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出版者:西南师大

作者:邵丽华

出品人:

页数:98

译者:

出版时间:1999-7

价格:24.00元

装帧:

isbn号码:9787562121114

丛书系列:

图书标签:

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城市脉动：现代都市生活观察与人文记录 图书简介 《城市脉动》并非一本探讨视觉艺术技法或图像美学的著作，它是一部深入剖析当代都市生活肌理、关注个体在宏大城市结构中生存状态的社会观察与人文记录集。本书以纪实的手法，通过一系列精选的、非传统意义上“美丽”或“完美”的影像作品，辅以详尽的文字叙述和田野调查笔记，试图捕捉现代城市无孔不入的节奏、潜藏的张力以及那些被高速发展所遗漏的“缝隙空间”。 本书的结构围绕“时间”、“空间”和“人”这三个核心维度展开，拒绝任何学院派对摄影的理论定式，转而采用一种近乎人类学田野调查的视角来审视我们共同居住的现代环境。 第一部分：时间的碎片与非线性叙事 本部分聚焦于城市时间性的多重维度。现代城市以其精确的计时和高效的运作闻名，但本书的镜头却对准了这些精确性背后的“断裂点”和“冗余时间”。 我们探索了清晨第一班通勤列车上乘客的凝视——那些在半梦半醒间，眼神穿透车窗玻璃，投向尚未完全苏醒的钢铁丛林的瞬间。这不是对通勤效率的颂扬，而是对固定行程中个体精神游离状态的捕捉。书中收录了大量延时摄影的对比组，展示了写字楼在白天和深夜的对比：白日里玻璃幕墙折射的权力与忙碌，如何被深夜的空旷与清洁工的背影所取代。 另一个重要的主题是“等待”。在机场的安检口、医院的候诊区、人行道的红绿灯前，等待成为了现代人消耗时间的主要方式。本书试图记录下这些被社会系统规划、却又充满个人私密情绪的“时间黑洞”。文字部分详细描述了对三位在不同行业（金融、物流、公共服务）从业者进行的长达一年的跟踪记录，分析了他们如何将“等待”转化为内部的思考或习惯性的微小动作（如反复擦拭手机屏幕、轻叩指尖等），这些动作构成了他们与冰冷城市环境的无声对话。 第二部分：空间的分层与隐秘的地理学 《城市脉动》拒绝描绘那些被旅游指南推崇的“地标性景观”。相反，我们深入城市内部结构的分层，关注其非官方的、被系统边缘化的地理空间。 本书细致地记录了城市基础设施的“地下”与“边缘”。这包括被遗忘的工业园区、拆迁进行中的历史街区、以及维护城市运转却鲜为人知的管线通道入口。我们探讨了“废弃”与“再生”的辩证关系：一个曾经繁荣的百货商店如何变成临时仓库，其中的商品标签和褪色的广告语成为过去经济活力的幽灵。 对“垂直空间”的观察也占据了重要篇幅。我们没有拍摄摩天大楼的宏伟，而是将镜头对准了高层建筑中那些无法轻易触及的角落——例如外墙清洁人员的工作平台、顶层设备间的通风口，以及不同楼层住户的窗帘样式差异，这些微小的视觉差异，揭示了社会阶层在垂直空间中的隐形划分。书中有一组关于不同收入社区的“阳台景观”对比分析，文字部分引入了社会隔离理论，解释了阳台上的晾晒物、植物种类和防护栏的材质如何成为一种微妙的社会身份标识。 第三部分：人的疏离与微小社群的韧性 在钢筋水泥的丛林中，“人”如何定位自身，以及如何形成新的连接，是本书最具情感张力的部分。 我们关注的不是人潮汹涌的广场，而是那些被人群忽略的“第三空间”：街角的小型烟草店、深夜营业的面馆、以及城市公园里固定的棋牌桌。本书对这些空间的使用者进行了深度访谈，记录了他们在这些半私密场所中建立的、脆弱而坚韧的社群关系。这些关系往往依赖于日常的固定出现、特定的交流模式和彼此对对方生活背景的默许了解。 此外，本书也探讨了现代城市中的“独处”状态。通过对居住在极小单元公寓（如微型工作室或胶囊旅馆）中的居民的侧写，我们试图理解在高度连接的网络时代，个体如何处理物理上的亲密与精神上的疏离。文字中穿插了对“匿名性”的思考：在巨大的城市背景下，个体如何同时享有被隐藏的自由，又承受着被忽视的风险。 《城市脉动》是一本关于“在场”的书。它要求读者放慢脚步，去关注那些日常通勤中被我们匆匆略过的细节，去聆听城市结构深处的低语。它是一份献给所有在现代都市中挣扎、适应、并努力寻找意义的普通人的视觉与文字备忘录。本书最终指向的不是对现代性的批判，而是一种更具同理心的、对我们共同生存环境的细致体察。

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我是一名刚接触摄影不久的学生，之前看了一些入门教材，感觉知识点零散且缺乏深度。直到我遇到了《美术摄影》这本书，简直像是找到了失散已久的“武功秘籍”。书中对不同历史时期摄影流派的演变梳理得井井有条，从早期的纪实到后来的观念摄影，逻辑性极强，让人很容易理解摄影艺术是如何一步步发展和自我革新的。最让我受益匪浅的是关于“视觉叙事”的部分，作者用大量的篇幅解析了如何通过一系列照片来讲述一个完整的故事，而不仅仅是堆砌几张好看的画面。例如，书中分析某位大师的长篇组照时，会详细拆解每一张照片在叙事链条中的功能和情感递进，这种分析细致入微，提供了非常实用的操作框架。对于想提升作品深度和连贯性的朋友来说，这本书绝对是必备的参考资料。

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这本《美术摄影》真是让人眼前一亮，我本来以为会是一本枯燥的理论书籍，没想到里面对于光影的运用分析得如此细腻，简直就像是手把手教你如何“看见”世界一样。尤其是关于自然光和人工光的对比那一章，作者不仅给出了大量的经典摄影作品作为案例，还深入剖析了不同光源下色彩和影调的变化规律。读完后，我才恍然大悟，原来同样一个场景，换一种光线处理方式，表达的情感完全不同。书中对于构图的讲解也独具匠心，没有固守陈规，而是鼓励读者去打破常规，寻找属于自己的视觉语言。我尝试着按照书中的建议去拍摄了几组人像，效果远超预期，朋友们都夸我进步神速。这本书不仅仅是教你按快门，更重要的是培养你对美的敏锐度和对瞬间的捕捉能力，非常值得摄影爱好者反复研读和实践。

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我是一个对摄影史有浓厚兴趣的爱好者，这本书在历史梳理上展现了极其深厚的功力。与其他偏重技术操作的书籍不同，《美术摄影》将摄影艺术置于更广阔的文化和时代背景下去考察。特别是关于战后观念艺术对摄影本体论冲击的分析，作者引入了大量哲学思辨，使得那些看似高冷的理论变得可以触摸和理解。我尤其喜欢其中对不同地域摄影风格差异的对比分析，例如东方美学中的“意境”与西方摄影中对“瞬间决定性”的执着之间的张力，描绘得入木三分。这本书的结构非常宏大，但作者的笔触却极其细腻，总能在宏观的脉络中找到引人入胜的细节案例。它真的拓宽了我的视野，让我明白摄影不仅仅是记录，更是一种高度成熟的、具有强大生命力的表达方式。

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老实说，我拿到这本《美术摄影》的时候，心里是有点犯嘀咕的，毕竟市面上的摄影书籍太多了，能真正沉淀下来、有真知灼见的少之又少。然而，翻开这本书，立刻被那种沉静而有力的叙事风格所吸引。它没有过多地纠缠于复杂的器材参数，而是聚焦于摄影的“哲学”层面——什么是“被摄体”，创作者如何与它建立连接，以及最终如何通过影像来阐述一种观点或感受。作者在讨论抽象艺术对摄影的影响时，文笔极其老辣，引经据典，将晦涩的概念讲解得清晰透彻，让我对现代艺术摄影的脉络有了更宏观的认识。我特别欣赏其中关于“留白”的讨论，那种对“不拍什么”的重视，简直是当代信息爆炸时代的一剂清醒剂。这本书更像是一次深刻的自我对话，让你重新审视自己创作的初衷。

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这本书的装帧和印刷质量简直是艺术品级别，每一页的色彩还原都准确得令人惊叹，这对于一本讨论视觉艺术的书来说至关重要。不过，抛开这些硬件条件，其内容本身的“硬度”也令人印象深刻。我特别关注了其中关于“暗房工艺对影像最终美感的影响”那一章节，虽然现在数码技术盛行，但作者坚持探讨传统冲洗技术中那种独特的颗粒感和层次感是如何塑造作品气质的，这种对媒介本质的坚持非常宝贵。作者的文字带着一种老派的优雅和精准，论证严密，没有任何空泛的赞美词藻。读起来需要一定的专注度，因为它探讨的很多问题是关于“观看”的本质，而非简单的“拍摄技巧”。读完后，我感觉自己对“好照片”的标准似乎被拔高了一个维度，不再满足于表面的清晰和美观。

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