音阶和琶音的练习 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海世界图书出版公司

作者:沈琪

出品人:

页数:117 页

译者:

出版时间:2002年2月1日

价格:20.0

装帧:精装

isbn号码:9787506251273

丛书系列:

图书标签:

• 钢琴练习
• 音阶
• 琶音
• 乐理
• 钢琴教程
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• 技巧
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• 音乐基础
• 考级

和声学基础：通往音乐理解的桥梁 内容简介： 本书旨在为音乐学习者提供一套系统、深入的和声学基础知识体系。它不仅仅是一本枯燥的理论参考书，更是一份引导读者从根本上理解音乐是如何构建和运作的实践指南。我们将以严谨的逻辑和清晰的结构，带领读者穿越西方音乐体系的核心——和声的奥秘。 第一部分：音响与调性的基石 本部分首先从最基本的物理声学概念入手，探讨人耳对音高的感知，以及纯律、平均律等不同音律体系的起源与应用。我们将详细分析音程的构造及其情感色彩，为后续的和弦分析奠定听觉基础。 随后，重点转向调性系统。我们深入剖析大调与小调的结构特征，解释自然音阶、和声小调、旋律小调的构建规则及其功能差异。通过对主音、下属音、属音这三大功能音组的详尽阐述，读者将建立起对“调性中心”的初步概念。我们强调听辨能力的重要性，配有大量听觉训练材料，帮助学习者将抽象的符号与具体的听觉体验紧密联系起来。 第二部分：三和弦的精妙世界 三和弦是西方音乐和声的最小功能单位。本书投入大量篇幅，系统讲解各类三和弦的构成、转位及其在调性中的功能（主和弦T、下属和弦S、属和弦D）。 我们详细区分了大小三和弦、增三和弦、减三和弦的内外部结构，并探讨了它们各自的色彩倾向。在转位和弦的运用上，我们不仅教授如何识别和记写，更注重分析转位和弦带来的音型流畅性和和声连贯性。 本部分特别设立了“和弦连接的逻辑”章节，阐述了功能和声进行的基本原则，如T到S、S到D、D到T的自然推进。我们摒弃了机械的规则堆砌，转而强调功能导向的思维方式，即：任何一个和弦的出现，都必须服从于其所在调性的整体功能需求。 第三部分：七和弦的色彩与张力 随着音乐表现力的增强，七和弦的引入带来了更丰富的色彩和更强的和声驱动力。本书详细介绍了属七和弦（V7）作为解决倾向最强的和弦，其解决方式与替代可能性。 我们系统地展开了其他重要七和弦的分析，包括：主导七和弦（导七和弦）、次属和弦（V/V, V/S等）、以及小七和弦（ii7, vi7）。对于减七和弦，我们将重点探讨其模糊性和转性潜力，这是理解浪漫主义时期和声语言的关键。 此外，针对七和弦的离调与转调，我们提供了清晰的路径图，解释了如何利用共同音或半音进行平滑过渡到新的调性中心。 第四部分：和声的扩展与变化 为了突破传统三和弦与七和弦的限制，本部分深入探索了和声语言的扩展技巧。 九和弦、十一和弦、十三和弦： 我们探讨了这些高叠和弦的实际运用场景，特别是它们在爵士乐和印象派音乐中的色彩贡献，并区分了其清晰度和模糊性。 和弦的替代与副属和弦： 重点讲解了如何使用替代属和弦（如减七和弦替代、三全音替代）来增加进行的新鲜感和张力，同时保持功能上的连贯性。 半音和弦与离调和弦： 剖析了那些不直接属于当前调性的和弦，如那不勒斯六和弦（N6）和增六和弦（Augmented Sixth Chords，意大利、德意志、法国式），这些和弦是连接远关系调性或增强属功能的重要工具。 第五部分：织体与曲式中的和声应用 理论的最终目的是实践。本书的最后部分将理论知识回归到音乐实践中。 声部进行（Voice Leading）： 我们严格遵循对位法的基本要求，详细论述了最佳的声部进行原则，包括避免平行五、八度、解决导音、保持声部连贯性等。优秀的声部进行是使和声听起来“自然”的关键。 和声在曲式中的功能： 我们分析了奏鸣曲式、复合三部曲式中，和声是如何支撑结构、划分段落、创造戏剧性的。例如，在呈示部中如何确立主调，在中段如何进行遥远的转调，以及再现部中如何强化主调的最终解决。 本书特色： 本书的编写风格力求精确而不失生动，理论推导过程清晰可见。我们相信，学习和声不仅是记忆规则，更是培养一种对声音关系的敏感度。因此，每章均配有大量的实例分析，选材涵盖了巴洛克、古典、浪漫主义以及部分二十世纪初的经典作品片段，确保读者接触到的是真实、鲜活的音乐语言。通过本书的学习，读者将能够自信地分析任何功能和声体系内的音乐作品，并将其知识有效地融入自己的创作实践之中。

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这本《音阶和琶音的练习》真是让我对音乐的理解和演奏技巧有了质的飞跃。我原本以为音阶和琶音的练习不过是枯燥的指法训练，但这本书的编排方式完全颠覆了我的认知。它不像那些传统的教材，只是一味地堆砌各种调性，而是巧妙地将不同风格的音乐元素融入其中。比如，它有一部分专门针对巴洛克时期复调音乐的音阶练习，要求你在快速跑动中保持清晰的层次感和声部独立性，这对于我目前正在学习的巴赫赋格曲非常有帮助。另一部分则侧重于浪漫主义时期那种充满歌唱性的琶音线条，不仅要求速度快，更强调音色的连贯和情感的表达，我发现练习完后，我在演奏肖邦练习曲时，那些看似简单的琶音段落忽然变得生动起来，充满了故事性。这本书真正厉害的地方在于，它不只是教你怎么“弹快”，而是教你怎么“弹得有音乐”。它会在练习中穿插一些关于和声进行和调式变化的讲解，让你在指法练习的同时，脑子里也在进行着深层次的音乐分析。这种将技术训练与音乐理解深度结合的方式，让我觉得每一次翻开这本书，都是一次充满启发性的探索，而不是简单的重复劳动。它真正实现了“技道合一”，让枯燥的练习变成了提升音乐素养的有效途径。

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坦白说，我买这本书的时候，心里是有点打鼓的，因为市面上关于技巧练习的书籍实在太多了，很多都是大同小异，换汤不换药。但《音阶和琶音的练习》这本书，光是它的版式设计就让人眼前一亮。它没有采用那种密密麻麻、让人望而生畏的五线谱排版，而是留出了大量的空白区域，并且对一些特别容易出错的指位和节奏变化，做了非常清晰、图文并茂的提示。更让我惊喜的是，它对不同演奏者的需求考虑得非常周到。比如，对于初学者，它提供的基础练习注重的是手指的独立性和平均性，用的是最常见的大调和小调；但当我翻到后面，针对高级演奏者的部分，简直是“魔鬼训练营”。它引入了大量的非传统音阶，像是全音音阶、布鲁斯音阶，甚至是某些民族调式，而且对琶音的分解方式也极其复杂，涉及到跨把位和不规则的节奏切分。我敢肯定，如果能把这本书后面的所有练习吃透，任何钢琴家在面对现代派或爵士乐作品时，都会感到游刃有余。这本书不是简单的工具书，它更像是一位严谨而富有创意的导师，时刻在推着你挑战自己的舒适区。

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我是一位钢琴教师，一直在寻找能够激发学生练习热情的教材。《音阶和琶音的练习》这本书，完全符合我对趣味性和实用性的双重要求。我最欣赏的是它对“节奏变奏”的运用。传统的音阶练习大多是固定时值，听起来单调乏味，但这本书提供了大量使用附点、切分、甚至复节奏形式的音阶和琶音练习。例如，它会要求用“三连音接两个十六分音符”的方式来演奏C大调音阶，这立刻让原本单调的练习变得充满挑战性和音乐性。学生们不再把音阶当作负担，而是当作一个“节奏谜题”来解。更重要的是，这种练习直接提升了他们对拍号和节奏准确性的把握，这对于学习室内乐或协奏曲至关重要。此外，这本书对“手型稳定性”的强调也做得很到位，它通过特定指法的强调练习，帮助学生建立起扎实的核心支撑力，避免了许多年轻演奏者手指“漂浮”的问题。这本书的价值在于，它不仅仅是技术指南，更是一本充满创新教学思路的资源宝库。

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说实话，我对技巧书的容忍度是比较高的，因为大多数都显得过于僵化和学院派，缺乏活力。《音阶和琶音的练习》却成功地找到了一个绝佳的平衡点。它既有古典音乐训练的严谨性，又巧妙地融入了现代演奏的灵活性。最让我印象深刻的是书中关于“连接性”的探讨。它不仅仅是分开练习音阶和琶音，而是设计了一套将两者无缝衔接的练习路径。比如，它会要求你在一个调性中完成一个复杂的琶音，紧接着要立即用快速的音阶过渡到另一个调性，中间的换气点和力度变化都有明确的指示。这极大地锻炼了演奏者在乐曲复杂段落中保持思维连贯的能力。很多时候，我们弹奏乐曲卡壳，不是因为音阶弹不上去，而是因为大脑反应不过来音型和调性的突然转换。这本书通过模拟这种高强度的转换训练，让我对乐谱的“预读”能力有了显著提升。阅读这本书的过程，更像是一次高强度的“音乐反应力”训练营，而不是单纯的手指练习。

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我是一名自学钢琴的爱好者，最大的困扰就是不知道自己的练习是否到位，总感觉进步缓慢。《音阶和琶音的练习》这本书，在这方面提供的指导堪称精准。它没有一味地追求速度的提升，而是非常强调“质量控制”。书中每一组练习的开头，都会有一个“自检清单”，比如“你的无名指是否过于僵硬？”、“低音区的力度控制是否均匀？”、“高音区的触键是否清晰？”等等。这迫使我必须慢下来，认真审视自己的每一个动作，而不是机械地用眼睛扫过乐谱然后“弹过去”。我发现，很多我自认为已经掌握的音阶，在按照书中的标准去审视时，会暴露出很多毛病，比如换把位时出现的微小停顿，或者力度不均导致的音量起伏。这本书教会我的，是“内听”——即不仅仅是用耳朵听声音的结果，更要用心去感受手指在琴键上的动态和压力变化。这种细致入微的指导，对于没有老师实时纠正的自学者来说，简直是雪中送炭。它把“练好”的标准量化了、具体化了，让我知道自己努力的方向在哪里，效率自然也就大幅提升了。

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