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出版者:浙江摄影出版社

作者:汤德伟著

出品人:

页数:139

译者:

出版时间:1998-10

价格:14.5

装帧:平装

isbn号码:9787805365046

丛书系列:

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摄影入门与器材选购指南：开启你的光影之旅 （副标题：从基础理论到实践运用，全面解析数码与胶片摄影的奥秘） --- 第一部分：摄影的基石——光影的语言与基础理论 第一章：认识光——摄影的灵魂 光，是摄影艺术的基石，是捕捉瞬间的媒介。本章将深入浅出地剖析光的本质及其在摄影中的作用。我们将探讨自然光（如日光、月光、阴天光）与人工光（如闪光灯、LED灯）的特性差异，理解光线的方向性（顺光、侧光、逆光）如何影响画面的立体感和氛围营造。重点解析光质（硬光与柔光）的区别，并提供在不同光照条件下，如何通过调整拍摄角度和时间来最大化光线美感的实用技巧。 第二章：曝光铁三角的精妙平衡 曝光是决定照片明暗的关键。本章将详细介绍“曝光铁三角”——光圈、快门速度和感光度（ISO）之间的复杂而和谐的关系。 光圈的魔力： 不仅控制进光量，更是景深（Depth of Field）的决定者。我们将讲解大光圈（浅景深，虚化背景）与小光圈（大景深，强调整体清晰度）的应用场景，并介绍“F值”的实际意义。 快门的速度艺术： 决定了时间的凝固与流动。学习如何利用高速快门定格飞溅的水花，或通过低速快门创造丝绸般的水流效果（慢门）和光轨。同时，解析快门速度对运动模糊的影响。 ISO的敏感度： 探讨感光度如何影响传感器对光的反应，以及在弱光环境下如何权衡提高ISO带来的噪点（颗粒感）问题。 第三章：镜头下的世界——焦距与视角 镜头是眼睛与现实的连接器。本章聚焦于焦距的选择及其对透视关系和画面构图的影响。从广角镜头（赋予开阔感和空间夸张）到标准镜头（最接近人眼视角），再到长焦镜头（压缩空间和远摄能力）的特性进行细致区分。讲解什么是“等效焦距”，以及如何根据拍摄主体选择最合适的镜头，避免不必要的画面畸变。 第四章：聚焦的精准——对焦系统的掌握 清晰的影像源于准确的对焦。本章将介绍自动对焦（AF）系统的不同模式，如单次对焦（AF-S）、连续对焦（AF-C）和自动选择对焦（AF-A），以及它们在拍摄静物、人像和运动物体时的适用性。同时，深入探讨手动对焦（MF）的精确调整技巧，特别是对于微距摄影和极浅景深场景的重要性。 --- 第二部分：数码摄影的实践进阶 第五章：从自动到专业——曝光模式的灵活运用 掌握相机的不同曝光模式，是摄影师从爱好者迈向专业的第一步。本章详尽解析程序自动曝光（P）、光圈优先（A/Av）、快门优先（S/Tv）和手动曝光（M）模式的适用情境。重点在于教会读者如何在“M”模式下，结合测光表（或机内测光）进行精准曝光的计算与设定，实现完全的创作自由。 第六章：色彩的魔法——白平衡与色彩空间 色彩是情感的载体。本章详述白平衡（WB）在消除色偏、还原真实色彩中的核心作用。从预设的白炽灯、日光到自定义白平衡的设置方法，一一为你揭晓。此外，深入探讨色彩空间（sRGB与Adobe RGB）的选择，理解它们对后期处理范围的影响。 第七章：掌握RAW格式——无限的后期潜力 为什么专业摄影师钟爱RAW文件？本章将解释RAW格式与JPEG格式的本质区别，强调RAW文件作为“数字底片”所蕴含的巨大后期调整空间。我们将概述后期处理流程中的基础步骤：曝光修正、白平衡微调、降噪处理以及色彩空间转换。 第八章：用构图讲述故事 技术是工具，构图是艺术。本章提供一套完整且实用的构图法则，帮助你的照片脱颖而出。内容包括经典的三分法、引导线、框架构图、对称与平衡、前景的使用、视觉重量的分配等。同时，探讨如何打破常规，利用负空间和极简主义来提升画面的冲击力。 --- 第三部分：不同题材的拍摄秘籍 第九章：生动的人像摄影 人像是最能体现情感的题材。本章着重于人像的布光技巧（伦勃朗光、蝴蝶光等），眼神的捕捉，以及如何通过环境和姿势引导模特的自然表现。解析不同焦段（如85mm定焦）在人像中的优势，并提供处理肤色和背景虚化的后期思路。 第十章：捕捉动态——运动与野生动物摄影 运动题材要求极高的反应速度和对焦追踪能力。本章讲解高速连拍、预测性对焦点的选择，以及如何设置恰当的快门速度来冻结或展现运动感。对于野生动物摄影，则侧重于长焦镜头的运用、隐蔽性原则以及适应复杂自然光线的曝光策略。 第十一章：微观世界的奇妙——风景与建筑摄影 风景摄影强调宏大叙事和细节展现。本章探讨如何利用前景增加层次感，如何在高反差环境下使用渐变灰滤镜（GND）平衡天空与地面的曝光，以及利用后期合成技术（曝光包围/包围曝光）来处理超大动态范围的场景。建筑摄影部分则聚焦于校正垂直线、利用线条引导视线。 第十二章：创意与实验——夜景与特殊效果 夜景是展现光影魅力的绝佳舞台。本章教授长时间曝光的技巧，如何拍摄清晰的星空、车流光轨和城市夜景的全景。同时，介绍如多次曝光、移轴镜头效果（Tilt-Shift）的模拟以及其他富有实验性的摄影技术。 --- 第四部分：影像的后期与管理 第十三章：数字暗房的流程管理 一个高效的后期流程是专业化的体现。本章指导读者建立科学的影像文件管理系统（命名规则、备份策略）。介绍如何导入、筛选和分类照片，确保珍贵素材的安全。 第十四章：基础图像处理软件精通 本章不侧重于某一特定软件的深入教学，而是系统地梳理所有主流图像编辑软件中通用且核心的处理模块，包括：非破坏性编辑的概念、曲线工具的深度应用（替代色阶）、蒙版与局部调整、锐化与降噪的技术要点，以及如何为不同输出媒介（打印或网络展示）进行最终的色彩和尺寸优化。 结语：持续学习与镜头外的风景 摄影是一门永无止境的学问。最后，本书鼓励读者走出“设置迷宫”，将注意力回归到你所观察的世界本身。真正的摄影大师不仅是器材的专家，更是生活的观察者和情感的记录者。保持好奇心，不断实践，才能真正释放你手中相机的全部潜力。

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这部摄影教材的封面设计着实抓人眼球，那种复古的色调和略带磨损的质感，一下子就把你拉回了那个胶片机尚是主流的时代。我原本以为这会是一本讲求技术规格的书，但翻开后发现，它的核心似乎更偏向于“如何用一台工具去讲述一个故事”。作者在引言部分花了大量的篇幅去探讨光影的哲学，而非仅仅罗列快门速度和光圈的数值。比如，有一章专门讨论了“阴影作为叙事元素”的重要性，配图都是些充满戏剧张力的黑白照片，我学到了如何通过控制画面的暗部来引导读者的视线，这对于我这种习惯了数码时代“亮才是美”观念的摄影爱好者来说，简直是醍醐灌顶。书中对早期镜头光学特性的描述也极其细致，虽然我们现在有了各种修正算法，但了解早期镜头那种独特的“德味”或“德式锐利”，对理解现代成像风格的演变大有裨益。最让我惊喜的是，它没有回避早期相机在操作上的不便性，反而将其视为一种创作约束，教导我们如何在这种约束下激发灵感，而不是抱怨设备不够智能。整本书的排版非常典雅，文字间留白得当，读起来毫不费力，更像是在品读一位老前辈的经验分享，而非一份冰冷的说明书。

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我之所以毫不犹豫地推荐给所有对摄影历史感兴趣的朋友，是因为这本书成功地超越了特定器材的限制，构建了一套普适的视觉语言体系。它用非常学术化的语言结构，但却以非常平易近人的方式，阐述了摄影构图的几何学基础。其中关于“视线引导线”的解析部分，引用了大量的建筑学和绘画理论，让我明白了为什么某些画面就是能让人一看再看。作者在讨论“景深控制”时，没有直接给出超焦距计算公式，而是提供了一个基于特定光圈值下的“可接受清晰度范围”图表，这个经验数据比死记硬背公式实用得多，更符合实战需求。更难得的是，书中对“等待决定性瞬间”的阐述，不仅仅是抓拍技巧，更是一种关于耐心和生命体验的哲学探讨。他认为，只有当你完全忘记了你在操作一台复杂的机械时，你才能真正融入场景，捕捉到被时间遗忘的瞬间。这本书的价值，在于它把冰冷的机械，重新赋予了温度和人性，让人心生敬畏。

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这本书的装帧质量和纸张选择堪称业界典范，拿在手里沉甸甸的，纸张的细腻度很好地衬托了书中印刷的那些经典范例。我特别欣赏作者在探讨“人像摄影”这一章节时的克制与尊重。他没有鼓吹如何用技术手段去“美化”被摄对象，而是深入探讨了如何通过选择合适的取景框比例和距离感，来捕捉人物最真实、最放松的状态。他强调机械操作的安静和沉稳，是建立与模特之间信任的关键。书中有一段关于如何在阴雨天利用反光板进行“柔光补光”的描述，详细到连反光板的材质选择——磨砂面还是光滑面——都会对最终肤色质感产生的影响都做了对比说明。这表明作者对器材的理解已经深入到了材料层面。我尝试按照书中的建议，在一片灰蒙蒙的天空下进行拍摄练习，结果发现，虽然光线条件恶劣，但通过精确控制测光点的选择，画面主体依然能透出一种内敛而有力量的质感。这本书的价值在于，它教你如何与你的相机“对话”，而不是让相机“替你完成工作”。

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我入手这本摄影指南纯粹是出于对经典器材的好奇心，想看看那个“黄金年代”的摄影师们是如何在资源有限的情况下，捕捉到那些流传至今的经典瞬间。这本书的叙事方式极其口语化，读起来完全没有技术手册的枯燥感。作者似乎在用一种“邻家大叔”的语气，手把手地教你如何与你手中的机械设备建立起一种默契。他用了很多生活化的比喻来解释复杂的机械原理，比如将测距联动机构比作老式钟表的齿轮传动，生动形象。尤其是在讲解曝光三角时，他没有直接给出公式，而是通过讲述几次失败的拍摄经历，让我们体会到为什么在特定光线下必须做出某种取舍。书中穿插着大量手绘的草图，这些草图清晰地标示了取景框的视野范围、景深尺的刻度指示，这些细节在如今的数码屏幕上几乎是看不到了，但在胶片时代却是至关重要的“心理预期”。我甚至开始怀念那种按下快门前，需要在大脑中完成一系列复杂计算和预判的过程，这本书成功地将这种“仪式感”重新带回了我的体验中。它让我意识到，摄影不只是按下按钮，而是一种深思熟虑的决策过程。

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老实说，我最初对这本书的期望是能找到一些关于早期胶片冲洗和暗房处理的详尽步骤，毕竟这是那套器材无法绕开的一环。结果，这本书在这方面的着墨比我想象的要少得多，它似乎将重心放在了“前期构图与预设”上。但这种“不全面”反而带来了更深层次的启发。作者将大量的篇幅用于探讨如何通过相机本身固有的局限性来强化主题。例如，针对固定焦距镜头带来的视角限制，他提供了一套完整的“移动与观察”的训练法，鼓励读者通过脚步来代替变焦，这极大地锻炼了我的空间感知能力。书中有一章专门分析了不同品牌机械快门的声音差异，并将其与创作时的心理状态联系起来，这个角度非常新颖，让我开始关注声音环境对现场判断的影响。此外，作者对于“画质”的理解也十分独特，他认为早期镜头的轻微色差和非线性失真，在特定的主题下，恰恰是增添画面层次感的“缺陷美”，这颠覆了我对“清晰即真理”的传统认知。这本书更像是一本关于摄影心法的武功秘籍，而不是招式大全。

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