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出版者:上海音乐出版社

作者:莫纪纲等

出品人:

页数:187

译者:

出版时间:2003-12

价格:25.00元

装帧:

isbn号码:9787805538624

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歌剧魅影：从巴洛克到浪漫主义的声乐艺术之旅 一、 引言：声乐艺术的恢弘史诗 本书旨在为广大声乐学习者、演唱者及音乐爱好者提供一份详尽而深刻的声乐艺术史梳理。我们聚焦于西方古典声乐艺术的黄金时代——从巴洛克晚期至浪漫主义巅峰，精心选取了最具代表性、艺术价值最高的歌剧咏叹调、艺术歌曲及清唱剧选段。本书并非单纯的曲目汇编，而是一部深入探讨声乐风格演变、演唱技巧革新与情感表达深度的艺术导览。 我们深知，声乐学习者在面对浩如烟海的曲目时，往往需要一本能清晰勾勒出历史脉络、明确指出各时期风格特征的指南。《歌剧魅影：从巴洛克到浪漫主义的声乐艺术之旅》正是为此目的而创作。它将带领读者穿越时空，感受不同时代作曲家对人声潜能的极致探索，以及歌剧艺术如何成为时代精神的集中体现。 二、 巴洛克之光：对位与装饰的精妙平衡（约1685-1750年） 本卷涵盖了巴洛克晚期声乐艺术的核心精髓。彼时，声乐技巧的焦点在于对位法的复杂运用、调性的清晰构建以及对装饰音的即兴处理。 1. 亨德尔的咏叹调：力量与技巧的结合 我们将详细分析乔治·弗里德里希·亨德尔（George Frideric Handel）的杰作，特别是其清唱剧《弥赛亚》和一系列意大利歌剧中那些要求极高技巧的咏叹调。重点剖析“清唱段”（Recitative）与“咏叹调”（Aria）的结构性区别，以及在咏叹调中如何处理快速的音阶跑动（Coloratura）和精巧的三连音节奏。 技巧解析： 强调气息的连贯性，如何在保持音色统一性的同时完成复杂的装饰。对于“Da Capo Aria”的结构——A-B-A’，我们提供详尽的即兴装饰演奏的原则，旨在恢复巴洛克时期演唱者展现个人才华的传统。 情感核心： 巴洛克时期的情感表达相对“抽象化”，通过音乐结构自身的对称性来表达崇高或悲剧感，而非直接的个人宣泄。 2. 巴赫的圣咏世界：虔诚与结构之美 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的作品，特别是其受难曲中的选段，代表了宗教音乐的顶峰。这里的演唱要求更多的是对文本的深刻理解与清晰的音准，装饰音的使用必须服务于宗教的庄严性。 演唱特点： 侧重于和声的穿透力与对位声部的独立清晰度。学习者需要理解如何区分主旋律与其他声部之间的平衡关系。 三、 古典主义的清晰与和谐（约1750-1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向了清晰、平衡与结构严谨的古典主义风格。歌剧更加注重戏剧的连贯性，咏叹调开始从纯粹的炫技转向情感的抒发。 1. 莫扎特的戏剧天才：人性化的表达 沃尔夫冈·阿玛多依斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）是这一时期的集大成者。他的作品，如《费加罗的婚礼》、《唐璜》和《魔笛》中的选段，要求演唱者具备极高的戏剧洞察力。 演唱转型： 装饰音的使用变得更加“人性化”，服务于角色瞬间的情绪波动。例如，在表达嫉妒、愤怒或狂喜时，音符的排列不再是程式化的，而是带有明显的心理指向性。 声部平衡： 重点分析莫扎特对不同声部（女高音、女中音、男高音、男中音、男低音）的独特处理，以及如何实现管弦乐与人声之间微妙的对话。 2. 格鲁克的改革之声：回归戏剧的本质 克里斯托夫·威利巴尔德·格鲁克（Christoph Willibald Gluck）致力于“歌剧改革”，剔除早期歌剧中的冗余炫技，使音乐直接服务于剧情。本书选取其代表作，分析如何通过简洁的旋律线和强烈的节奏来推动戏剧冲突。 四、 浪漫主义的激情与无限延伸（约1820-1900年） 浪漫主义时期是声乐艺术爆炸性发展的阶段，作曲家们追求个体情感的彻底释放、声音音域的拓宽以及管弦乐队对人声的烘托作用达到了前所未有的高度。 1. 意大利美声的巅峰：威尔第与普契尼 意大利歌剧在这一时期达到了一个难以逾越的高峰。 威尔第的“力量与激情”： 朱塞佩·威尔第（Giuseppe Verdi）的作品要求声音具有穿透力、持久的耐力和宏大的气势。我们将详细解析其咏叹调中对高音区（如男高音的High C）的力度控制（从 pianissimo 到 fortissimo 的瞬间转换）以及对“宣叙调”（Recitativo Accompagnato）戏剧张力的把握。 普契尼的细腻与色彩： 贾科莫·普契尼（Giacomo Puccini）则更偏向于对色彩和细节的捕捉。其“抒情咏叹调”要求声音极度柔和、充满“宿命感”。学习者需掌握如何通过共鸣腔的细微调整来模仿泪水、叹息和内心独白的效果。 2. 德语艺术歌曲的深度：舒伯特与舒曼 法兰茨·舒伯特（Franz Schubert）和罗伯特·舒曼（Robert Schumann）将艺术歌曲（Lied）推向了与歌剧同等重要的地位。 钢琴与人声的共舞： 本部分侧重于钢琴伴奏的角色，它不再是简单的支持，而是与歌者共同完成叙事和情感描绘。分析如何通过钢琴的音型（如水流、马蹄声）来构建环境氛围。 文本的音乐化： 强调对德语元音和辅音的准确处理，确保清晰度与音乐旋律的完美融合，实现“文字的音乐性”和“音乐的文字性”的统一。 3. 法国抒情歌剧的优雅：古诺与比才 法国学派在浪漫主义时期展现出一种独特的精致和优雅。查尔斯·古诺（Charles Gounod）和乔治·比才（Georges Bizet）的作品要求声音具有金质的光泽和清晰的清晰度，演唱风格更注重线条的连贯性而非意大利美声的厚重感。 五、 演唱技巧的跨越与融合 贯穿全书的另一核心主题是声乐技巧在不同风格间的“跨越与融合”。我们探讨了从巴洛克对“装饰自由”的强调，到古典主义对“匀称性”的要求，再到浪漫主义对“音量与情感广度”的拓展，演唱者必须理解如何根据作品的时代背景，调整自己的发声方式、颤音的处理速度，以及气息的支撑重点。 本书的最终目标是，让每一位读者都能通过对这些经典曲目的系统学习，构建起一个坚实、全面且富有历史洞察力的声乐知识体系，从而真正理解“歌剧魅影”背后那跨越数个世纪的声乐艺术灵魂。

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作为一名教学工作者，我对这本书的实用性给予高度评价，尤其体现在它对技术细节的处理上。很多市面上的曲集，虽然曲目齐全，但在演唱技巧的示范上往往过于简略。然而，这本书在很多高难度技巧段落旁，都巧妙地加入了演奏家或声乐教育家的“经验之谈”，这些小小的批注，往往能解决困扰学习者很久的技术瓶颈。例如，在处理某个需要大量换气和连贯性的长乐句时，书中明确提出了几种替代性的气息支持方法，并分析了各自的优缺点。这种“传道授业”式的注释，远比干巴巴的音符和表情符号来得生动有效。它不仅仅是一本谱本，更像是一位循循善诱的良师，时刻在旁边指导着我的发声位置和情感投入，让每一次练习都事半功倍。

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这本书在整体的用户体验上做得非常到位，体现了对学习者需求的深刻理解。首先，它采用了大开本设计，展开后非常平整，即便是放在钢琴谱架上，也不会出现合拢的情况，这在练习对唱或需要对照钢琴伴奏时尤其重要。其次，每首曲目的起始页都附有一个小小的“作曲家背景简介”，这为理解作品的时代背景和情感基调提供了必要的文化铺垫，避免了盲目地去“唱”一首歌。最让我感到贴心的是，它在一些发音复杂的外国歌曲旁边，附带了非常细致的、接近于拼音标注的元音和辅音的近似发音指南，这极大地降低了外语歌曲的学习门槛，让学习者可以更专注于音乐表达本身，而不是纠结于晦涩的音标，真正实现了从“识谱”到“会唱”的转化。

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这本书的选曲范围之广博，实在是超出了我的预期。我原以为考级曲集无非就是那几首约定俗成的“必考曲目”，但拿到这本书后才发现，它收录了大量不同时期、不同语种的声乐作品，涵盖了古典美声、民族歌剧选段，甚至还有一些富有地方特色的艺术歌曲。这种丰富的资源库，使得学习者不再是机械地应付考试，而是真正有机会接触到声乐艺术的多元面貌。我特别喜欢其中关于十九世纪意大利艺术歌曲的部分，那些原本我以为只有专业声乐系学生才会接触到的作品，竟然也被收录了进来，并且标注了合适的演唱版本和声部建议。这无疑为我们这些业余爱好者打开了一扇通往更广阔音乐世界的窗户，拓宽了我们的视野，激发了我们对更多优秀作品的探索欲望。

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我得说，这本书的排版逻辑简直是教科书级别的清晰明了。它不仅仅是简单地将曲目堆砌在一起，而是经过了深思熟虑的编排。从最基础的音阶练习到复杂的艺术歌曲，难度梯度设置得非常科学合理，让人能够循序渐进地攻克难关，每部分的过渡都衔接得自然流畅，不会出现那种突然难度暴增的“断崖式”体验。更棒的是，对于每一个乐曲，它都提供了详尽的演奏提示和风格注解。比如，在某段咏叹调旁边，作者会用非常精炼的文字指出气息的控制点和情感的表达方向，这对于自学者来说简直是无价之宝。墨迹的深浅和字体的选择也经过了仔细斟酌，关键的力度记号和指法提示都用粗体或斜体突出显示，确保在演唱过程中目光能迅速捕捉到重要信息，极大地提高了练习效率。

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这本书的装帧设计简直是令人眼前一亮，封面采用了一种复古的米黄色纸张，触感温润而富有质感，中央印着简洁的黑色手写体标题，仿佛能从中嗅到历史的沉淀感。内页的纸张选择也相当考究，厚度适中，不易反光，即便是长时间在灯下阅读，眼睛也不会感到疲惫。我尤其欣赏它在细节上的处理，比如侧边的烫金工艺，在光线下会折射出低调而优雅的光泽，这让整本书看起来不仅仅是一本工具书，更像是一件值得珍藏的艺术品。装订方式非常牢固，无论是平摊还是反复翻阅，书页都保持得很好，这一点对于经常需要查阅和使用的乐谱来说至关重要。它完美地平衡了实用性和审美性，拿在手里把玩，都觉得心情愉悦，这对于激发学习音乐的热情来说，无疑是一个很好的开端。

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只是看过而已。

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