舒曼钢琴曲选 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民音乐出版社

作者:中央音乐学院钢琴系 编

出品人:

页数:245

译者:

出版时间:1960-6

价格:40.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787103002520

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巴赫：键盘艺术的里程碑 献给所有热爱键盘音乐的探索者与鉴赏家 本书特色： 本书并非对任何特定钢琴曲目的选集进行梳理，而是一部聚焦于约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）宏大键盘音乐遗产的深度研究与赏析之作。我们旨在带领读者穿越时空的界限，深入理解巴赫在赋格、对位法、以及键盘乐器发展史中所扮演的革命性角色。这是一次对“西方音乐之父”键盘创作巅峰的全面考察，而非对某一特定风格化选集的导览。 第一部分：巴赫与键盘音乐的“创世神话” 巴赫的键盘作品是西方音乐结构逻辑的基石。本书首先从巴赫早期的管风琴作品入手，探讨他如何继承了布克斯特胡德（Buxtehude）和雷恩肯（Reinken）的传统，并将其推向了前所未有的复杂性和情感深度。 早期管风琴的火焰： 我们详细分析了巴赫在阿尔施泰特（Arnstadt）和穆尔豪森（Mühlhausen）时期创作的早期托卡塔与赋格，展示其在即兴发挥与严谨对位结构之间的动态平衡。这些作品，如著名的D小调托卡塔与赋格（BWV 565）的风格起源与演变，将被置于其诞生的宗教与社会背景下进行审视。 莱比锡的沉思： 随后，我们将目光转向巴赫在莱比锡时期为教会礼拜创作的宏伟管风琴作品，如大型前奏曲与赋格（如“多利亚调”BWV 532）。这不是对曲目列表的简单罗列，而是对这些作品中蕴含的神学主题、结构对称性（如三段式、回文结构）的详尽解构。 第二部分：键盘“教本”的革命性意义 巴赫为教学和个人技艺精进所作的系统性尝试，是其键盘遗产中最具“建筑学”价值的部分。 《平均律钢琴曲集》（The Well-Tempered Clavier, WTC）： 本书将WTC视为一场声学实验和创作宣言。我们不仅讨论了巴赫如何通过它展示了“十二平均律”在不同调性中的可行性，更着重分析了其中两卷中赋格的风格多样性——从两声部的小型赋格到罕见的五声部赋格，以及它们各自在织体布局上的精妙之处。例如，对C大调第一号前奏曲的简洁优雅，与d小调第二号赋格的复杂交织进行对比分析。 《哥德堡变奏曲》（Goldberg Variations）： 本章将《哥德堡变奏曲》视为巴赫对变奏曲体裁的终极概括。我们不满足于描述其三十段变奏，而是深入探讨其内在的“建筑蓝图”：每三首曲目后插入的卡农（Canon），其固定音程的递增（从同度到九度），展现了巴赫在结构控制上的惊人天赋。此书将探讨其对后世莫扎特、贝多芬乃至马克思·雷格尔（Max Reger）的影响。 “练习曲”的误解与真相： 《二部创意曲》（Inventions）与《三部创意曲》（Sinfonias）并非简单的初学者练习曲，而是关于“清晰表达”（Clarity of Voice Leading）的宣言。本书将详细分析巴赫如何在最精简的织体中，确保每一声部的独立旋律线都具有叙事性，这是对“对位法”最纯粹的阐释。 第三部分：为羽管键琴与大键琴而作的“世俗”杰作 虽然巴赫的身份是教会乐师，但他为宫廷和私人演奏所作的作品，同样展现了无与伦比的技巧与抒情性。 《英国组曲》与《法国组曲》： 本书区分了这两套组曲的创作意图与风格差异。《英国组曲》常被认为更注重技巧展示和德意志的庄严感，而《法国组曲》则在舞曲（如萨拉班德、吉格）中流露出更为细腻和宫廷化的精致趣味。我们将解析阿尔曼德、库朗特、萨拉班德和吉格这四种核心舞曲的节奏特征与巴赫的独特处理方式。 《平均律》之外的键盘艺术： 探讨如《帕蒂塔》（Partitas，即《键盘练习曲》第一、二、三套）的地位。特别是第三套中的《意大利协奏曲》（Italian Concerto）和《法国序曲》（French Overture），它们在织体上更接近当时的“协奏曲”概念，展现了巴赫对意大利风格（如维瓦尔第）的吸收与转化。 第四部分：巴赫的键盘遗产及其在古典主义中的回响 巴赫去世后，他的音乐一度被认为“过时”。本书旨在揭示这一“被遗忘的时代”如何孕育了古典乐派的爆发。 “巴赫的复兴”： 重点介绍菲利普·埃马努埃尔·巴赫（C.P.E. Bach）对“狂飙突进”风格的探索，以及卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫在键盘音乐情感表达上的创新，这些是连接巴洛克与古典风格的关键桥梁。 对后世的不可磨灭的影响： 强调海顿、莫扎特如何秘密地学习巴赫的对位法，以及贝多芬在其晚期作品中（如《迪亚贝利变奏曲》和《庄严弥撒》）对巴赫结构的回归与致敬。 本书目的： 本书旨在提供一个结构化、历史性、且不带主观选曲倾向的巴赫键盘音乐全景图。它不服务于某一特定演奏版本或录音的推荐，而是致力于挖掘巴赫音乐的逻辑深度、结构美学与永恒的哲学内涵。读者将通过本书，建立起对巴赫键盘作品群体的清晰认知框架，理解其在音乐史上无可取代的“结构之父”的地位。这是一部面向严肃学习者、音乐史学者和资深音乐爱好者的深度研究读物。

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说实话，我原本以为这本《键盘上的巴洛克回响》会是一本枯燥的学术专著，主要集中在历史考据和曲式分析上，但事实完全出乎我的意料。作者的叙事风格非常具有画面感，读起来完全不像在“学音乐史”，更像是在听一位资深音乐学家带着你进行一场沉浸式的欧洲音乐之旅。书中关于维也纳古典乐派早期奏鸣曲结构演变的部分，尤其精彩，它巧妙地将当时的社会思潮——启蒙运动的理性光辉与对个体情感的初步探索——融入到对奏鸣曲呈示部、展开部和再现部逻辑性的分析中。我印象最深的是对海顿晚期弦乐四重奏中“幽默”元素的解读，作者指出，那并非简单的玩笑，而是在严谨结构下对传统规范的一种温柔的挑战和反思。书中收录的几篇独家访谈录，对象都是当代享有盛誉的古钢琴演奏家，他们对“原作音色”和“时代乐器特性”的见解，为我们这些非专业人士打开了一扇全新的窗户，让我们意识到，不同的钢琴会“讲述”出完全不同的音乐故事。这本书的严谨性体现在其引用的丰富注释和详实的年代背景梳理上，但其可读性又在于那份对音乐生命力的尊重与热爱，使得即便是像我这样只有业余兴趣的读者，也能津津有味地读下去，并且收获良多。

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我最近翻阅的《欧洲键盘音乐的民间根源》这本书，视角非常独特和开阔，它摆脱了传统的学院派叙事，将目光投向了那些在宫廷之外流传的民间旋律与舞曲形式，是如何最终渗透并影响了那些被视为“高雅艺术”的键盘作品。书中对爱尔兰传统民间曲调（Air）如何在英国作曲家手中被“艺术化”的分析，简直是教科书级别的跨文化研究。作者通过对大量未被正式记录的口传乐谱片段的搜集与比对，重建了许多巴赫或亨德尔作品中看似“平庸”的低音线或对位技巧的真正灵感来源——它们往往源自于酒馆里的即兴演奏或乡间婚礼上的手风琴曲。这种“自下而上”的研究方法，极大地丰富了我们对音乐创作过程的理解，它告诉我们，伟大的艺术并非凭空出现，而是深深植根于民族的集体潜意识和日常生活中。书中还用了大量的篇幅来讨论不同地区（比如西班牙的民间吟唱风格对早期键盘音乐的影响）的节奏模式，如何微妙地改变了作品的情绪走向。这本书的魅力在于它的“反精英化”倾向，它让听众重新审视那些耳熟能详的作品，在其中发现那些来自泥土芬芳的、最纯粹的生命力。

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这本《钢琴的浪漫颂歌》简直是为那些渴望在指尖上捕捉十九世纪德奥浪漫主义精髓的乐迷量身定做的宝典。从我翻开它的第一页起，就被那种扑面而来的时代气息所震撼。它并非简单地罗列作品，而是以一种近乎于诗意的笔触，将那些耳熟能详的旋律背后隐藏的激情、忧郁与对自然的无限向往娓娓道来。比如，书中对李斯特《超技练习曲》的解析，没有停留在炫技层面，而是深入探讨了作曲家在创作过程中如何将英雄史诗般的叙事融入到那些令人眼花缭乱的音符序列之中，那种对“无限”的追求，在作者的阐述下变得清晰可见。更让我惊喜的是，它还花了大篇幅去对比了肖邦与某一时期巴赫在对位法运用上的细微差异，这种跨越时代的对话，使得整本书的理论深度一下子拔高了。对于初学者来说，那些关于踏板的运用和触键力度的细致指导，简直是实操层面的及时雨，让原本晦涩难懂的演奏技巧变得生动起来。我尤其欣赏其中关于“即兴性”的论述，它鼓励演奏者挣脱谱面的束缚，去体会音乐的呼吸与心跳，而非仅仅是机械地复述音符。整本书的排版也极为考究，仿佛每一页都在邀请你沉浸到那个由黑白键构建的、充满梦想与挣扎的艺术世界中去。

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这本《大师的琴房：演奏的艺术与心法》读起来，感觉就像是直接坐在某位已故的伟大钢琴家身边，听他娓娓道来数十年舞台经验的结晶。这本书的重点完全不在于乐理或历史，而是一种纯粹的、实践性的“如何成为一个更优秀的演奏者”的哲学探讨。它将技术训练提升到了一种近乎禅修的境界。例如，关于“如何处理长时间的琶音段落而不感到疲劳”这一章，作者提出的并非是肌肉训练法，而是强调“呼吸”与“意图”的统一性，要求演奏者在心中预先描绘出声音的轨迹，让手指仅仅是声音的延伸。这种内在的驱动力，远比任何外部的指法练习都要有效。书中还收录了大量关于舞台恐惧症（Stage Fright）的应对策略，其中最独特的一条是“将观众想象成一个巨大的、需要被你引导的声场”，而不是一群评判者，这个角度彻底改变了我对公开演出的认知。此外，它还探讨了不同乐器（如施坦威与贝森朵夫）在细微的共鸣特性上对不同作品的适宜性，这种对声音“个性”的细致区分，只有真正沉浸在演奏领域多年的人才能体会到。这本书，更像是一本关于专注力、毅力和心灵沟通的导师手册。

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我刚买的这本《二十世纪的音乐语言探索》简直是为那些对现代作曲技法感到困惑的乐迷准备的“破冰指南”。在如今充斥着新奇音响和十二音体系的音乐世界里，理解作曲家是如何打破传统调性束缚，构建新的音乐逻辑，往往令人望而却步。然而，这本书的处理方式极其巧妙，它没有一开始就抛出复杂的序列主义或噪音理论，而是从德彪西和拉威尔对色彩的运用入手，温和地引导读者进入一个更加广阔的听觉空间。书中对斯特拉文斯基《春之祭》的分析段落，堪称经典，它不仅仅停留在对“原始节奏”的描述上，而是深入剖析了其和声的堆叠方式以及对传统乐团配置的颠覆性运用，让读者能够清晰地听到“冲突”是如何被精心编排出来的。更让我赞叹的是，作者对于不同流派之间互相影响的梳理，例如如何从法西斯宣传音乐的滥用中反思严肃音乐的社会责任，这种宏大的历史观，极大地丰富了我们对音乐社会学意义的理解。这本书的语言是极其精确的，没有丝毫的含糊其辞，但同时又充满了对这些“打破常规”的艺术家的敬意，让人在学习新知识的同时，也能感受到艺术革命的激情。

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一弹舒曼手就紧

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我愛舒曼~~ 要是武漢有原作版就更好了~~

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舒曼的已经牛逼了..很难开下来

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我愛舒曼~~ 要是武漢有原作版就更好了~~

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梦幻曲 汗汗~