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出版者:第1版 (1996年9月1日)

作者:刘东升等编

出品人:

页数:186

译者:

出版时间:1996-9

价格:380.0

装帧:精装

isbn号码:9787103002766

丛书系列:

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敦煌壁画中的音乐与乐器：跨越千年的丝路和声 本书聚焦于敦煌莫高窟壁画中所描绘的音乐场景和乐器形制，通过对大量珍贵壁画图像的细致考察与解读，系统梳理了自公元4世纪至14世纪，敦煌地区音乐文化的演变轨迹与多元融合的面貌。 本书并非一部宏观的中国音乐通史，而是以敦煌这一特殊的历史地理交汇点为切入口，深入剖析了丝绸之路上不同文明对中原音乐形态产生的深刻影响。我们旨在通过图像学和考古学的方法，为研究魏晋隋唐至宋元时期的俗乐、法乐乃至宫廷燕乐提供直观的视觉证据。 第一部分：壁画中的乐舞场景与社会文化背景 敦煌石窟的开凿与兴盛，与古代丝绸之路的繁荣息息相关。本部分首先考察了供养人、飞天以及经变故事中描绘的宴饮、庆典、礼佛等场景，这些场景是音乐发生和传播的直接载体。 宗教仪轨与梵乐的传入： 佛教的传入带来了新的音乐形式——梵呗（或称“唱导”）。我们详细分析了描绘佛事、经变（如弥勒经变、法华经变）中的乐伎形象，这些图像往往手持印度传入的乐器，如筚篥、羯鼓（或称“鞉鼓”）等。通过比对同时期出土的文物和文献记载，我们辨识出早期梵乐在敦煌的本土化过程。特别探讨了“俗乐化”的趋势，即原本服务于宗教仪式（法乐）的音乐，如何逐渐融入世俗的审美体系。 世俗宴饮与燕乐的流行： 盛唐时期，敦煌作为河西走廊的重镇，其世俗生活极为丰富。壁画中大量描绘了贵族府邸、寺院斋宴中的乐舞表演。这些场景提供了研究唐代“燕乐”的重要视觉材料。我们细致辨识了参与演奏的乐伎数量、服饰特征，以及他们所处的空间布局，以此还原唐代乐舞的组合模式（如“部曲制”的影子）。 飞天与天乐的想象： 敦煌飞天形象的演变，也是音乐审美变迁的缩影。从早期飞天相对保守的持乐姿态，到盛唐时期舒展、动态的“反弹琵琶”形象，体现了对音乐动态美和律动感的极致追求。本书特别梳理了不同历史时期飞天所持乐器的变化，揭示了天人合一的音乐想象如何服务于宗教教义的传播。 第二部分：乐器形制与技术演变研究 本书的核心工作在于对壁画中乐器进行精确的类型学划分和结构解析。壁画中的乐器往往是二维平面化的，辨识难度较大，需要结合同时期的三维实物（如新疆、中原出土乐器）和文献记载进行交叉验证。 弹拨乐器群的谱系： 琵琶是敦煌壁画中出镜率最高的弹拨乐器之一。我们区分了横抱的曲项琵琶（中亚风格）和竖抱的直项琵琶（受汉代“阮”的影响或本土化产物）。同时，对“筝”（或称“古筝”）和“箜篌”的形态变化进行了深入的比较分析，尤其关注了箜篌在不同朝代出现的颈部形态差异。 吹管乐器的地域特色： 笛子、箫和筚篥是构成合奏的重要组成部分。敦煌壁画中的筚篥，其喇叭口和按孔布局，揭示了其可能源自中亚的传播路径。对于“排箫”和“笙”的描绘，则反映了中国本土乐器在宗教音乐中的地位。我们尝试根据壁画中乐器体积和演奏手位的细节，推断其音色与音域的大致范围。 打击乐器的功能与表现力： 羯鼓、羯鼓（或称“鞉鼓”）、方响（或称“相和磬”）等打击乐器，在壁画中常被描绘于乐舞的节奏核心。例如，对不同样式鼓皮的描绘，暗示了不同击打方式与节奏强弱的对应关系。对于“拍板”和“犍椎”（象征性的佛教法器）在音乐中的作用，我们也进行了专门的讨论。 第三部分：乐伎的身份、服饰与演奏技法 音乐的演奏者，即乐伎，其身份和形象反映了当时社会的文化等级和审美取向。 胡汉服饰的交融： 早期壁画中的乐伎，常有明显的“胡装”特征，如窄袖、翻领、长裤等，这直接反映了西域乐舞团的鼎盛影响。随着时代推移，尤其在唐代后期和宋代，乐伎的服饰逐渐汉化，但保留了部分装饰元素。本书通过对比不同时期乐伎的穿着，勾勒出音乐文化吸收外来影响又最终回归本土审美的过程。 舞蹈姿态与音乐的互动： 许多壁画中的乐伎并非静止的乐器展示，而是伴随着强烈的舞蹈动作进行演奏。例如，反弹琵琶的动态捕捉，体现了乐器与身体的融合。通过分析这些动态的描绘，我们可以推测当时音乐的节奏特点和情感表达倾向，即对“韵律美”的强调。 宫廷音乐与民间乐舞的对译： 通过比对描绘寺院供养场景与世俗宴饮场景的壁画，我们探讨了敦煌地区是否存在一套独立于长安、洛阳的“河西乐谱”。这种区域性音乐体系，很可能是中原正声与西域胡乐、天竺梵乐长期碰撞、揉合的产物。 结论：敦煌壁画——古代音乐的“琥珀” 本书通过对敦煌壁画这一“石头的图书馆”的细致阅读，重构了一个鲜活的、多声部的古代音乐生态。这些图像超越了文献记载的局限，以直观的方式记录了数百年间丝绸之路上不同文明间的音乐对话、乐器传播和审美变迁。它为我们理解中古时期中国音乐的复杂性与开放性，提供了无可替代的视觉佐证。本书旨在引发音乐史、艺术史、宗教史和考古学领域研究者的更深层次关注，共同挖掘隐藏在斑驳色彩之下的千年和声。

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这本书的价值远不止于历史记录本身，它更像是搭建了一座沟通古今音乐哲思的桥梁。作者在讨论各个历史阶段的音乐理论时，并没有简单地罗列“宫商角徵羽”，而是深入挖掘了古人对“音”“律”“和”这些概念的哲学思考。比如，书中对儒家“礼乐教化”思想如何渗透到具体音高和和声结构中的分析，逻辑链条非常完整且富有启发性。读完后，我开始重新审视我们今天所听的流行音乐，思考现代音乐的“和”与古代的“和”在精神内核上是否存在某种延续或断裂。这种引导读者进行深度反思的能力，是这本书最深远的意义所在。它不仅仅教会了我们“过去发生了什么”，更重要的是，它启发我们思考“音乐的本质是什么，以及它应该如何存在于我们的时代”。对于任何一个渴望从音乐中汲取文化智慧的人来说，这本书都是一次不可多得的精神洗礼。

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这本书的装帧设计真是令人眼前一亮。封面那种略带磨砂质感的纸张，触感非常舒服，而且那种深沉的靛蓝色调，配上烫金的“中国音乐史图鉴”几个大字，立刻就给人一种厚重而典雅的历史感。内页的纸张选择也很有讲究，不是那种刺眼的亮白，而是略微偏暖的米白色，这让长时间阅读时眼睛不容易疲劳。更绝的是，每一个章节的过渡页都采用了不同风格的传统纹样进行点缀，像是从唐代的飞天图案过渡到宋代的瓷器纹饰，视觉体验层次非常丰富。尤其是那些历史乐器的复原图，简直可以称得上是艺术品了。那些古老的编钟、琵琶、古琴的线条被描绘得极其细腻，连木质的纹理和金属的光泽都栩栩如生。我甚至能想象出制作者在绘制这些图谱时所花费的心血，这已经超越了一本普通工具书的范畴，更像是一本精心策划的艺术画册。光是翻阅这些精美的插图和版式设计，就足以让人沉浸其中，感受到中华传统美学在书籍设计上的深厚功力。

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这本书的内容编排逻辑清晰得让人赞叹，它没有采取那种枯燥的年代时间线式的叙述，而是采用了一种“主题单元”的推进方式，非常有利于初学者建立宏观认知框架。比如，它会首先用一个单元专门梳理“宫廷雅乐的演变脉络”，紧接着就跳到“民间曲艺的兴盛与融合”，这种对比和穿插的叙述手法，让不同历史时期的音乐形态能够相互参照，避免了单一叙事的沉闷。我特别喜欢它对“地域性音乐”的划分，它没有简单地把全国分成几大块，而是深入到具体的州府县，探讨特定地理环境如何塑造了当地独特的声响文化，这一点做得极其细致入微，远超我之前读过的任何一本音乐史著作。当我读到关于江南丝竹的那一章时，那种婉转悠扬的氛围似乎真的通过文字和图示传递了过来，让人不禁想要立刻寻找相关的音频资料去印证书中的描述。这种将历史知识与感官体验巧妙结合的处理方式，是这本书最大的亮点之一，它成功地将冰冷的历史名词“活化”了。

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作为一个业余的民族乐器爱好者，这本书在乐器考证和技法介绍上的深度，完全超出了我的预期。我原以为它会是那种泛泛而谈的历史概览，但实际上，它对很多已经失传或濒临失传的乐器，进行了非常严谨的学术性复原和探讨。例如，对于唐代“筚篥”的形制演变，作者不仅引用了壁画资料，还结合了考古学发现，推测了其音色的可能性变化范围。更让我惊喜的是，书中附带了大量关于早期记谱法的详细解析，那些看起来晦涩难懂的“工尺谱”和“减字谱”，在作者的图解下变得清晰易懂，甚至附带了如何尝试演奏简单曲目的入门指导。这对于那些希望深入学习演奏实践的读者来说，简直是无价之宝。它不像是一本高高在上的学术专著，反而像是一位耐心且博学的老师，手把手地带领读者走进乐器背后的科学与人文交织的世界。

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这本书的阅读体验是一种奇妙的“时空穿梭感”。它不像那种纯粹的学术论著，堆砌着晦涩的专业术语，让人望而却步。相反，作者在叙述历史事件时，总能巧妙地植入一些生动的、充满人情味的“音乐轶事”。比如，书中描绘了某位唐代乐师在宫廷宴会上演奏时的场景，通过对当时环境、听众反应的细致刻画，瞬间就把我拉回了那个声色犬马的盛世景象。这种叙事手法极大地增强了代入感，让人在学习历史的同时，也体会到了音乐作为一种人类共通情感表达载体的温度。我感觉自己不是在阅读一本教科书，而是在参与一场跨越千年的盛大音乐会。这种将宏大的历史叙事与微观的人性描写相结合的叙事策略，使得即便是对历史不甚感兴趣的读者，也能被其中蕴含的文化张力和艺术魅力所吸引。

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