云水画法――山水画速成教学丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:陕西人民美术出版社

作者:赵文发 编

出品人:

页数:20

译者:

出版时间:2003-1-1

价格:0

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isbn号码:9787753681588

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飞瀑流泉：中国山水画写意技法深度解析 作者： 李墨然 出版社： 翰墨轩文化出版公司 装帧： 精装，附赠高清范图集 定价： 188.00 元 字数： 450千字 --- 内容提要 《飞瀑流泉：中国山水画写意技法深度解析》并非传统意义上的入门速成指南，而是一部面向有一定基础，渴望深入理解中国山水画“气韵生动”之哲理与笔墨内在逻辑的进阶参考书。本书摒弃了简单机械的技法罗列，着重于引导学习者构建起一个完整的中国山水画的认知体系，从魏晋的魏晋风度到宋元的笔墨演变，再到近现代的写意精神的回归与创新，进行了一次由表及里的梳理。 本书的核心在于对“写意”二字的深刻剖析。在中国画语境中，“写意”绝非草率敷衍，而是对物象神韵的高度提炼与精神寄托的完美融合。作者以深厚的传统功底和独到的学术洞察力，将抽象的哲学思想转化为可操作的笔墨语言。全书分为四大核心板块，层层递进，结构严谨，旨在帮助读者跨越“形似”的藩篱，直抵“神似”的境界。 --- 详细章节导览 第一部：溯源与立基——山水画精神内核的构建 (约15万字) 本部分旨在为读者奠定坚实的理论基础，理解中国山水画的文化根基。 第一章：天地之交：中国传统哲学与山水观念的耦合 探讨儒释道思想如何渗透到山水画的审美取向中。重点分析“虚实相生”、“计白当黑”、“不动之动”等概念在构图中的哲学意义。深入阐述“胸中山水”的形成过程，即画家如何将外在的自然转化为内在的审美图式。 第二章：笔墨之源：从线条到气韵的演变 详细梳理自顾恺之“传神论”以来，中国书法用笔对绘画的影响。区别于技法书对具体笔触的描述，本章侧重于分析“中锋”、“侧锋”、“渴笔”、“涨墨”等笔法背后的“力道”与“情绪”。引入“金石入画”对山石皴法的改造历程，特别是董源“披麻皴”与李唐“斧劈皴”在表现对象与精神气质上的差异。 第三章：山石的结构与形态学 本书不直接教授如何画某一类山石，而是着重于分析山石在不同地域文化体系中的形态学特征。例如，北方山水的雄浑与南方山水的秀润在结构上的根本区别。详细解析不同朝代画家对“骨法用笔”的理解侧重，如何用笔墨表现山体的地质年代感和内在张力。 第四章：树木的生命律动：植物造型的写意法则 本章以树木为核心，探讨其“生气”的来源。分类解析松、竹、梅、柳等常见树种在写意体系中的符号意义。重点讲解“点叶法”与“勾勒填色法”在表现季节变化和生命状态上的区别，特别是如何通过树干的虬曲和枝条的疏密表现画家的心境。 --- 第二部：写意技法的精微剖析 (约13万字) 本部分进入核心的笔墨技法探讨，但视角始终保持在“写意”的层面，而非机械的步骤分解。 第五章：水法的表现力：流动与静谧的二元对立 详尽分析古人表现水体运动的多种手段。探讨“留白法”在表现云雾缭绕、瀑布飞流中的空间感和动感。对比分析“界水法”（界线清晰）与“墨晕法”（水墨渲染渗透）在表现不同类型水体（江河、湖泊、瀑布）时的适用性。特别强调“动静结合”的构图原则。 第六章：墨色的哲学：单色调中的层次构建 深入研究“五墨法”（焦、浓、重、淡、清）在现代山水画中的运用。本书详细讲解如何利用水的控制力，在一次上墨过程中实现墨色的微妙渐变，避免僵硬的平涂。分析不同纸张（皮纸、毛边纸、生宣、熟宣）对墨色渗透、洇化效果的影响，以及如何利用这些特性来强化画面的“自然天成”感。 第七章：空间透视的东方智慧：高远、深远与平远 摒弃西方焦点透视的概念，深入解读中国山水画独特的“散点透视”体系。通过大量古代名作的局部解析，展示画家如何巧妙地运用山体的高低、云雾的遮挡以及前景、中景、远景的虚实对比，构建出可游可居的“可行、可望、可游、可居”的理想空间。 第八章：点景的升华：人文精神的注入 论述“点景”——房屋、舟桥、人物——在山水画中的关键作用。点景不仅是比例的参照，更是引入“人”的尺度，使画面具有人文关怀的尺度。分析如何在极简的点景中传达隐逸、高洁或世俗的情感主题。 --- 第三部：气韵的生成——从局部到整体的驾驭 (约10万字) 本部分聚焦于如何将前面所学的零散技法融会贯通，形成具有独立生命力的作品。 第九章：构图的意境：形散神聚的布局之道 探讨中国画的章法原理，强调“不拘泥于形体”的自由布局。分析“对角线构图”、“S形引导线构图”在山水画中的应用，以及如何通过“留白”来平衡画面的重心，实现视觉上的舒展与内心的收敛。 第十章：创作心法的锤炼：如何进入“无我”之境 这是一章关于“心法”的论述。它指导读者如何通过长期的观察、临摹和思考，将技法内化为直觉反应。讨论了临摹的层次——从“形似”到“笔墨之似”再到“气韵之似”的转变，以及如何将个人独特的人生体验转化为独有的笔墨语言，最终实现“我笔写我心”。 第十一章：光影的运用：传统绘画中的“神光” 传统山水画不追求西方油画式的光影体积感，而是追求一种内在的光感，即“神光”。本章分析了画家如何通过墨色的浓淡变化、皴擦的轻重缓急，来暗示光源的方向和物体的向背，营造出一种笼罩在画面中的、超越具体时间点的“永恒光感”。 --- 第四部：当代视野下的传承与创新 (约7万字) 第十二章：近现代名家的笔墨实验 精选分析了近现代几位大师（如黄宾虹、傅抱石、李可染等）在继承古法基础上的创新路径。重点剖析黄宾虹的“黑密厚重”如何在“浑厚华滋”中实现对传统笔墨的颠覆与再造，以及如何从他们的探索中汲取当代创作的灵感。 结语：山水永恒——从技法到哲学的回归 本书旨在提供一个深邃的思考框架，而非一套简单的“傻瓜式”操作指南。它要求学习者付出持久的努力去理解笔墨背后的精神力量。 --- 本书特色 1. 强调哲学性而非操作性： 避开了冗长琐碎的步骤分解，专注于“为什么”要这么画，以提升读者的审美层次。 2. 理论与实践的深度融合： 每论述一种技法，都溯源至古代哲学思想，并结合现代实践的难点进行解析。 3. 高清图例精讲： 随书附赠的范图集，并非直接摹本，而是选取了古代名作的局部细节，配合文字进行笔法意图的深度解读，帮助读者体会笔墨的微妙之处。 4. 针对进阶者设计： 本书的语言和内容深度，更适合已经掌握基础工具使用（如会用笔、会调墨），但力求突破瓶颈，追求更高艺术境界的创作者研习。 推荐读者对象： 已有两年以上中国画学习经历，渴望深入理解“笔墨精神”的学员。 艺术院校相关专业的教师与研究生。 对中国传统美学与哲学感兴趣的爱好者。

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这本书的装帧设计非常吸引人，封面那幅写意的山水画，寥寥几笔，却把烟雨迷蒙的江边意境描绘得淋漓尽致。内页的纸张厚实，触感温润，即使用浓墨挥洒也不会洇墨，这一点对于我们这些喜欢反复练习的初学者来说，简直是太友好了。我特别欣赏作者在排版上的用心，图文比例拿捏得恰到好处，没有那种堆砌内容的压迫感。每一页的留白都恰到好处，让人在学习枯燥的笔法技巧时，也能感受到一种呼吸的空间。我翻阅了前面几章关于“墨分五色”的讲解，作者没有直接抛出复杂的理论，而是通过一系列清晰的步骤图，将浓、淡、干、湿的变化展示得非常直观。尤其是那几组对比练习，让我瞬间明白了为什么我画的山水总是显得平板，原来是中间调子的过渡处理得不够细腻。这本书的整体感觉，就像是请了一位经验丰富的老先生坐在你身边，耐心细致地为你铺陈开一幅徐徐展开的山水画卷，让人心生敬畏，又充满了跃跃欲试的冲动。它不仅仅是一本教程，更像是一件可以被珍藏的艺术品，光是捧着它，就已经沉浸在了那份宁静的水墨氛围之中。

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初学者最怕的就是那种上来就要求你掌握复杂结构和章法布局的教材，读起来晦涩难懂，仿佛隔着一层纱看不清重点。然而，这本书的处理方式简直是教科书级别的“减法哲学”。它摒弃了那些宏大的历史叙事和玄妙的哲学探讨，而是聚焦于最核心、最实用的“速成”要素。我尤其喜欢作者对“点苔”和“皴法”的拆解，他并没有一股脑地介绍几十种皴法，而是精选了最常用、最基础的几种，比如披麻皴和斧劈皴，然后用动画般的分解步骤图告诉你，手腕的提按、毛笔的侧锋正锋是如何配合完成的。那些小小的技巧，比如如何调出那种带着“飞白”效果的干笔触，作者都用放大镜的方式展示出来，让你看得一清二楚。这种循序渐进、庖丁解牛式的讲解，极大地降低了学习的心理门槛。以前总觉得画山水需要天赋，读完这部分内容后，我开始相信，只要掌握了正确的“口诀”和“手法”，勤加练习，人人都能跨过最初那道最难的坎，让自己的作品初具规模和神韵。

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这本书的语言风格非常平易近人，几乎没有任何生僻的术语，即便是第一次接触中国画的读者，也能轻松理解作者的意图。作者在叙述过程中，常常使用生活化的比喻，让抽象的笔墨技巧变得形象可感。比如，他描述运笔时的“提、按、顿、挫”，不是干巴巴地用术语解释，而是说要像“蜻蜓点水”一样轻盈，像“巨石落地”一样沉稳。这种充满画面感的语言描述，极大地激发了我的想象力。另外，书中对“写意”和“写形”的平衡把握得非常好。它既教你如何快速捕捉景物的神态（写意），又没有忽略对基本结构（写形）的训练。让我印象深刻的是作者对“水”的刻画，他用非常简练的几笔线条，区分出了“流水的动感”、“静水的反光”和“瀑布的磅礴”，这种对单一元素的精细化处理，体现了作者深厚的教学功底。读完后，我不再觉得山水画是高不可攀的艺术，而更像是一套可以按照清晰步骤去实践和掌握的技能体系。

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作为一名在职的业余爱好者，我最看重的是效率和针对性。很多国画教材的篇幅冗长，很多内容是讲理论而非实操，读起来需要大量的背景知识积累。而《云水画法》这本书，显然是为我们这类时间有限、目标明确的学习者量身定做的。它最大的亮点在于其“速成”的理念被贯彻到了每一个细节。比如，书中关于“远山处理”的章节，没有过多讨论历代名家的远山画法差异，而是直接给出了一个“层次淡化公式”：用清水稀释一倍的墨汁，在半干的状态下用侧锋快速扫过，再用清水轻点。这个公式化的操作指南，让我可以在短时间内掌握远景的概括能力。更让人惊喜的是，书中还附带了一个“创作示范小品集”，这些小品图例短小精悍，主题明确（比如“溪边独松”、“秋林远眺”），每幅图后面都标注了作者使用的核心笔法。这使得我可以快速地进行“模仿创作”，而不是停留在机械的临摹阶段，极大地增强了我的实战信心和成就感。

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这本书的编排逻辑，体现出一种对传统学习路径的深刻理解和创新。它没有按照传统的“花鸟、山水、人物”分类，而是直接以“景物构建”为核心进行教学。第一部分是“树石基础”，第二部分是“山体骨架”，第三部分才是“水气云雾”。这种由近及远、由实到虚的结构，非常符合人对自然景象的观察习惯。我印象特别深的是关于“云雾画法”的一章，作者没有用复杂的留白技巧，而是提供了一种非常巧妙的“擦拭法”来表现空气感。他详细说明了在墨迹未干时，用干燥的羊毫笔尖轻轻掠过纸面，产生的朦胧效果，简直是醍醐灌顶。此外，书中还穿插了一些“常见错误纠正”的小贴士，比如“画石忌讳一笔到底”、“画树忌讳形态雷同”等等，这些都是我在自己摸索时踩过的坑，作者用短短几行字就帮我找到了改进的方向，这比我自己对着镜子反复研究要高效得多。这种前瞻性的指导，让学习过程少走了许多弯路。

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