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出版者:浙江人美

作者:中国古代书画鉴定组 编

出品人:

页数:236

译者:

出版时间:2000-6

价格:380.00元

装帧:

isbn号码:9787534010316

丛书系列:中国绘画全集

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好的，这是为您撰写的图书简介，内容不包含《中国绘画全集》中的任何信息，并力求展现出详实和专业的风格： --- 《西方建筑史：从古希腊到现代主义的结构与美学演变》 导言：凝固的时间与流动的空间 本书旨在为读者提供一部全面而深入的西方建筑史论著，追溯自古典时代萌芽至今，跨越两千多年光阴的建筑艺术的演变轨迹。建筑，作为人类文明最持久的物质载体，不仅反映了特定历史时期的社会结构、技术水平与宗教信仰，更承载着人类对理想空间、永恒美学以及人与环境关系的深刻思考。我们摒弃仅罗列风格特征的编年史叙述，转而聚焦于建筑的“内在逻辑”——结构体系的创新、材料的革新以及空间哲学的变迁，探讨这些要素如何相互作用，塑造了我们今日所见的城市景观与建筑遗产。 本书的核心论点在于，西方建筑史并非一条平滑的线性发展，而是一系列技术突破与美学思潮碰撞、继承与反叛的动态过程。从多立克柱式的理性秩序，到哥特式飞扶壁对天国的追求，再到文艺复兴对人文主义的回归，直至工业革命后钢铁和玻璃对传统美学的颠覆，每一种风格的兴起都标志着人类对自身局限性的一次重大超越，或是对既有秩序的一次激烈批判。 第一部分：古典的基石与信仰的穹窿（公元前 5 世纪 – 公元 14 世纪） 第一章：古希腊的理性与和谐 本章细致剖析了古希腊建筑的“黄金比例”观。我们不仅考察了帕特农神庙等标志性建筑的平面布局与立面处理，更深入研究了柱式系统（多立克、爱奥尼、科林斯）的比例法则如何源自于人类身体的度量，体现了毕达哥拉斯主义的宇宙观。重点讨论了“视觉矫正”技术（如轴线的微小弯曲），揭示了希腊人对完美形式的执着追求，这种对清晰、可理解秩序的偏爱，为整个西方建筑奠定了理性主义的基调。 第二章：罗马工程学的宏伟叙事 罗马建筑的革命性在于其材料与技术的突破。本章将重点解析火山灰混凝土（Opus Caementicium）的发明及其对空间创造的解放作用。我们探讨了万神殿（Pantheon）中跨越巨大无柱空间的穹顶结构，分析了拱券、筒形拱和交叉拱如何使公共浴场、巴西利卡（Basilica）以及宏伟的竞技场成为可能。罗马的建筑不再仅仅是神祇的殿堂，而是帝国权力、公共生活与工程奇迹的宣言。 第三章：中世纪的崇高与垂直的渴望 中世纪建筑，尤其是盛期哥特式，是人类对垂直维度和光线哲学的极致探索。本章将详细解析哥特式结构体系的三大支柱：肋拱（Rib Vault）、尖拱（Pointed Arch）和飞扶壁（Flying Buttress）。这些元素的协同作用，使得墙体得以被解放，转变为巨大的彩色玻璃“光之幕墙”。我们对比了修道院建筑的朴素与大教堂的复杂性，考察了光线作为神性媒介在中世纪空间体验中的核心地位。 第二部分：文艺复兴的回归与巴洛克的激情（15 世纪 – 18 世纪） 第四章：文艺复兴：人文主义对古典的重构 文艺复兴建筑师，如布鲁内莱斯基和阿尔伯蒂，并非简单地复制古典，而是通过“复兴”将古典的理性原则与新的哲学思潮相结合。本章剖析了基于透视法（Perspective）的平面设计原则，强调了中央集中式布局对完美对称与人类尺度的回归。我们探讨了“理想城市”的构想，以及建筑如何通过比例关系来反映人的主体性和和谐的宇宙秩序。 第五章：巴洛克与洛可可：运动、戏剧与情感的建筑 与文艺复兴的静止感相对，巴洛克建筑追求动态、情感冲击与感官的丰富性。本章分析了贝里尼和波罗米尼等大师的作品，关注他们如何运用曲线、凹凸立面、复杂的轴线扭转以及光影的强烈对比，营造出强烈的戏剧效果。洛可可风格则进一步将这种复杂性推向室内装饰的极致，探讨了其作为绝对君主制晚期宫廷文化的审美表达。 第三部分：现代性的冲击与结构的解放（19 世纪 – 20 世纪中叶） 第六章：工业革命的阵痛与新旧交替 19 世纪是建筑史上的一个重要转折点。本章关注结构技术（如铸铁、钢材和钢筋混凝土）的引入如何挑战了传统的美学规范。我们考察了水晶宫、埃菲尔铁塔等工程奇迹，它们首次将结构本身作为建筑的直接表达。同时，本章也探讨了“艺术与工艺运动”等对工业化美学异化的反思，以及维也纳分离派等地区性现代主义的萌芽。 第七章：现代主义的宣言：形式追随功能？ 20 世纪初，以勒·柯布西耶、密斯·凡德罗和格罗皮乌斯为代表的现代主义运动，力求为工业社会建立一套全新的、普遍适用的建筑语言。本章深入分析了现代主义的“五点”原则，并批判性地考察了其对功能主义（Form Follows Function）的坚持。重点研究了国际风格如何通过标准化、去除装饰和透明性，试图创造一个更加公平和清晰的建筑环境。 第八章：现代主义的分流与地域主义的兴起 本章探讨了现代主义在不同文化背景下的适应与变异。我们考察了斯堪的纳维亚的有机现代主义，以及弗兰克·劳埃德·赖特所倡导的“有机建筑”哲学，后者强调建筑应与其自然环境和谐共生。此外，还分析了功能主义在实践中遭遇的社会问题，为后来的解构与后现代思潮埋下了伏笔。 结论：边界的消解与未来的张力 本书最后将目光投向20世纪下半叶的思潮，探讨后现代主义对宏大叙事的质疑，以及当代建筑在可持续性、数字技术与文化身份重建方面的持续探索。西方建筑史的旅程，本质上是一部关于人类如何理解并构造其栖居环境的历史，其结构与美学的演变，将永远是理解我们自身文化连续性的重要线索。 --- 本书特色： 结构驱动分析： 侧重于材料和结构逻辑如何决定风格的形成与转变。 跨学科视野： 结合哲学、政治学和工程学视角，理解建筑背后的社会动力。 详尽的图表与案例研究： 配备大量剖面图、轴测图和细节分析，辅助理解复杂的空间关系。 目标读者： 建筑学专业学生、艺术史研究者，以及所有对西方文明发展轨迹充满好奇的读者。

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这套书简直是艺术爱好者和历史研究者的福音！我拿到手的时候，就被它那厚重的分量和精美的装帧所震撼。打开扉页，首先映入眼帘的是那些令人叹为观止的宋代山水画高清复制品，那种墨韵的层次感、皴法的细腻，即便是隔着纸张，也能感受到古人作画时的心境和笔触的力度。书中的选材极其考究，不仅仅是那些耳熟能详的大家之作，更有许多鲜为人知、但艺术价值极高的民间或地方画派的作品被系统地整理和收录。例如，关于元代文人画的探讨，它没有停留在简单的介绍，而是深入剖析了“士气”如何影响了笔墨语言的转变，并配有大量的局部特写，让人能清晰地分辨出董源和巨然在用笔上的细微差异。尤其是对水墨技法的分析部分，图文并茂，旁征博引，无论是初学者想入门，还是资深研究者想寻求灵感，都能从中汲取到丰富的营养。整体编排逻辑清晰，脉络分明，让人在阅读时仿佛置身于一条穿越了千年的艺术长河之中，对中国绘画的演变历程有了极其宏观且微观的认知。

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拿到这本画册时，我最大的感受就是“博大精深”。它不是那种走马观花、只展示名作的图册，而是真正下功夫去梳理了各个历史时期、不同流派的绘画特色和审美取向。我尤其欣赏它对不同朝代绘画主题的侧重分析。比如，在唐代卷册中，对于佛教壁画的介绍，它用了大量的篇幅来对比初唐的丰腴饱满与盛唐的健硕大气，以及晚唐的写实倾向，这种细致的对比分析，远超我之前阅读过的任何一本通史类书籍。再说到清代花鸟画部分，它不仅仅罗列了“扬州八怪”的风格，更将影响他们创作的社会背景和个人哲学思想融入其中，使得那些看似随意的笔墨，一下子变得厚重起来。装帧的质感也值得称赞，印刷色彩的还原度极高，尤其是那些使用矿物颜料的重彩作品，那种宝石般的质感和光泽，在普通印刷品中是难以见到的。这本书绝对是案头常备的工具书，每次翻开都能发现新的细节和新的思考角度，它像一位沉默而渊博的老师，静静地等待着你的提问。

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说实话，我原本以为这又是一套“大而空”的画集，只是一些高清图片的堆砌。然而，当我深入阅读后，发现自己的想法完全错了。这本书的厉害之处在于它的“串联”能力。它没有将绘画孤立地看待，而是将其置于当时的哲学、诗歌乃至社会思潮的大背景下去解读。比如，在介绍宋代院体画的院规和程式化训练时，它穿插介绍了当时理学的兴起对艺术追求“格物致知”的影响，使得那些工整细致的界画和人物画，立刻有了深刻的内涵。而到了明清时期，作者的笔锋一转，开始探讨文人画如何从“写意”走向更加注重个人情感抒发的“自得之趣”，通过对比吴门画派和松江派在章法和用墨上的差异，构建了一个清晰的演变路径。我个人最喜欢的是它附带的古代绘画理论摘要，那些古人的论述，被清晰地归类和翻译，极大地方便了对古代美学思想的理解。这本书的价值，在于它不仅展示了“是什么”，更深刻地解释了“为什么会这样”。

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这套书的内容密度非常惊人，如果不是有扎实的艺术史基础，初次接触可能会感到有些吃力，但正是这种高密度的信息量，才彰显了它的专业深度。我特别关注了其中关于“飞白”和“焦墨”技法的专题研究部分。作者通过大量的实例图片和细致的线条分析，将这些难以言传的笔墨技巧，分解成了可以理解的步骤和效果。例如，对于焦墨的运用，书中对比了如何用半干的焦墨来表现苍劲的树皮，与如何用极干的笔尖扫过纸面来制造飞白效果，这种对媒介特性的极致运用，讲解得极为透彻。而且，书中对一些争议性作品的归属问题也进行了审慎的探讨，引用了多方的考证意见，保持了一种科学严谨的治学态度，而不是一味地给出武断的结论。对于想深入学习中国画笔墨精髓的读者来说，这套书无疑是不可替代的宝典，它教会你如何“看”画，而非仅仅是“欣赏”画。

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我是一个对装帧设计也有一定要求的人，这套画册在视觉呈现上达到了一个很高的水准。纸张的选取非常考究，那种略带纹理的哑光纸，最大限度地减少了反光，保证了画面细节的清晰度，特别适合临摹和研究色彩的微妙变化。最让我惊喜的是，它对不同载体的处理也做了区分——对待绢本的画作，它似乎捕捉到了那种丝织品特有的光泽和细微的纹理；而面对大量的纸本水墨，它则成功再现了墨色在宣纸上洇开的自然晕染效果。整体排版设计大气而不失灵动，留白处理得当，使得每一幅作品都有足够的“呼吸”空间，不会因为内容太多而显得拥挤。这套书的装帧本身，就是对中国传统艺术的一种尊重和致敬。可以说，它不只是一部学术著作，更是一件值得珍藏的艺术品，每一次翻阅都像是在进行一次高品质的视觉盛宴，让人心悦诚服。

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