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出版者:中国纺织出版社

作者:武小川

出品人:

页数:118

译者:

出版时间:2003-1

价格:34.00元

装帧:

isbn号码:9787506423724

丛书系列:

图书标签:

• 素描
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• 美术
• 绘画
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• 基础

雕塑与空间：现代立体造型艺术探微 作者： [虚构作者名，例如：林远山、陈宇航] 出版社： [虚构出版社名，例如：博雅艺术文库、世纪美术出版社] 装帧： 精装，附赠高精度图版彩页 定价： 188.00 元 --- 内容简介：超越平面，重塑感知 《雕塑与空间：现代立体造型艺术探微》是一部深度剖析二十世纪以来雕塑艺术如何挣脱传统束缚，与环境、材料乃至时间产生复杂互动的专著。本书旨在为艺术院校师生、专业雕塑家以及对现当代艺术思潮感兴趣的读者提供一个全面而深入的理论框架和视觉参考，探讨从具象到抽象、从实体到观念的转变历程。 本书并非单纯的艺术史梳理，而是一场对“三维艺术”本质的再定义。我们不再将雕塑视为对特定物体的模仿或纪念，而是将其视为一种在真实空间中进行物质、形式与观念对话的媒介。全书共分为五大部分，逻辑层层递进，力求展现现代雕塑的广阔疆域。 第一部分：空间的解放与形式的革命 (The Liberation of Space and the Revolution of Form) 本部分追溯了现代主义初期雕塑对古典美学的反叛。重点分析了布朗库西（Brancusi）如何通过对形式的极致简化，揭示“本质”而非“表象”的哲学命题。随后，我们深入探讨立体主义对雕塑构成的冲击，特别是毕加索和阿尔普（Arp）如何引入“切割”、“穿透”和“并置”的概念，使雕塑内部和外部的空间关系发生颠覆性变化。 我们详细解析了立体派雕塑中“负空间”（Negative Space）的理论化应用，指出“空隙”不再是物质的缺失，而是与实体同等重要的构成元素。本章还梳理了未来主义对动态和速度的捕捉，尝试在静止的材料中凝固“运动的轨迹”，这为后来的动态雕塑奠定了基础。 第二部分：材料的宣言与工艺的重估 (Material Manifesto and the Revaluation of Craft) 二十世纪中期，雕塑的材料哲学发生了剧变。本章的核心议题是：材料是否具有内在的“意志”？传统的大理石和青铜被赋予了新的意义，而工业材料如钢铁、塑料、玻璃纤维甚至废弃物开始登上艺术舞台。 我们聚焦于“直接塑形”（Direct Modeling/Construction）的复兴，探讨了焊接、拼贴和现成物（Readymade）对传统铸造和雕刻工艺的挑战。重点分析了意大利“贫乏艺术”（Arte Povera）如何利用易逝、粗粝的材料（如泥土、木炭、布料）来反抗消费主义和高度精炼的艺术品市场，强调材料的“原初状态”和“过程性”。本部分通过大量的案例研究，揭示材料选择背后的社会文化立场和美学诉求。 第三部分：环境的介入与场域特定性 (Environmental Intervention and Site-Specificity) 现代雕塑不再满足于被放置于博物馆基座之上，它开始主动“占领”或“对话”于特定环境。本章是理解当代雕塑的关键。我们深入探讨了“场域特定性”（Site-Specificity）的理论起源及其在大地艺术（Land Art）中的实践。 史密森（Smithson）的《螺旋堤》、克里斯托（Christo and Jeanne-Claude）的“包裹”项目，不仅是物质的建构，更是对地理、历史和观看行为的介入。我们分析了这些作品如何挑战艺术品的“可移动性”和“永恒性”，转而关注其“发生”的过程和对特定地点的暂态影响。此外，本书还辨析了“环境艺术”与“大地艺术”在目标和手法上的细微区别，并探讨了城市公共艺术中，雕塑如何与建筑、人流形成动态的、社会性的互动结构。 第四部分：观念的胜利与非物质形态 (The Triumph of Concept and Non-Material Forms) 随着后现代思潮的兴起，雕塑的“实在性”受到质疑。本部分考察了从极简主义（Minimalism）到观念艺术（Conceptual Art）的发展轨迹。 极简主义者如唐纳德·贾德（Donald Judd）和卡尔·安德烈（Carl Andre）如何通过精确的工业制造和对作品与地面、墙壁关系的强调，使作品回归到“它就是它本身”的物质性，从而消除作者的主观情感投射。随后，观念艺术进一步解构了雕塑的物质形态，探讨了“身体即雕塑”、“时间即雕塑”的可能。我们详细分析了行为艺术和装置艺术的出现，这些形式虽然不总是传统的“雕塑”，但它们继承并拓展了三维艺术对空间、时间、观众参与的关注，将“创作意图”提升至物质实体之上。 第五部分：数字媒介与未来形态的探索 (Digital Mediums and the Exploration of Future Forms) 在本书的收官部分，我们展望了数字技术对雕塑实践带来的变革。从三维扫描到参数化设计（Parametric Design），再到3D打印的普及，传统雕塑的制作边界正被打破。 本章探讨了数字雕塑（Digital Sculpting）如何实现传统工艺难以企及的复杂曲面和结构，以及虚拟现实（VR/AR）环境对“雕塑”这一概念的延伸——如何在无实体的数字空间中构建体验和意义。我们审视了“增材制造”技术如何使艺术家能够以前所未有的速度和精度实现复杂的设计，并思考这种速度和精确度对艺术作品的“手感”和“时间感”可能带来的影响。 --- 读者对象与价值 本书的理论深度足以满足研究生阶段的学术研究需求，同时，丰富的案例分析和清晰的脉络梳理，也使本科生和对现当代艺术有浓厚兴趣的爱好者能够轻松进入复杂的现代雕塑语境。它不仅是一部工具书，更是一部引发思考的对话录，鼓励读者跳出传统框架，重新审视物质、空间、时间与艺术品之间的关系。 核心关键词： 负空间、场域特定性、贫乏艺术、极简主义、直接塑形、材料哲学、动态雕塑、空间构成。

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这本书的装帧和图例设计，透露出一种成熟老到的专业气息。印刷质量非常精良，无论是黑白灰的过渡还是线条的清晰度，都达到了专业画册的水准。很多市面上的辅导书，图例往往模糊不清，或者色调失真，让人看了反而迷惑。但《素描人像考辅》在这方面做得极为考究。更妙的是，它并非只展示“完美成品”，而是大量的“过程展示图”，这些图表详尽地标注了画家在不同阶段的思考路径，比如“此处用擦笔模糊，是为了表现皮肤的柔和感”或者“这里用尖锐的线条加强结构，是为了突出骨骼的硬朗感”。这种“画师心声”的呈现方式，极大地弥补了课堂教学中老师无法随时在身边指导的遗憾。我感觉自己不是在看一本教材，而是在偷看一位大师在创作过程中的内部对话。这种沉浸式的学习体验，对我建立自信、克服面对复杂场景时的畏惧感，起到了关键性的作用。

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我不得不说，这本书的实战性强到让人吃惊。我们都知道，考前时间紧迫，需要的不是长篇大论的哲学探讨，而是立竿见影的技巧提升。这本书完美地抓住了这一点。它精选的那些速写范例，无一不是抓住了人物神态的精髓，寥寥数笔，人物的神韵就呼之欲出。我特别喜欢它关于“动态捕捉”那一章节的讲解。作者用非常直白和口语化的方式，教授如何快速判断人物的重心和姿态的动态线，那种“一笔定乾坤”的自信感，正是速写最需要的。书里提供的练习步骤，是那种精确到“先用HB勾勒大形，再用2B明确五官结构，最后用4B压暗关键体积”的详细步骤，让人可以严格按照流程来训练自己的手感和节奏。我按照书中的建议，每天坚持完成几张“三分钟动态速写”，效果立竿见影，原来那些总是画得僵硬、缺乏生命力的线条，现在开始变得生动起来。对于我这种平时练习时间不充裕的考生来说，这种高效率的应试指导简直是雪中送炭。

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我最欣赏《素描人像考前辅导》的一点，是它对“应试策略”的重视程度，这在纯技法书中是比较少见的。它专门开辟了一个章节来讨论如何在考试规定的时间内，最大化地展现自己的优势。比如，如何在一张有限的考卷上合理分配精细度和概括度，如何通过背景的虚化来突出主体人物的立体感，甚至连如何选择最适合自己笔触的铅笔硬度都有详细的建议。这已经超越了单纯的“画技”范畴，上升到了“应试管理”的高度。很多考生技术很好，但因为时间分配不当或对阅卷老师偏好的不了解而失分，这本书在这方面提供了非常实用的“避雷指南”。它不只是教你如何画得好，更是教你如何“考得好”。通过阅读它，我调整了自己平时的练习重点，不再沉溺于打磨一个局部，而是开始注重整体效果和节奏感，这对我的心理建设和最终的临场发挥都起到了积极的推动作用。

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这本《素描人像考前辅导》简直是艺术学习者的一盏明灯！我手里拿到的这本书，首先被它扎实的理论基础深深吸引住了。它并非那种空泛地谈论“感受”和“灵感”的艺术书籍，而是非常系统地拆解了人体的结构、光影的原理以及五官的比例关系。尤其是关于头骨和肌肉群的讲解，配有大量的解剖图示，清晰到让人能立刻在脑海中构建出一个三维的模型。我过去在画侧脸时总觉得鼻子和下巴的过渡很别扭，翻开这本书后才明白，原来是自己对颧骨和下颌骨的理解不够深入。作者在讲解透视和角度变化时，用了很多对比案例，比如仰视、俯视、平视时眼睛和鼻子的相对位置是如何发生微妙变化的，这些细节的捕捉和归纳，对于应试者来说简直是黄金信息。它不只是教你怎么画，更重要的是告诉你“为什么”要那样画，这种从底层逻辑出发的教学方法，让我的绘画思路豁然开朗，不再是机械地模仿，而是真正开始理解结构，自然也就提升了解决复杂问题的能力。这本书的价值远超一般的考前冲刺资料，它更像是一本可以伴随你绘画生涯长久使用的工具书。

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坦白说，我以前也买过好几本所谓的“素描圣经”，但很多都停留在理论层面，读完后感觉知识点很满，但手却不知道该如何动。这本书的叙述风格倒是与众不同，它带着一种温和而坚定的引导力。作者的语言没有那种高高在上的学术腔调，反而像一位经验丰富的前辈，在你迷茫时递过来一张清晰的地图。比如，在处理人物表情的细微差别时，它没有罗列出几十种肌肉名称，而是直接切入到眼睛和嘴角弧度的变化对整体情绪的影响，这种“以结果为导向”的讲解方式，非常符合应试需求——我们要考的是画面效果，而不是解剖学学位。此外，书中对不同光照条件（如侧光、顶光、散射光）下人脸不同部位高光和投影的规律总结得特别精辟，让我彻底摆脱了“画光影就是加深阴影”的简单误区。这本书真的做到了“授人以渔”，教会我一套可以灵活套用到任何陌生人像上的观察和绘制方法论。

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