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出版者:湖北美术出版社

作者:杨力行

出品人:

页数:80 页

译者:

出版时间:2002年1月

价格:20.0

装帧:平装

isbn号码:9787539412245

丛书系列:

图书标签:

• 钢笔画
• 建筑•表现
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《流光溢彩：数字摄影的色彩魔法与后期精修》 图书简介 在这个信息爆炸的时代，图像不仅仅是记录瞬间的载体，更是传递情感、构建叙事和展现个人独特视角的强大工具。本书《流光溢彩：数字摄影的色彩魔法与后期精修》，旨在为广大的摄影爱好者、专业人士以及渴望提升作品视觉冲击力的数字内容创作者，提供一套系统、深入且极具实操性的色彩管理、理解与后期处理的全面指南。我们摒弃了冗长空洞的理论堆砌，专注于将复杂的色彩科学转化为直观易懂的操作步骤和艺术洞察。 本书的核心理念在于：色彩是摄影的灵魂，而后期是唤醒这灵魂的画笔。 优秀的摄影作品，往往在前期拍摄时就蕴含了对光影与色彩的精准预判，而后期处理则是对这种预判的最终实现与升华。我们坚信，掌握色彩不仅关乎技术参数的调整，更是一种对光线本质的理解和对视觉心理的把握。 第一部分：色彩的科学与感知——探寻光影的本源 本部分是构建色彩世界观的基石。我们将从基础的物理学层面切入，深入剖析可见光光谱、色温、白平衡的真实含义及其在不同光照环境下的变化规律。我们不会停留在“调高色温变暖”这种肤浅的描述，而是会详尽解析开尔文值如何影响画面的冷暖倾向、不同光源（钨丝灯、荧光灯、LED、自然光）的显色指数（CRI）对色彩准确性的影响，并教授读者如何通过准确的白平衡设置，为后期处理打下最坚实的基础。 更重要的是，我们将探讨人类视觉系统对色彩的感知机制。色彩心理学在摄影中的应用至关重要。例如，蓝色调如何引发平静感或疏离感？暖色调如何增强作品的活力与亲密感？不同文化背景下对特定色彩的解读差异如何影响全球传播的作品效果？通过大量的案例分析，读者将学会如何有目的地运用色彩来引导观众的视线，烘托特定的情绪氛围，实现“用色彩讲故事”的境界。 第二部分：从捕捉到重建——文件格式与色彩空间的选择 数字摄影的色彩质量，很大程度上取决于前期数据的记录方式。本章将对RAW格式与JPEG格式进行一次彻底的“拆解分析”。我们详细说明了RAW文件所蕴含的丰富动态范围和色彩深度（12位、14位乃至16位）的真正价值，以及为什么专业摄影师必须依赖它进行创作。 色彩空间的选择是另一个关键议题。本书会深入对比sRGB、Adobe RGB (1998) 和 ProPhoto RGB 三大主流色彩空间。我们将指导读者：在什么情况下应使用广色域的ProPhoto RGB来最大化保留色彩信息？在将作品发布到网络或进行标准打印时，又该如何进行安全有效的色彩空间转换（Conversion）和软校对（Soft Proofing），以避免“色彩漂移”和意料之外的色域限制问题？ 第三部分：数字暗房的艺术——精修工作流的深度实践 这是本书的核心实操部分，我们基于业界最主流的几款专业图像处理软件（如Adobe Lightroom Classic和Photoshop），构建了一套高效、非破坏性的精修工作流程。 1. 基础曝光与影调的重塑： 我们将超越“拉高阴影”和“压低高光”的基础操作，引入直方图的高级解读技术，讲解如何利用曲线工具（Tone Curve）进行精细的S形曲线、通道分离曲线，实现对画面对比度和影调层次的雕塑。内容涵盖“去死白”和“去死黑”的精确控制，以及如何利用高光/阴影分离技术来恢复细节。 2. 色彩的精妙雕琢——HSL与分离色调： HSL（色相、饱和度、明度）工具不再是简单的滑块游戏。我们将展示如何利用色相的微调来校正环境光对色彩的干扰，如何通过饱和度来控制画面的视觉“重量感”，以及明度调整对主体突出的贡献。重点讲解“分离色调”（Split Toning）在营造电影感色彩风格中的强大作用，例如经典的好莱坞“青橙对比”的精确实现。 3. 局部调整的魔力与蒙版技术： 许多平庸的照片与杰作的差距，就在于局部调整的精细程度。本书将花费大量篇幅讲解如何利用径向滤镜、渐变滤镜、以及（在Photoshop中）复杂的蒙版技术，实现“在哪里调”比“调什么”更重要的原则。这包括如何精确地提亮眼睛、压暗天空边缘、或者增强前景的细节，而完全不影响画面其他部分。 4. 锐化与降噪的平衡之道： 锐化是“看得见”的提升，降噪是“看不见”的守护。我们将解析“输出锐化”与“捕获锐化”的区别，教授如何在保留图像自然质感的前提下，最大化细节的清晰度，同时使用蒙版技术，只在需要锐化的区域进行处理，避免噪点被放大。 第四部分：风格化与色彩叙事——迈向个性化表达 在掌握了基础技术后，本书将引导读者进入更具创造性的领域——建立个人色彩风格。 1. 预设（Preset）的科学创建与管理： 如何将一套成功的调整参数固化为一个可复用的预设？我们不仅教你如何保存，更教你如何“诊断”一个预设的色彩倾向，并根据不同场景进行快速微调，避免“一键套用”带来的僵硬感。 2. 跨平台色彩管理： 从显示器到打印机，色彩的旅程永无止境。我们将教授如何使用校色仪对显示器进行精确校准，确保屏幕显示的色彩是“真实可信”的。对于有打印需求的读者，本书会详细讲解ICC Profile的理解与应用，确保屏幕上的“流光溢彩”能准确地复刻在纸张上。 3. 纹理、颗粒与画质的最后润饰： 最后，我们将讨论如何通过添加适量的胶片颗粒、或微妙的暗角（Vignetting）来赋予数字图像以模拟时代的质感与深度。这些看似细微的调整，往往是决定作品“温度”和“氛围”的关键所在。 总结： 《流光溢彩：数字摄影的色彩魔法与后期精修》不仅仅是一本软件操作手册，它是一部关于“如何用色彩思维进行观察和表达”的视觉哲学指南。通过严谨的技术剖析和大量的实战案例，读者将能够彻底摆脱“瞎调”的困境，真正掌控画面中的每一滴色彩，让自己的数字作品达到专业水准，焕发出前所未有的生命力与艺术感染力。本书将是您数字图像创作工具箱中，最具价值的色彩指南。

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这本书的深度远远超出了我最初的预估，它简直像一本“解剖学”指南，但剖析的对象是光线和形状。我过去总是在描绘物体表面的纹理上耗费大量精力，却忽略了物体本身的“体量感”。这本书的一个核心观点是——“形体是光线雕刻出来的”，这个认知彻底改变了我对素描的理解。书中详细地分析了不同光源（点光源、面光源、散射光）对物体边缘、高光和投影的影响。作者通过大量的对比图，清晰地展示了如何通过精确捕捉“中间调”的变化，来塑造出体积的厚重感和真实感。特别是关于“反光”的处理，书中给出了几种非常实用的技巧，帮助读者避免画面过于“平坦”的问题。我过去画的苹果总像贴在纸上一样，读了这本书后，我发现关键在于捕捉物体边缘与背景光线的微妙互动。此外，本书还穿插了一些关于“材料选择”的深度探讨，比如不同品牌的炭精条在塑形能力和显色度上的差异，这些信息对于追求专业效果的读者来说，是极其宝贵的“内幕知识”。

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说实话，我拿到这本画册的时候，心里是抱着一丝怀疑的。市面上的绘画教程汗牛充栋，真正能让人眼前一亮、并且能切实提升水平的，凤毛麟角。但这本书，彻底颠覆了我的预期。它的精彩之处在于对“材料特性”的深刻挖掘和对“个人风格”的鼓励。它不是简单地教你一套固定的“模板”，而是深入探讨了不同纸张纹理如何影响线条的表现力，以及不同硬度铅笔在同一场景下能产生何种戏剧性的效果。我过去总觉得，画面的“情绪”很难捕捉，往往画出来的东西总是平淡无奇。而这本书中对“氛围营造”的处理，简直达到了出神入化的地步。作者通过一系列富有挑战性的静物和风景写生，展示了如何利用线条的粗细变化和排线的疏密对比，来暗示时间的流逝、天气的变化，甚至是人物的内心世界。阅读过程中，我感觉自己不仅仅是在学习绘画技巧，更是在学习如何用视觉语言进行有效的情感交流。特别是关于阴影的处理，书中给出的建议是“让阴影成为画面的叙事者”，而不是简单的暗色块堆砌，这个观点非常新颖，极大地激发了我对后续练习的动力。

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这本书简直是艺术殿堂里的一颗璀璨明珠！我一直对素描和速写情有独钟，尤其是那些能用最简洁线条勾勒出复杂光影和结构的功力，总让我心生敬畏。这本书无疑就是打开这扇大门的金钥匙。它没有那种高高在上、晦涩难懂的理论说教，而是用一种极其亲和、近乎手把手的姿态，引领读者进入光影和透视的奇妙世界。我尤其欣赏其中关于“观察”的章节，作者强调的不是机械地复制对象，而是要用画家的眼睛去“理解”结构、体积和空间关系，这一点对于我这种总是在“描”而不是“画”的初学者来说，简直是醍醐灌顶。书中的案例解析非常详尽，从最基础的点、线、面开始，如何用不同的笔触表现出材料的质感——比如光滑的金属、粗粝的木头，或是柔软的布料，都通过丰富的图例和细致的步骤分解，让人一目了然。翻开这本书，感觉自己就像是坐进了一个大师的工作室，空气中弥漫着石墨和炭条特有的气息，每一个翻页都充满了学习的渴望。我迫不及待地想拿起笔，去实践那些关于构图平衡和明暗过渡的精妙技巧。这不仅仅是一本技法书，更是一本关于如何“看世界”的哲学指南。

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这本书的装帧设计和版式布局，本身就是一种艺术享受。封面设计简约而不失力量感，内页的纸张质感也十分考究，保证了即便是彩色印刷的插图，也能忠实地还原出原作中细腻的灰阶变化。我最欣赏的是它在“理论与实践”之间的完美平衡。很多教程，要么过于偏重理论，让人读了昏昏欲睡；要么就是纯粹的步骤图解，缺失了背后的逻辑支撑。而这本作品，巧妙地将复杂的视觉原理，拆解成一个个易于理解的小模块。比如，在讲解“透视原理”时，它没有采用枯燥的几何公式推导，而是结合了建筑速写的实例，直观地展示了消失点如何引导视线，如何通过预缩和层叠来创造景深。对于我这种对数学概念不太敏感的艺术爱好者来说，这种“视觉化教学”的方法效率高得惊人。读完关于空间感的章节后，我立刻拿起本子，对着窗外的街景进行尝试，那种豁然开朗的感觉，是很多其他书籍都未能给予的。这本书的价值，在于它教会了你“思考如何下笔”，而非仅仅是“模仿如何下笔”。

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这是一本极具“人文关怀”的艺术书籍。它不仅关注“如何画好”，更关注“为何而画”。书中收录的范例，很多都带有强烈的个人印记和故事性，这使得学习过程不再是冰冷的机械训练，而是一场富有情感共鸣的旅程。我特别喜欢其中关于“环境光与色彩关系”的探讨，尽管这是一本侧重于单色表现的书籍，但作者通过对灰阶的精准把控，巧妙地暗示了环境色对黑白灰层次的影响，为日后转向彩色媒介打下了坚实的基础。它教会了我如何用最朴素的黑白关系，去表达最丰富的情感层次，比如用极重的阴影表达压抑，用柔和的过渡来营造宁静。这本书的语言风格非常富有激情和感染力，读起来让人心潮澎湃，充满了创作的冲动。它似乎在对读者说：拿起工具，去记录你眼中所见，去表达你心中所感。这绝对是一本值得反复研读，并能伴随画家长期成长的经典之作。

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其实钢笔画这种东西一定要下笔果断肯定，线条就是生命。而且画画时候的主次和构图也非常重要——不要一味追求象照片，感觉出来了就很好。作为入门教材，这本很合适。

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可以用来临摹，还不错

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可以用来临摹，还不错

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其实钢笔画这种东西一定要下笔果断肯定，线条就是生命。而且画画时候的主次和构图也非常重要——不要一味追求象照片，感觉出来了就很好。作为入门教材，这本很合适。

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可以用来临摹，还不错