具体描述
本书是为音乐学院作曲系的本科学生而写，力图以“风格”为中心，以“组织”为总纲，从千变万化、令人目眩的音乐现象中，从古到今杂乱繁复的思维中，抓住两个要点：模仿与创造，引导学生通过对各种音乐风格的亲身模仿，学习历代大师所发现音乐奥秘，获得真谛，在此基础上激发自身的无穷创造热情。内容分八编：旋律写作、节奏集合模型、为一至两件乐器写作、模仿写作、前奏曲写作、歌曲写作、奏鸣曲写作，共24章。
本书具有以下显著特点：
一 科学性。此教程布局严密，逻辑性强，循序渐进，由音线条写作入手，从旋律形态到调式交替，到节奏模型，然后进入为一件、两年乐器写作，再进而强调组织方式，从前奏曲、歌曲等简单结构进入变奏曲、奏鸣曲等高级结构，其程序编排既有科学性又具操作性。
二 实用性。本书习题的设计十分有趣。无论旋律写作习题还是艺术歌曲或器乐写作习题，都精心筹划，内藏玄机，针对性强，目的清楚。这说明，传统与现代并不割裂。只有用现代的眼光观察传统，才能将传统为我所用，才能在现代的今天做出新的创造来。
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读后感
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用户评价
这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种沉稳的墨绿色调配上手写体的书名，一下子就抓住了我的眼球，透露出一种经得起时间考验的厚重感。我本来以为会是一本枯燥的理论教材，结果翻开之后发现，排版非常讲究，很多乐谱的例子都清晰地标注了指法和和声进行，看得出来作者在细节上下了很大的功夫。我尤其欣赏它在介绍巴赫对位法时，并没有简单地罗列规则，而是结合了大量的实例，用一种近乎讲故事的方式，把那些复杂的声部交织的逻辑慢慢地剖析开来，即便是我这个半路出家的学习者，也能大致领略到那种精妙的结构美感。它不是那种填鸭式的教学，更像是一位经验丰富的老教授，在你耳边轻声细语地讲解，引导你去发现音乐背后的规律，而不是死记硬背。读完第一部分，我已经对接下来的内容充满了期待，它成功地激发了我对古典音乐理论更深层次的探索欲，这种感觉太棒了，让人觉得拿起这本书不仅仅是在学习，更像是一场与伟大作曲家灵魂的对话。
评分作为一名业余的钢琴演奏者，我发现这本书对我的演奏实践产生了意想不到的积极影响。很多时候，我们在练习曲目时，只关注指法的连贯性和速度的准确性，却忽略了旋律线内部的呼吸感和层次感。这本书对声部线条的细致划分和动态标记的解读，让我重新审视了那些我练习了无数遍的乐段。比如，在分析一首舒伯特的艺术歌曲时，作者特别指出了钢琴伴奏中那些看似不起眼的装饰音，其实是如何巧妙地衬托人声的起伏，以及在某一小节中，低音声部如何通过减弱力度来“让出空间”给高音声部。这不再是单纯的技术指导，而是一种深层次的“聆听训练”。它教会我如何用“作曲家”的思维去解读乐谱，而不是仅仅作为一个“演奏者”。虽然书中没有直接给出钢琴练习曲，但它提供的分析框架，足以让我把手里所有的曲谱都用一种全新的、更具目的性的方式去重新处理，让演奏听起来更具逻辑性和情感深度。
评分坦白说，我买这本书是冲着它被推荐为“现代作曲技法入门”的，但读完前几章我不得不承认，我的期望值可能有点跑偏了。这本书的视角似乎更专注于十八、十九世纪欧洲的“标准”语境，对于二十世纪以来，比如序列主义、偶然音乐或者电子音乐这些领域，几乎没有涉及，这让我这个对德彪西之后音乐更感兴趣的读者来说，多少有些失落。不过，抛开现代性不谈，它在传统和声与曲式分析方面的功力是毋庸置疑的，特别是关于奏鸣曲式展开部的处理，作者提出了几个非常独特的观察角度，比如如何通过主题动机的碎片化重组来制造张力，这一点比我之前看过的任何教材都要深入和透彻。书中的分析案例选材非常经典，从莫扎特的钢琴奏鸣曲到勃拉姆斯的室内乐，无一不是经过时间检验的杰作，这保证了理论的可靠性，但也限制了其适用范围。对于想打好坚实基础的人来说，这本书是无价之宝，但对于寻求突破传统边界的创作者而言，可能需要再搭配一些更具前瞻性的读物。
评分这本书的学术深度毋庸置疑，注释和引用的文献列表非常详尽，横跨了德奥主要音乐学派的经典著作，显示了作者深厚的学术背景。但是，我必须指出，对于初学者来说，这本书的门槛实在有点高。它的语言风格非常“学术化”，充斥着许多专业术语，很多概念的引入都没有做充分的上下文解释，比如“序列中心”、“调性消解”这类词汇，如果你没有事先阅读过相关的音乐史或美学书籍，很容易在第一章就被劝退。我花了很长时间才适应这种高密度的信息输入节奏。此外，随书附带的听力材料光盘（如果它有的话）似乎也更侧重于展示“范例”，而不是提供练习性的、可以模仿创作的片段。总而言之，它更像是一部面向研究生或专业音乐教师的“参考辞典”或“思想碰撞的场域”，而不是一本面向大众的普及读物。想要啃下这本书，需要做好打持久战的心理准备，以及必要的预备知识储备。
评分这本书的作者显然是一个有着极高审美追求的人，他的文字风格带着一种近乎古典主义的严谨和克制，逻辑链条衔接得天衣无缝，让人几乎找不到可以质疑的空隙。我最喜欢它处理“情感表达”和“技术手段”关系的方式。它没有陷入“技术至上”的泥潭，也没有过度渲染浪漫主义的感性，而是非常冷静地展示了，是如何通过特定的和声进行、节奏处理或者配器选择，来精确地达成作曲家想要营造的听觉效果。比如，在讲解如何处理小调的悲剧性时，它不是简单地说“用降六级和弦”，而是详细分析了不同音高在不同声部中的作用，以及这种声音组合如何激活听众内心深处的共鸣。这种将“心性”与“技艺”完美结合的阐述方式，让我对音乐的理解提升到了一个新的哲学层面——原来音乐的伟大，并非偶然，而是严密计算与深刻洞察的产物。阅读过程需要高度集中注意力，因为它每一个论断都建立在前面无数个铺垫之上，但最终的收获是巨大的，仿佛推开了一扇通往音乐结构核心的大门。
评分这本书就没怎么翻过。。
评分读完那本音乐信仰后很景仰赵晓生，不愧上音教授。不过这本根据上课内容整理的作曲技法实在不系统。粗略的调式、配器、旋律节奏带过后就是作品分析而已。
评分毕业就给烧了。。T-T
评分还是不错的作曲教材
评分就是一推垃圾
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