中央音乐学院海内外长号（全2册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民音乐出版社

作者:胡炳余

出品人:

页数:378

译者:

出版时间:1999-11

价格:88.60元

装帧:

isbn号码:9787103020524

丛书系列:

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好的，这是一份关于其他图书的详细介绍，内容不涉及《中央音乐学院海内外长号（全2册）》。 --- 《19世纪法国音乐的兴衰：从浪漫主义到印象主义的转型》 内容概要 本书深入剖析了19世纪法国音乐从巴洛克遗风向浪漫主义鼎盛，再过渡到印象主义曙光的复杂历程。这一时期，法国音乐不仅在创作手法上经历了深刻的变革，更在社会文化背景下，不断寻求民族身份与国际影响力的平衡。全书以时间为轴，以流派和代表人物为节点，描绘了一幅波澜壮阔的音乐史画卷。 第一部分：浪漫主义的早期探索与确立（约1800-1840年代） 本部分聚焦于法国大革命后，音乐界对新情感表达和个人主义的追求。这一时期的作曲家们，如贝尔利奥兹（Hector Berlioz），开始挑战古典主义的结构规范，以标题音乐和宏大的管弦乐队配器来表达强烈的个人情感和文学主题。 1. 贝尔利奥兹与交响诗的奠基： 重点分析了《幻想交响曲》的创作背景、结构创新及其对后世音乐叙事手法的深远影响。探讨了其配器方法的革命性，尤其是对音色和和声色彩的极端探索，如何打破了传统交响乐的框架。 2. 歌剧的黄金时代： 19世纪上半叶，法国大歌剧（Grand Opéra）占据主导地位。我们详细考察了梅耶贝尔（Giacomo Meyerbeer）的作品，分析其如何融合宏伟的场面、复杂的舞台设计和强烈的戏剧冲突，成为欧洲歌剧界的标杆。同时，也讨论了对大歌剧模式的反思和抵抗，如米歇尔·卡雷（Michel Carré）的“通俗歌剧”概念的萌芽。 3. 民族主义的初步尝试： 虽然当时浪漫主义思潮席卷欧洲，但法国作曲家已开始关注本土素材。本节梳理了早期的民族主义倾向，如何通过对民间旋律和法国历史题材的运用，为后续的民族乐派奠定基础。 第二部分：中期的多元发展与对德奥传统的借鉴（约1850-1870年代） 进入19世纪下半叶，法国音乐面临着一个关键的抉择：是继续保持其在歌剧领域的优势地位，还是向正在蓬勃发展的德奥晚期浪漫主义学习？ 1. 威尔第在巴黎的影响： 尽管是意大利作曲家，威尔第的作品在巴黎的成功深刻影响了法国作曲家的创作思路，尤其是在人物刻画和戏剧张力方面。本书分析了威尔第作品在巴黎的演出历史，以及其对法国本土剧作家和作曲家的启发。 2. 抒情歌剧（Opéra Comique）的成熟： 这一时期，抒情歌剧以其更为精致的结构和对日常生活情感的细腻描摹而受到青睐。古诺（Charles Gounod）和托马斯（Ambroise Thomas）的作品成为代表，尤其是对歌词与音乐结合的精妙处理，展现了法国音乐注重清晰和优雅的传统。 3. 管风琴音乐的复兴： 随着圣塞文教堂（Saint-Savin）等重要管风琴的修复与新建，管风琴音乐进入了一个新的发展阶段。布瓦皮耶（Théodore Dubois）和弗兰克（César Franck）等人的作品，开始融合巴赫的对位法与浪漫主义的和声语言，为后来的管风琴大师铺平了道路。 第三部分：民族乐派的觉醒与印象主义的先声（约1870年代末-1900年） 本部分是全书的重点，探讨了在普法战争失败的阴影下，法国音乐界如何通过“国民音乐学会”（Société Nationale de Musique）等组织，积极寻求摆脱德奥音乐主导地位的努力，并最终催生了印象主义。 1. 弗兰克学派与新室内乐的崛起： 塞萨尔·弗兰克，作为重要的过渡人物，其采用的循环结构和丰富而复杂的和声，为后来的拉威尔和德彪西提供了重要的技法基础。本书详细分析了弗兰克室内乐作品的创新性，特别是对传统奏鸣曲式的解构与重塑。 2. 俄罗斯五人组的启发： 俄罗斯民族乐派对法国作曲家的影响至关重要。他们对民间音乐的运用和对异域色彩的偏爱，激发了法国作曲家去探索本国的田园风光和民间传说。 3. 德彪西与“色彩音乐”的萌芽： 印象主义的诞生并非一蹴而就。德彪西早期作品，如对莫扎特、舒曼的吸收，以及对法国象征主义诗歌的关注，都预示着他将用音乐描绘“印象”而非“叙事”。本章分析了德彪西如何运用五声音阶、全音阶以及非传统的和声进行，来模糊传统调性，创造出前所未有的听觉体验。我们探讨了《佩利亚斯与梅丽桑德》的创作过程，它是对德式瓦格纳主义的有力回应和超越。 结论：迈向二十世纪的开端 本书最后总结了19世纪法国音乐如何成功地完成了从古典主义的清晰结构到浪漫主义的激情表达，再到印象主义对瞬间光影捕捉的飞跃。法国音乐在保持其对清晰的旋律线条和精致配器的偏爱之余，成功地吸收了外来影响，最终以其独特的“色彩美学”在20世纪初的世界音乐舞台上占据了核心地位。 特点与价值 本书不仅是一部音乐史著作，更是一部文化研究。它将音乐创作置于第三共和国的社会政治背景之下，探讨了沙龙文化、剧院政治以及艺术评论家对音乐流派兴衰的作用。对于研究欧洲音乐史、法国文化史以及希望深入理解印象主义音乐技法的学习者和演奏家而言，本书提供了独到而深入的见解。本书的注释详尽，配有大量乐谱示例分析，确保了学术的严谨性。

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翻阅这套两册的长号教材时，我产生了一种强烈的“系统性重建”的冲动。很多时候，我们在学习过程中会遇到瓶颈，往往是因为基础知识点没有被彻底打通，或者不同知识点之间的联系没有建立起来。而这套书的结构设计，似乎就是在试图解决这个问题。它不仅仅是技巧的堆砌，更像是一套精心设计的学习路线图。例如，在处理一些快速音群时，它会回溯到对手指肌肉记忆和气息支撑的细节要求，这种前后呼应的编排方式，让人在学习新内容的同时，也得以温习和巩固旧知识。对于我这种已经有一定基础，但总感觉“上不去”的演奏者来说，这种自上而下、层层递进的逻辑架构尤为重要。它迫使我重新审视自己长期以来习以为常的练习习惯，并尝试用更科学、更集中的方式去突破那些固有的难点。这种回顾与前瞻相结合的编排，体现了编者对长号学习规律的深刻理解。

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初次接触这套“中央音乐学院海内外长号”的资料，我的第一印象是其选材的广泛性和兼容性。作为一名长号爱好者，我深知在这个领域里，不同流派和不同地域的教学方法往往存在微妙的差异。一个优秀的教程，理应能够吸收并整合这些优势。我特别留意了其中对不同时期、不同风格的音乐作品的演绎建议，比如巴洛克时期的复调作品和浪漫主义时期协奏曲的处理方式，是否能提供出既尊重原作风格又符合现代演奏技术要求的指导。从泛读的内容来看，编者似乎在努力搭建一座连接理论与实践的桥梁，不仅仅停留在“怎么吹响”的层面，更深入到了“如何有音乐性地表达”的境界。我尤其欣赏那些对演奏家个人经验的引用，这种“内行人说内行话”的实在感，是纯粹的理论书籍难以比拟的。总而言之，这套书展现了一种海纳百川的胸襟，试图为学习者提供一个更为全面的视野，这在单一倾向的教材中是比较少见的。

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如果用一个词来形容这套“中央音乐学院海内外长号”给我的整体感受，那便是“厚重感”——不仅是物理上的厚度，更是知识沉淀的厚度。它给我的感觉是，它不仅仅是一本“教你如何吹长号”的书，更是一部“理解长号艺术”的百科全书。它似乎在潜移默化中引导读者去思考：作为一名长号演奏者，我们应该具备怎样的音乐素养？我们应该如何看待这件乐器在不同音乐语境中的角色？从技巧的机械训练到音乐的哲学思考，这种跨越式的引导，让阅读体验远超出了单纯的“练习册”范畴。对于渴望在专业道路上走得更远的人而言，拥有这样一套能够不断激发思考、并提供扎实技术支撑的资料，无疑是极大的助力。它更像是一位循循善诱的良师，在你迷茫时指明方向，在你懈怠时鞭策前行。

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这套号称收录了中央音乐学院海内外长号教学精华的资料，光是书名就让人充满了期待。拿到手里，首先映入眼帘的是扎实的装帧和清晰的排版，看得出出版方在制作上还是下了功夫的。我个人是抱着学习和参考的态度来翻阅的，毕竟中央音乐学院在管乐教育界的地位毋庸置疑，它所倡导和推行的教学理念和技术标准，无疑是行业内的风向标。我特别关注了其中关于基础音阶和琶音的练习部分，希望能从中找到更系统、更科学的训练路径。从初步的浏览来看，似乎对初学者的入门指引和中高级演奏者的技术深化都有所侧重，内容量相当可观，这对于需要长期钻研的铜管乐器学习者来说，无疑是一座宝库。我计划先从音准和气息控制的章节入手，对比一下我目前使用的教材，看看能否从中获得一些新的启发，尤其是在处理高难度乐句时的技巧解析，是我非常期待能深入了解的部分。这本书的厚度已经说明了其内容的广度和深度，绝对不是那种走马观花的浅尝辄止的入门读物。

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坦率地说，当我看到“海内外”这几个字时，我其实有些担忧，担心内容会过于学术化或过于偏重某一方面。然而，实际阅读下来，这种担忧被逐渐打消了。它似乎非常注重实际操作中的“手感”和“听感”的统一。比如在关于弱奏和音色的控制章节，书中并没有给出过于抽象的描述，而是配以大量的图示和口型建议，这对于通过视频学习或自学的人来说，简直是福音。我发现它对于不同强弱力度下，气流速度和唇部张力的细微调整有着极其精妙的阐述，这正是我在日常练习中常常感到模糊的地方。这种细节的捕捉能力，非常符合一个顶尖音乐学府对“完美音准和音色”的执着追求。它让我意识到，很多时候我们以为是天赋决定的东西，其实都可以通过精确的、可重复的训练方法来实现。这套书在技术细节上的“不妥协”，是它最大的价值所在。

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