Photoshop 7技术与技巧 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:

出品人:

页数:335

译者:

出版时间:2003-2

价格:39.00元

装帧:

isbn号码:9787111113829

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• 图像处理
• Photoshop 7
• 图形设计
• 图像编辑
• 技术教程
• 技巧
• 软件操作
• 数码图像
• 设计软件

摄影后期处理的进阶之道：光影、色彩与构图的精妙掌控 本书聚焦于现代数字影像工作流程中，那些超越基础软件操作，直击图像美学与技术深层原理的高级应用。它并非一本针对特定软件版本的功能手册，而是一部面向追求卓越视觉效果的摄影师、设计师及图像艺术家的深度指南。 --- 第一部分：光影的雕塑——理解与重塑自然光 本书的首章即深入探讨光线的本质及其在数字成像中的模拟与控制。我们不再停留在“调整亮度”的层面，而是深入剖析影调的层次感与光照的体积感。 1.1 高动态范围（HDR）的精微艺术：从捕获到融合 本部分详细讲解如何通过多张曝光的精确对齐（Registration）与智能的色调映射（Tone Mapping）算法，再现人眼所能感知的全部光照细节。重点讨论如何避免“死白”与“死黑”，确保高光不过曝、暗部有细节。更进一步，我们将探讨局部曝光补偿的技术，即如何利用蒙版和渐变工具，对画面中特定区域的光照进行“二次塑造”，以增强画面的戏剧性。例如，如何通过模拟侧逆光来凸显物体表面的纹理。 1.2 影调分离与控制：明暗对比的哲学 我们用大量篇幅阐述分离频率处理（Frequency Separation）在光影处理中的核心地位。这不仅仅是修饰皮肤的技巧，更是重塑三维空间感的关键。通过将纹理（高频）与色彩/明暗（低频）分离，你可以独立、无损地处理光照变化。书中有针对建筑摄影中，如何利用低频层来平滑建筑立面的光影过渡，使光线看起来更加均匀且自然，避免传统减淡与加深工具带来的“涂抹感”。同时，还将介绍基于中频的微对比度增强技术，用以提升画面中微妙的过渡区域，赋予图像“呼吸感”。 1.3 模拟经典光源：从钨丝灯到日光散射 本书跨越软件版本界限，专注于模拟真实世界的光源特性。我们探讨如何通过色彩温度（Color Temperature）的细微调整，结合特定的柔光罩与反光板模拟，来控制画面中光斑的边缘锐度（硬光与软光）和光晕（Falloff）。内容包括针对肖像摄影中伦勃朗光、蝴蝶光等经典布光模式的后期重现，以及如何利用复杂的曲线工具（Curves）来精确控制画面中高光、中间调和阴影的独立亮度区间。 --- 第二部分：色彩的叙事——情绪、风格与科学 色彩是情绪的载体。本部分致力于将色彩理论与图像处理技术完美结合，指导读者建立属于自己的色彩语言。 2.1 色彩空间与色彩管理：从显示器到印刷的无缝转换 在深入探讨色彩调整之前，本书首先建立了坚实的色彩科学基础。我们详细解释了sRGB、Adobe RGB (1998) 和 ProPhoto RGB 三种主要色彩空间的差异及其在不同工作流程中的适用性。重点讲解色彩剖析（Color Profiling）的必要性，以及如何使用专业的色彩校准工具来确保你屏幕上看到的色彩与最终输出（无论是屏幕预览还是印刷品）保持高度一致。 2.2 HSL/颜色分级：主观情绪的客观表达 传统的HSL（色相、饱和度、亮度）调整将被提升至目标颜色选择的层面。我们将介绍如何精确选择画面中某一特定色相的颜色范围，并对其进行独立调整，而不影响其他颜色。书中包含了多个案例研究，展示如何通过微妙调整环境色（如草地的绿色或天空的蓝色）来瞬间改变照片的整体情绪——例如，从温暖、怀旧的色调过渡到冷静、现代的风格。 2.3 达芬奇时代的色彩分级：电影化调色的核心技巧 本书深度剖析了色彩分级（Color Grading）的原理，这超越了简单的白平衡调整。我们引入了“对立色”的概念，例如蓝色阴影与橙色高光（Teal and Orange）的运用，以创造深度和立体感。通过对色轮（Color Wheels）的精妙操作，指导读者如何在不损害皮肤自然肤色（Skin Tone）的前提下，为画面注入强烈的电影感和时代氛围。 --- 第三部分：构图的延伸——视觉引导与信息流组织 构图是图像的骨架。本书的最后部分探讨了如何在后期处理中“修正”或“强化”原始构图，以实现最佳的视觉引导。 3.1 几何校正与透视的魔术：消除变形的艺术 本书不只是提及“拉直地平线”，而是深入讲解镜头畸变（Lens Distortion）的科学模型及其在后期中的精确校正。针对广角镜头带来的透视变形，我们详细介绍了如何利用裁剪工具的高级透视调整功能，将倾斜的建筑线条在保持画面主体比例不变的前提下，完美还原为垂直或水平，这对于建筑和室内摄影至关重要。 3.2 区域选择与视觉路径：引导观众的目光 在图像处理中，蒙版不再是简单的涂抹工具，而是创建视觉路径的导航系统。本部分强调如何使用复杂的、非线性的蒙版（如亮度蒙版、颜色范围蒙版）来精确定位观众的注意力焦点。通过渐变与径向工具的组合使用，模拟了主光与辅光的效果，确保观众的视线自然地从兴趣点A平滑过渡到兴趣点B，最终停留在画面的核心主题上。 3.3 细节的提炼与纹理的重塑：超越锐化 本书避免了简单地使用“锐化”滤镜。我们介绍使用高反差保留（High Pass）结合混合模式来分离和增强细节层次。更进一步，探讨了如何通过高频分离技术，对特定的材质（如金属的反光、布料的纤维、岩石的粗糙度）进行“有选择性的纹理增强”，使图像的触感（Tactile Quality）得以提升，使观众仿佛能“触摸”到图像中的物体。 --- 本书的目标读者是那些已经熟悉软件界面的操作者，渴望将处理流程从“修图”提升至“创作”的专业人士。它要求读者具备对光、色、形的基本敏感度，并提供一套系统化的、跨越具体版本界限的高级技术框架，以应对任何复杂的数字影像挑战。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我手里这本《Photoshop 7技术与技巧》，实在让人怀疑作者对“技巧”二字的理解是否与行业标准接轨。我主要关注的是高级蒙版技术和非破坏性编辑流程的深度实践。我期待看到的是如何利用通道（Channels）进行极其精细的发丝抠图，或者如何构建复杂的智能对象（虽然在 7.0 中智能对象概念还不成熟，但作者应该能从通道和图层样式上找到替代性的高级工作流）。可翻遍全书，我找不到任何关于如何有效管理大型项目文件结构的讨论，比如命名规范、智能层级组织策略，或者如何利用脚本批量处理上百张图片的高级自动化操作。更别提任何关于 3D 渲染层、RAW 文件处理管线深入集成的内容了，这些在当时的软件环境中都是前沿且极具挑战性的领域。这本书给我的感觉是，作者只是把软件界面的每一个选项都依葫芦画瓢地介绍了一遍，缺乏将这些零散工具整合起来形成高效工作流的“智慧”。它更像是一份官方帮助文档的中文重述，而不是一本能真正提升工作效率的“秘笈”。对于寻求突破瓶颈、想从熟练用户晋升到专家级别的人来说，这本书提供的价值微乎其微，它只停留在“能用”的层面，离“用得好”还差着十万八千里。

评分☆☆☆☆☆

读完这本《Photoshop 7技术与技巧》，我最大的感受是信息陈旧且脱离实际工程需求。我是一名专注于数字插画和概念艺术的创作者，我非常看重笔刷引擎的定制化能力以及如何高效地构建复杂纹理。我期待书中能详细解析 7.0 版本笔刷面板的隐藏潜力，比如如何利用形状动态、散点分布等参数来创造出具有生命力的自然笔触，或者如何导入和编辑自定义的 ABR 文件以适应特定的绘画风格。结果呢？书中对笔刷的介绍，无非就是教你如何选择一个预设的圆形笔刷。此外，对于矢量图形和路径工具的讲解也同样敷衍，没有提及如何高效地创建和编辑复杂的贝塞尔曲线，以及如何将路径导出到其他矢量软件进行精确的图形设计工作。对于我们这种需要频繁在像素和矢量之间切换的艺术工作者而言，流畅的跨界协作流程至关重要，但这本书对如何优化这些“流程间隙”只字未提。总而言之，它未能提供任何关于如何将软件工具提升为艺术生产力核心的真知灼见，读完后，我还是得回到网络上寻找那些真正有经验的艺术家分享的实战经验，这本书的价值，仅限于提供一个过时的软件功能列表。

评分☆☆☆☆☆

这本书的知识深度，简直是薄如蝉翼。我是一位对图像合成（Compositing）有浓厚兴趣的读者，我期望看到的是关于图层混合模式（Blend Modes）的底层数学原理探讨，以及在 7.0 版本中，如何利用这些模式去模拟真实世界的光影交互，例如次表面散射（Subsurface Scattering）的简易实现，或者复杂的半色调（Halftone）效果创建。然而，书中对混合模式的讲解，无非是“正片叠底让颜色变深，滤色让颜色变亮”这种幼儿园级别的定义，完全没有深入到它们在专业合成中的应用场景。如果作者不能解释“为什么”要用某个模式，以及在什么条件下它能产生最优解，那么仅仅罗列功能又有何意义？我真正想了解的，是如何处理高动态范围（HDR）的初步概念在 PS 7.0 中的模拟，以及如何利用色调映射（Tone Mapping）的早期技巧来扩大画面的视觉冲击力。但这些在书里完全找不到踪影，仿佛作者对这些后来的技术发展一无所知，或者故意回避了需要深入思考的问题。这本书更像是一本被“稀释”过的教材，旨在满足最浅层的用户需求，对追求技术极限的读者来说，它提供的帮助趋近于零。

评分☆☆☆☆☆

这本号称“技术与技巧”的著作，实在让人摸不着头脑，它更像是一本零散的工具手册的集合，而不是一本系统性的学习指南。我原本期待能从中找到关于色彩管理的前沿解析，比如如何精确匹配不同设备间的色彩空间，尤其是在印刷和网络输出的复杂流程中，Photoshop 7.0 的局限性及如何通过插件或外部工作流来弥补这些不足的深度探讨。然而，书中对这些关键环节的描述轻描淡写，几乎没有提供任何经过验证的专业案例或解决实际生产问题的思路。相反，大量的篇幅被用来讲解那些基础到令人发指的菜单操作，比如“如何打开文件”、“图层面板在哪里”这类内容，对于一个已经熟悉任何图形软件操作的人来说，阅读这些简直是浪费时间。我尤其想看到关于非线性编辑在 CS 时代之前的应用潜力，毕竟 7.0 版本正处于一个技术迭代的关键时期，如何利用它的时间轴功能进行基础的动画或视频预览，应该有所着墨。但很遗憾，这方面的内容缺失得令人失望，它仿佛停留在上个世纪的认知水平，完全没有顾及到专业用户对效率和深度定制的需求。如果你想学习如何真正用 PS 解决复杂的设计难题，这本书里的“技巧”恐怕帮不上什么大忙，它更像是一本给完全的新手准备的入门读物，而且还是一个信息过载、重点缺失的入门读物。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的排版和视觉呈现让人感到一种强烈的时代滞后感，这不仅仅是软件版本的问题，更是内容组织上的陈旧。我购买这本书的初衷，是希望深入了解当时业界对于“修图”的审美标准和技术侧重，特别是那些经过时间检验的经典调色方法论。我特别想看到的是对柯达数字胶片模拟的深度解析，比如如何使用 7.0 的曲线和色阶工具，去复刻特定胶片的颗粒感和色彩偏移特性，这在胶片向数码转型的时期是至关重要的技能。但这本书里，调色部分的处理显得非常业余，充斥着对“亮度”和“对比度”的简单拉伸，完全没有触及到胶片色彩科学的核心——影调分离和色彩分离的精细控制。更令人不解的是，书中对界面定制的讨论也显得过时，没有提到如何通过自定义菜单或快捷键来优化工作流程，让工具栏适应特定的设计需求。这种缺乏前瞻性和审美引导的内容，使得这本书的阅读体验非常枯燥乏味，它没有引导我形成一套属于自己的、高效且富有个人风格的后期处理哲学，只是机械地重复软件功能。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆