一部分：秩序与信仰的结构——巴洛克时代的辉煌（约1600-1750） 巴洛克时期是音乐史上一个充满活力与戏剧性的时代，它标志着对情感表达的精细化追求以及复调音乐技巧的巅峰。本部分将以严谨的学术视角，剖析这一时期音乐的几大核心特征： 1. 歌剧的诞生与演变： 我们将追溯蒙特威尔第的早期尝试，探讨“Recitative”（宣叙调）和“Aria”（咏叹调）的形成，以及卡斯特拉里等人在那不勒斯建立的“那不勒斯乐派”如何规范了后世的歌剧结构。重点分析亨德尔的清唱剧如何将德语和意大利语的戏剧性完美融合，以及巴赫晚期作品中对复调艺术的极致推崇。 2. 协奏曲的精炼： 从维瓦尔第《四季》中对自然意象的描绘，到科雷利和托斯蒂的《大协奏曲》（Concerto Grosso）的对奏技巧，我们将解析协奏曲如何从早期的结构松散走向清晰的快-慢-快三乐章结构。特别是对巴赫的《勃兰登堡协奏曲》的深入分析，理解其对位法的精妙布局和键盘乐器在其中的核心地位。 3. 键盘音乐的革命： 探讨大键琴（Harpsichord）和管风琴在这一时期的统治地位。分析巴赫《平均律钢琴曲集》在音律改革中的历史意义，它如何为后来的作曲家打开了所有大小调的创作空间。同时，也将审视斯卡拉蒂的奏鸣曲如何以其独特的西班牙风情和单乐章结构，预示了古典主义的清晰度。 第二部分：清晰与理性的光辉——古典主义的黄金时代（约1750-1820） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向追求平衡、清晰、典雅与普遍性。这一时期的音乐语言摆脱了巴洛克的复杂装饰，转向了简洁有力的主题发展。 1. 主调音乐的胜利： 详细阐述主调音乐（Homophony）如何取代复调音乐成为主流。通过对海顿“交响曲之父”身份的探讨，分析奏鸣曲式（Sonata Form）的标准化过程——呈示部、发展部、再现部的逻辑推演及其在交响曲、奏鸣曲和室内乐中的应用。 2. 维也纳三杰的贡献： 聚焦于海顿、莫扎特和贝多芬早期至中期的创作。分析莫扎特如何将歌剧提升至前所未有的心理深度（如《费加罗的婚礼》中的人物刻画），以及海顿在弦乐四重奏中建立的对话与平衡的典范。 3. 贝多芬：从古典到浪漫的桥梁： 这一节是本书的重点之一。我们将剖析贝多芬作品（特别是他的九部交响曲）如何一步步拓展了古典主义的界限，引入更强烈的个人意志和英雄主义色彩。重点研究《第五交响曲》“命运”主题的动机发展，以及他晚期作品中对传统形式的解构与重塑，为浪漫主义的来临铺平了道路。 第三部分：情感与个性的张力——浪漫主义的狂想曲（约1820-1900） 浪漫主义时期是音乐史上最富有人情味和文学色彩的阶段。作曲家不再满足于形式的完美，他们渴望表达深沉的内心世界、对自然的崇拜、对异域文化的向往以及对国家历史的追忆。 1. 抒情性的爆发与艺术歌曲的兴起： 探究舒伯特如何通过艺术歌曲（Lied）将诗歌与音乐融为一体，将钢琴伴奏提升到与人声同等重要的地位。分析舒曼的艺术歌曲套曲中对“连环画”叙事手法的运用。 2. 标题音乐与交响诗的崛起： 浪漫主义作曲家开始借助文学和视觉意象来指导听众的想象。深入研究柏辽兹的《幻想交响曲》——这部作品如何通过“固定音型”（Idée Fixe）来描绘一个艺术家的疯狂爱情故事，以及李斯特如何通过交响诗将文学叙事结构化。 3. 民族主义的觉醒： 在欧洲民族意识高涨的背景下，探讨德彪西（捷克）、肖邦（波兰）和俄罗斯“五人组”（穆索尔斯基、林姆斯基-科萨科夫等）如何从本国民间音乐、舞蹈和历史传说中汲取灵感，创造出具有强烈地域特色的音乐语言。 4. 瓦格纳与“总体艺术作品”： 瓦格纳的音乐剧（Musikdrama）代表了浪漫主义的极致野心。我们将详细解析其“主导动机”（Leitmotif）系统，以及他如何试图通过融合音乐、戏剧、哲学和舞台设计，创造出“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk），及其对后世歌剧的颠覆性影响。 结语：留存的遗产 本书的最后一章将总结这三大时期音乐的相互影响与继承关系，探讨古典音乐在进入20世纪后所面临的挑战与转型，并强调理解这些历史根基对于现代音乐鉴赏的不可替代性。通过对乐谱背后的时代精神的深入挖掘，读者将不再仅仅是“听到”音乐，而是真正“理解”和“感受”到这些不朽杰作的内在逻辑与永恒魅力。 ---

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这本书在对角色心理的刻画上，达到了令人惊叹的深度。那些人物不再是扁平的符号，而是充满了矛盾和挣扎的复杂个体。我特别欣赏作者对“灰色地带”的描绘，没有绝对的好人或坏人，每个人都在自身的局限和欲望中挣扎求存。比如那个总是带着面具出现的主要角色，他每一次摘下面具的瞬间，都伴随着某种程度的自我揭露或欺骗，这种行为模式分析得入木三分。阅读过程中，我常常会代入他们的视角，去体会那种身不由己的痛苦，或者在道德困境前的犹豫不决。这本书成功地做到了让读者与角色之间建立起一种近乎共生的情感联系，读完之后，总感觉自己的内心世界也经历了一场细微的地震。

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初读这本书时，我被作者那种近乎迷幻的叙事风格深深吸引住了。他的文字像是一条蜿蜒流淌的河流，时而平静舒缓，时而波涛汹涌，充满了意想不到的转折和隐喻。情节的推进并非线性，而是像多条时间线索在不同维度上交织、碰撞，需要读者不断地后退、重读，才能拼凑出完整的图景。这种叙事手法极大地挑战了我的阅读习惯，一开始有些吃力，但一旦适应了这种节奏，就会发现其中蕴含的巨大张力和美感。作者似乎并不急于给出一个明确的答案，而是更热衷于描摹人物内心的幽微变化和外部环境的模糊边界，让人在阅读过程中，仿佛自己也成为了一个在迷雾中摸索的旅人，每一次顿悟都来得那么不易而珍贵。

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这本书的装帧设计实在是太引人注目了，那种独特的立体感和触感，让人在书店里一眼就被它吸引住了。我尤其喜欢它封面那种深沉的蓝色调，搭配着精致的烫金字体，显得既现代又带着一丝复古的质感。内页的纸张选择也非常考究，厚实而柔和，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。装帧的工艺，比如书脊的缝线和书签的流苏，都体现出出版方对细节的极致追求，拿在手里沉甸甸的，让人感觉这是一本值得珍藏的作品。我甚至会花时间去研究一下印刷厂的工艺，那种墨水的饱和度和图文的清晰度，都远超一般书籍的水准。这本书的物理形态本身，就构成了一种阅读体验的先声，让人对手中的内容充满了期待和敬意，感觉自己即将进入一个精心构建的世界，而不是仅仅翻阅一本普通的印刷品。

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坦白说，这本书的阅读门槛不低，它不像那些轻松的小说那样提供即时的满足感，它更像是一次漫长而艰辛的智力攀登。我感觉作者是抱着一种近乎布道的决心来创作的，他毫不避讳地引用了大量晦涩的哲学概念和历史典故，如果读者没有一定的背景知识储备，可能会错过很多深层次的连接点。这导致我在阅读过程中，不得不频繁地停下来查阅资料，试图理解那些隐藏在文字背后的庞大知识体系。这种“努力型阅读”虽然辛苦，但回报也是巨大的——每当成功解开一个隐藏的符号，那种豁然开朗的成就感是无与伦比的。这本书无疑是为那些渴望深度思考和精神探索的读者量身打造的。

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从结构主义的角度来看，这本书的语言组织简直是一场精密的建筑学实践。作者对句子的掌控力达到了炉火纯青的地步，长句的铺陈如同宏大的交响乐章，层层递进，将情绪推向高潮；而短句的运用又如同精准的点射，在关键时刻给予读者强烈的冲击。尤其值得称道的是，他对特定词汇的使用具有极高的重复性和变异性，这些词汇就像是贯穿全书的暗线，每一次出现都携带了新的含义和重量。这种语言的复调性，使得文本本身具有了超越故事内容的自洽性，让读者在关注“发生了什么”的同时，也沉醉于“是如何被讲述的”这种纯粹的语言美学之中。

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