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出版者:第1版 (2003年4月1日)

作者:毛国伦

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-4

价格:12.0

装帧:平装

isbn号码:9787806850916

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瀚海撷珠：当代中国画坛的探索与革新 图书名称：瀚海撷珠：当代中国画坛的探索与革新 作者：李墨轩 出版社：文心雅集出版社 出版年份：2024年 --- 图书简介 《瀚海撷珠：当代中国画坛的探索与革新》并非聚焦于某一位艺术家的个人创作，而是以宏大的视角，系统梳理了自二十世纪末至今，中国画领域在思想观念、笔墨语言、题材内容以及媒材运用上所经历的深刻变革与不懈探索。本书旨在为读者提供一幅清晰的时代画卷，展现当代中国画家们如何在坚守民族艺术精神内核的同时，勇敢地迎接全球化、多元文化的冲击与融合，实现中国画“由古至今，由内而外”的全新蜕变。 全书共分五大部分，近三十万字，辅以近两百幅精选高清图版，力求从理论建构与实例分析相结合的维度，深度剖析当代中国画“新格局”的形成过程。 第一部分：时代的回响——观念的解放与语境的重塑（约40000字） 本部分聚焦于观念层面，探讨了当代中国画发展所依赖的社会文化土壤。我们不再将中国画视为一个静止的艺术范畴，而是将其置于当代社会结构、全球艺术思潮以及传统文化复兴的复杂交织之中进行考察。 一、全球化视野下的主体性重建： 深入分析了“艺术全球化”对中国画理论体系带来的冲击。面对西方现当代艺术的强势话语权，中国画家如何避免沦为西方艺术史的附属品，而是积极参与到全球艺术对话中，确立自身独特的文化身份和表达的主体性。重点考察了“文化自信”在艺术实践中的体现，即如何在吸收外来优秀成果的基础上，保持对本土文化基因的忠诚与创新。 二、从“笔墨本体”到“视觉经验”： 传统中国画理论长期围绕“笔墨”这一核心展开。本书阐释了在当代，随着观看方式的改变和新媒介的影响，艺术家的关注点如何从纯粹的笔墨技法转向更广泛的“视觉经验”。这包括对空间、色彩、光影、肌理的重新认识，以及对非传统材料和工艺的引入，从而拓展了中国画的边界。 三、经典重读与陌生化处理： 探讨了当代艺术家如何面对浩如烟海的古代经典。他们不再是单纯的模仿者或继承者，而是以批判性的眼光重新审视古代范式，进行“陌生化”的转译。例如，对宋元山水画的结构逻辑进行解构重组，或将文人画的写意精神注入到对当代都市景观的描绘中，使古老语言焕发出新的生命力。 第二部分：笔墨的实验场——语言的拓展与边界的消融（约60000字） 本部分深入笔墨的物质层面，展示了当代中国画家在“一枝笔、一方砚”上所做的精微实验。这里的核心议题在于“传统笔墨如何承载现代情感与观念”。 一、水墨语言的“多声部”发展： 分析了当代水墨不再是单一的墨分五色的体系。出现了大写意意象的极致张扬、工笔重彩的数码介入、白描的极简主义表达等多种风格并存的局面。特别关注了“淡墨”与“晕染”技法在表达空气感、空间纵深及心理状态方面的创新应用。 二、线条的“结构性”回归与“情绪化”释放： 探讨了当代艺术家对线条的重新定义。一些画家将线条视为支撑画面的建筑骨架，追求结构的力量感；而另一些则将线条视为心绪流淌的痕迹，运用飞白、焦墨、湿墨的交替，实现强烈的抒情效果。书中对“皴法”的变异进行了详细的图例分析，展示了如“斧劈皴”如何被抽象化的肌理替代。 三、媒材的跨界融合： 这是一个重要的板块。本书详尽记录了当代中国画对非传统材料的拥抱，如引入丙烯、树脂、沙土、金属箔片等，以增强作品的物质感和雕塑感。这种融合并非简单的拼贴，而是力求使新材料与传统宣纸、绢的兼容性达到新的平衡，创造出“半抽象”或“新水墨雕塑”的形态。 第三部分：题材的拓荒——现实关照与内在的风景（约70000字） 题材是艺术与世界对话的直接窗口。当代中国画在题材选择上，表现出前所未有的广度和深度，彻底摆脱了对传统“高雅”题材的固守。 一、都市山水与“人造景观”的诗学： 批判性地审视了快速城市化对人与自然关系的影响。大量画家转向描绘高架桥、摩天大楼、钢筋水泥的丛林，试图在这些“人造山水”中寻找现代人的精神栖居地。这些作品往往融合了传统山水的意境（如云雾缭绕、高远深邃）与现代工业的冰冷质感。 二、具象人物画的“在场性”表达： 人物画方面，当代艺术家不再满足于历史题材或传统肖像。他们关注当下社会中的普通人——工人、农民、街头艺人，以及自身的日常状态。这些作品通过对光影、细节和人物眼神的精准捕捉，实现了极强的“在场感”和人道主义关怀。对人体这一传统敏感题材，也出现了更坦诚、更具雕塑感的探索。 三、观念性与象征性的静物与花鸟： 传统花鸟画的写生传统被赋予了强烈的个人符号系统。例如，将单一的植物（如枯枝、莲蓬）作为个体生存状态的象征；或利用极端的近景特写和夸张的色调，探讨生命、腐朽与循环的哲学命题。 第四部分：区域差异与学派的新生（约50000字） 中国画的发展并非铁板一块，不同地域的文化积淀和艺术院校的学术取向，塑造了多元化的发展路径。 一、学院派的严谨与创新： 分析了各大美术学院在人才培养中如何平衡传统训练与当代观念的植入。学院派通常在基础功上更为扎实，其创新往往表现为对经典范式的结构性重构和对大型展览尺度的挑战。 二、民间力量的原始张力： 考察了非主流艺术群体和独立工作室对中国画的“去精英化”贡献。这些群体更少受制于学院理论的束缚，其作品往往更具原始的生命力和情感的直抒胸臆，对笔墨的自由度提出了更高的要求。 三、地域文化对绘画语汇的影响： 细致比较了受岭南画派影响的地域、受巴蜀文化滋养的地域，以及新兴的北方实验水墨群体的不同语言倾向。例如，某些地区对色彩的运用更趋于大胆和热烈，而另一些地区则固守水墨的黑白世界，但在墨色的层次上做到了极致的精微。 第五部分：未来之势——数字化时代的挑战与机遇（约40000字） 本书的收尾部分着眼于未来，探讨了数字技术对中国画的渗透与影响，以及中国画在当代艺术生态中的长期价值。 一、从平面到互动的可能性： 探讨了中国画的二维空间如何与数字动画、虚拟现实（VR）技术结合。部分前卫艺术家尝试使用数字工具进行水墨的初始创作，或将传统画作进行数字化“激活”，使其具备动态的叙事性。 二、档案整理与学术规范的建立： 随着当代艺术的爆发式增长，建立一个清晰、规范的当代中国画史梳理体系至关重要。本书的研究方法论，也意在为后续的艺术史家提供一套可供参考的分析框架。 三、中国画的“永恒价值”： 总结而言，当代中国画的探索并非要“抛弃传统”，而是要证明其语言的普适性和生命力。它所蕴含的“天人合一”的哲学观、“气韵生动”的审美追求，以及独特的东方“留白”智慧，是其在未来艺术殿堂中不可替代的独特贡献。 --- 《瀚海撷珠》 适合艺术史研究者、美术院校师生、资深艺术收藏家，以及所有对中国当代文化发展抱有深切兴趣的读者。它不仅是一部学术著作，更是一次对中国精神如何在时代洪流中坚持自我、不断创新的深刻致敬。通过本书，读者将能全面把握当代中国画坛的脉搏、血肉与未来走向。

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坦白说，我对于当代人物画的理解一直停留在比较传统的框架内，但这本集子彻底颠覆了我的认知。它展示了一种极其现代且锐利的观察视角，作者似乎对人性的复杂有着近乎苛刻的洞察力。画面构图大胆而富有张力，常常采用极端的景深或者非常规的裁剪方式，将观众直接抛入到情境之中，而不是仅仅作为一个旁观者。那些面部表情的细节处理，达到了令人咋舌的程度，嘴角的一丝不易察觉的抽动，眼角的细微纹理，都被放大并赋予了叙事性。我注意到一个非常有趣的现象，就是画家似乎特别偏爱描绘人物在“过渡状态”下的情绪——比如刚从沉思中抽离，或正要开口说话的那个瞬间，这种不确定性反而赋予了作品极强的生命力。如果说传统人物画追求的是“定格的美”，那么这里的作品追求的则是“流动中的真实”。对于那些对当代艺术思潮有兴趣的读者来说，这绝对是极具启发性的一本参考资料，它有力地证明了人物画在当下语境下依然拥有无限的可能性和强大的表达能力。

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这本画集，初翻时便被那股扑面而来的生命力所吸引。我尤其钟情于那些对瞬间动态的捕捉，像是时间被按下了慢放键，让观者得以细细品味人物神态中的微妙变化。画家对于光影的处理，简直达到了出神入化的地步，每一束光都仿佛带着自身的重量和温度，巧妙地勾勒出人物的轮廓，使其从平面中跃然而出，充满了三维的立体感。特别是那些老年人物的肖像，眼神里饱含着岁月的沉淀与智慧，没有刻意的美化，却让人感受到了超越表象的、直抵灵魂深处的震撼。笔触的运用也极为考究，时而如行云流水般一气呵成，时而又如同雕刻般精细入微，这种刚柔并济的技法，使得画面既有写意的洒脱，又不失工笔的严谨。观罢，总觉得呼吸都变得沉静了一些，仿佛刚刚经历了一场深刻的内心对话，对“人”这个主题有了更深一层的理解。这不仅仅是几幅画的简单集合，更像是一部无声的、充满哲思的视觉小说。

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这本画册给我的最大感受是其强烈的地域性与文化气息的交织。虽然主题集中于人物肖像，但画作中弥漫着一种独特的气场，让人联想到特定的文化背景和社会环境。我观察到，人物的服饰、肢体语言，乃至他们所处的空间背景，都暗示着一种根植于本土的叙事。它不是那种试图迎合国际审美而变得面目模糊的作品，而是非常自信和骄傲地展示着其文化身份。其中几幅集体创作的场景尤其引人入胜，人物之间的互动关系描绘得极其微妙且真实，有疏离感，也有默契感，仿佛能听见他们之间无声的交流。这本书在某种程度上，成了一种非官方的“民族志”速写，用艺术的语言记录了特定人群的精神面貌和社会状态。对于希望通过艺术来了解特定地域文化深度和时代精神的人而言，这本画集提供的视觉信息量是极其丰富的，比枯燥的文字描述来得更为直接和有力。

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翻阅这本书籍时，我的感受更偏向于一种对“材料与媒介”的惊叹。画家似乎不满足于单一的表达方式，而是大胆地尝试了多种肌理的融合。有些作品看起来像是油画的厚重感，颜料层层堆叠，形成了接近浮雕的质感，光照之下，颜料的光泽变化极具戏剧性。而另一些则轻盈得像是水墨晕染开来的效果，墨色在纸面上自由流淌，留下了许多自然的“意外之美”。这种对材料特性的深刻理解和熟练运用，使得每一幅画都具有了独特的触感和氛围。特别是背景的处理，常常是极简的色块或完全留白，目的性极强，就是为了将所有的视觉焦点都引导到人物的躯干和面部。这不仅考验了画家的造型能力，更考验了他们对“减法”的艺术的掌握程度。我甚至能想象到画家在创作时的那种专注和近乎偏执的打磨过程，这种对工艺的尊重，使得整本画集散发出一种匠人般的光辉。

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从纯粹的审美角度来看，这本画集展现了一种难得的“内在节奏感”。它并不是靠强烈的色彩对比或夸张的形态来抓人眼球，而是依靠一种潜移默化的韵律感来吸引和锁定观众的注意力。每幅画的内部结构都经过了精心的布局，人物的姿态、线条的走向、色彩块的分布，都形成了一种和谐的循环，引导着观看者的视线在画面中自然游走，体验一种沉静而富有张力的美学体验。欣赏这些作品时，我发现自己不需要费力去“理解”它在讲什么宏大的故事，而是可以单纯地沉浸在那种纯粹的视觉享受之中。这是一种非常高级的艺术境界，即作品本身成为了一个自我完备的、可以独立呼吸的审美实体。这种对“美本身”的执着追求，在当前这个充斥着信息爆炸和概念先行作品的时代，显得尤为珍贵和稀有。它要求观者放慢脚步，用心去感受线条的流动和色彩的共振，带来一种久违的精神上的富足感。

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