席勒油画.水彩

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出版者:吉林美术出版社
作者:亚力 编
出品人:
页数:111
译者:
出版时间:2004-1
价格:49.00元
装帧:
isbn号码:9787538614749
丛书系列:
图书标签:
  • 席勒
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具体描述

埃贡.席勒,出生于奥地利的图尔恩,逝于维也纳。16岁的席勒考入维也纳美术学院,在克里木特指导下学习,并结识了科柯施卡。他的画最初受学院派和印象派影响,打下坚实的造型基础。当他结识克里木特和科柯施卡之后,作品具有明显的装饰风格,这表明他受到新艺术派——青年风格阿拉伯式图案的强烈影响。如果说克里木特的艺术是从象征主义走向表现主义,而席勒则已走进纯粹的表现主义天地。

席勒后期的艺术不仅受到瑞士的霍德勒影响,还直接受尼采和佛洛伊德心理学的启迪。他毫不掩饰地表现了那个时代人的心理和情感,他所描绘的人物和景物都不是静态的,无论是什么样的形态都像处在惊恐不安状态,生的欲望和死的威胁交织成可怕的阴影,始终笼罩着他的作品。他笔下的人物形体瘦长,那冷峻刚直的线条令人震颤,他强调形象清晰的外轮廓,喜欢用红、黄和黑色来表现强烈的情绪。他除对人物表情动作的夸张刻画外,着意描绘人物神经质的情绪。为了创作他处于紧张不安的人物情态,他还深入到疯人院去研究精神病人的神态和动作,表现出一种类似哑语的动作表情,令人感动不已。

1915年第一次大战中他被征入奥地利陆军,他在军中仍继续作画,达到多产和高水平。他的艺术风格在表现派中是独一无二的。

《席勒油画水彩/环球美术家视点系列》编辑奥地利19世纪末20世纪初的著名表现主义画家埃贡·席勒的油画·水彩作品97幅,在序文中详尽介绍了席勒的生平,艺术特色及绘画理念,对当代多元化的美术发展趋势将起到丰富和推动作用。

艺术的边界与心灵的交响:一部关于印象派大师莫奈的深度研究 图书名称:光影的私语:克劳德·莫奈的生命、风景与色彩革命 图书简介 本书是一部翔实而富有洞察力的传记性艺术史著作,专注于剖析十九世纪法国印象派的奠基人——克劳德·莫奈(Claude Monet)的创作历程、美学思想及其对现代艺术产生的深远影响。它并非简单地罗列莫奈的生平事迹,而是将他的艺术生涯置于其所处的时代背景、社会变迁以及个人情感的复杂脉络之中进行深入解读。 一、时代的脉搏与艺术的觉醒 本书的第一部分,聚焦于莫奈早年的探索与挣扎。详细描绘了十九世纪中叶巴黎艺术沙龙的僵化氛围,以及年轻的莫奈如何与巴比松画派(特别是布丹)相遇,从而开启了他对“户外写生”(Plein Air)的执着追求。我们探究了莫奈如何敏锐地捕捉工业革命后,城市与乡村景观的快速演变。从勒阿弗尔港口的蒸汽与雾霭,到巴黎周边小镇的日常场景,莫奈拒绝了学院派对历史题材和古典主题的偏爱,转而将目光投向了转瞬即逝的自然光线、大气现象以及日常生活中的琐碎瞬间。 特别值得一提的是,本书对早期印象派展览的记载细致入微。通过大量的信件、日记片段以及当时的评论文章,读者可以重温“印象派”名称的由来——那幅著名的《印象,日出》。我们分析了这种“印象”背后所蕴含的哲学思考:艺术不再是对客观现实的精确复制,而是主体对外部世界瞬间感受的捕捉与记录。 二、色彩的科学与视觉的革命 本书的核心部分,深入剖析了莫奈的技法革新。这部分内容兼具艺术鉴赏的感性与科学分析的理性。 1. 光谱的解析与笔触的舞蹈: 我们详细考察了莫奈如何系统地研究色彩理论,特别是他如何利用互补色、并置色来模拟光线的振动感。书中配有大量高分辨率的图版对比分析,清晰展示了莫奈早期使用更厚重、更具物质感的颜料层,如何逐渐演变为后期那种近乎透明、如同光斑拼贴的“分割色点”技法。这些笔触不再是描绘物体的手段,它们本身就成为了光线和空气的载体。 2. 连作研究的开端与本质: 书中花费大量篇幅探讨了莫奈对“连作”(Series)形式的开创性实践。从早期的《干草堆》到中期的《鲁昂大教堂》,再到晚期的《白杨树》,我们探讨了莫奈进行连作的真正目的:他追求的不是同一物体的不同角度,而是同一物体在不同时间、不同气候条件下,光线对物体固有色彩和形态所产生的持续性变化。这是一种对时间维度的视觉探索,将时间流逝的无形体验,物化在了画布之上。 三、吉维尼:人造天堂与精神的归宿 本书第三部分将视角转向了莫奈晚年最重要的“创作基地”——吉维尼(Giverny)。这里不仅仅是莫奈的家园,更是他艺术理念的终极试验场。 1. 园艺与艺术的融合: 我们描绘了莫奈如何倾注毕生心血,精心设计和维护他的花园,特别是那著名的睡莲池和日本桥。吉维尼不再是自然,而是经过艺术家的审美选择、干预和提炼后的“人造自然”。园艺成为了他获取创作灵感的永恒源泉,是他实现“整体艺术”(Gesamtkunstwerk)理想的物化体现。 2. 最后的沉思:睡莲的史诗: 最后的章节,集中探讨了莫奈晚年最宏大也最神秘的系列作品——《睡莲》。本书分析了这些巨幅画作在构图上的大胆突破:完全取消了地平线,模糊了天空与水面的界限,使观者仿佛置身于水面上,被色彩的漩涡完全包围。我们探讨了这些作品在艺术史上的“抽象先驱”地位,以及它们背后所流露出的对生命、衰老和虚无的深刻哲学思考。这些画作,是莫奈以生命最后的视觉能量,对光与永恒的终极追问。 总结 《光影的私语》旨在提供一个立体、多维度的莫奈形象:一个不屈服于传统、却又深深扎根于对自然观察的艺术家;一个用科学般的严谨态度去解构色彩,却又将画面注入了无限诗意的哲人。本书通过对文献、画作、时代精神的细致梳理,带领读者超越表面对印象派“明亮色彩”的肤浅认知,直抵克劳德·莫奈这位大师如何用画笔重新定义了“观看”本身。

作者简介

目录信息

读后感

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金基德当导演以前是搞美术的,这在他的电影里可以明显地看到,那是一种潜移默化的艺术气质,也决定了他的电影中有着一种不同于别人的形式艺术美,尽管他的电影表现的是扭曲的人性与病态! 而他的这个特点,源于他受到一位西方画家的作品影响。 他的电影《坏小子》和《情色屋檐...  

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金基德当导演以前是搞美术的,这在他的电影里可以明显地看到,那是一种潜移默化的艺术气质,也决定了他的电影中有着一种不同于别人的形式艺术美,尽管他的电影表现的是扭曲的人性与病态! 而他的这个特点,源于他受到一位西方画家的作品影响。 他的电影《坏小子》和《情色屋檐...  

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金基德当导演以前是搞美术的,这在他的电影里可以明显地看到,那是一种潜移默化的艺术气质,也决定了他的电影中有着一种不同于别人的形式艺术美,尽管他的电影表现的是扭曲的人性与病态! 而他的这个特点,源于他受到一位西方画家的作品影响。 他的电影《坏小子》和《情色屋檐...  

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第一次看他介绍和画册的时候没什么感觉。。直到现在才慢慢体会到他画中那种特别的病态,精神质的画中的那种美感,线条的流畅,猩红的颜色,也让人感觉他到他对艺术的追求。。

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金基德当导演以前是搞美术的,这在他的电影里可以明显地看到,那是一种潜移默化的艺术气质,也决定了他的电影中有着一种不同于别人的形式艺术美,尽管他的电影表现的是扭曲的人性与病态! 而他的这个特点,源于他受到一位西方画家的作品影响。 他的电影《坏小子》和《情色屋檐...  

用户评价

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我对席勒的画一直有一种复杂的情感。他的作品,总是带有一种强烈的、几乎是令人不安的吸引力。这本书《席勒油画·水彩》恰恰捕捉到了这一点。我印象最深刻的是其中一幅描绘“死亡与少女”主题的油画。画面上的死亡形象并非传统意义上的骷髅,而是一个带着某种悲悯和残酷的眼神的男人,他拥抱着一个惊恐又带着一丝魅惑的少女。席勒在这里对色彩的运用极其大胆,死亡的形象用了一种暗沉的、带有死亡气息的墨绿色,而少女的肌肤则呈现出一种苍白中带着血色的鲜活感,这种强烈的色彩对比,进一步加剧了画面的张力。我反复琢磨这张画,感觉席勒在探讨的不仅仅是生与死的界限,更是生命在面临终结时那种复杂的心绪。书中对水彩作品的呈现也让我眼前一亮。我之前对席勒的印象多停留在他的油画,认为他的风格是厚重而浓烈的。但书中的水彩作品,虽然也保留了席勒的线条张力和情感强度,却显得更加飘逸和写意。特别是有一幅水彩速写,寥寥几笔就勾勒出一个充满动态的人物,那种瞬间的捕捉和情感的传递,让我感到非常惊叹。我能想象到席勒在创作这些水彩时,一定是快速而专注的,试图抓住一闪而过的灵感。这本书的装帧设计也很好,纸张的质感很舒服,图片印刷也清晰,能够很好地还原画作的细节。读这本书,就像是在与席勒进行一场跨越时空的对话,我试图理解他那些充满原始冲动和对生命本质的探索。

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席勒的画,就像一场无声的呐喊,总能引起我内心深处的共鸣。这本书《席勒油画·水彩》恰恰将这种呐喊的力量,通过油画和水彩两种媒介,淋漓尽致地展现了出来。我至今难忘的是其中一幅油画,描绘的是一个年轻女子的背影,她的肩膀微微下垂,身体线条显得有些僵硬。画面整体色调偏暗,但在一抹夕阳的余晖下,她的头发却泛着金黄的光泽,形成一种强烈的对比。席勒在这里对色彩的运用,将人物内心的孤独和一种微弱的希望感交织在一起。我能感受到,席勒在描绘这个背影时,是在捕捉一种稍纵即逝的情绪,一种在孤独中寻求慰藉的挣扎。而书中收录的水彩画,则展现了席勒更为轻盈和写意的一面。有一幅水彩,画的是几位贵妇的肖像,她们的面部表情带着一丝傲慢和冷漠,但她们的双手却显得异常纤细和脆弱。席勒用那些细腻的笔触和柔和的色彩,勾勒出了一种表面风光下的内心空虚。我能感觉到,席勒在画这些贵妇时,是在审视那个时代的浮华和虚伪。总的来说,这本书,让我看到了席勒作品的深度,他不仅仅是描绘外在的形态,更是深入挖掘人物的内心世界。

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我一直觉得,席勒的画就像一部浓缩的人生剧。他在画布上展现的,不仅仅是外在的形态,更是内在的灵魂的挣扎。这本《席勒油画·水彩》对我来说,就像是一本他未曾写下的自传。我尤其被其中一幅油画所吸引,画面上是一个男人,他的身体仿佛被无形的绳索捆绑,表情痛苦而绝望。但他的眼神,却依然充满了倔强和不屈。席勒在油画中对光影的运用,将人物的脸部塑造得极具立体感,那种深深的皱纹和眼角的阴影,无不透露出这个男人经历过的沧桑。我能感受到他内心的呐喊,那种想要挣脱束缚,却又无处可逃的无力感。而书中收录的水彩画,则展现了席勒更为写意和纯粹的一面。有一幅水彩,描绘的是一群裸体的女性,她们的身姿并不完美,甚至有些畸形,但席勒用那些鲜活的色彩,赋予了她们一种原始的美感。她们的身体线条流畅而充满力量,仿佛在表达一种对自然的回归和对生命的赞颂。我反复欣赏这张画,感觉席勒在这里,是在挑战当时社会对美的定义,是在歌颂那些被忽视的、不完美却真实的生命。这本书,让我看到了席勒作品中隐藏的复杂性,他既描绘了人性的阴暗面,也歌颂了生命的顽强和美好。

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席勒的作品,对我来说,总有一种“疼痛的美学”。他的画,不是那种让人感到舒适的,而是会让你在疼痛中感受到一种别样的美。这本书《席勒油画·水彩》则很好地将这种疼痛的美学呈现了出来。我印象最深刻的是一幅油画,描绘的是一个男人,他的身体被一种难以名状的痛苦所折磨,但他眼神中的倔强却不曾减退。席勒用油画颜料的浓烈色彩和扭曲的线条,将人物内心的挣扎和痛苦描绘得淋漓尽致。我能感觉到,席勒在创作这张画时,是在审视人生的苦难,也是在歌颂人性的坚韧。而书中收录的水彩画,则展现了席勒更为细腻和抒情的一面。有一幅水彩,画的是几位女性的侧影,她们的面部表情略显忧郁,但她们的姿态却显得优雅而宁静。席勒用那些柔和的色彩和流畅的笔触,勾勒出了一种在孤独中寻求慰藉的美感。我能感觉到,席勒在画这些女性时,是在探索女性的内心世界,也是在歌颂她们内在的力量。总的来说,这本书,让我看到了席勒作品的深度,他既能深刻地描绘人性的痛苦,也能细腻地展现人性的美好。

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我对席勒的画,一直觉得他有一种“直击灵魂”的力量。他的作品,往往带着一种无法回避的真实感,即使那种真实感是痛苦的、扭曲的。这本书《席勒油画·水彩》则很好地呈现了这种力量。我最喜欢的一幅油画,描绘的是一个病态的身体,但那种病态却又透着一种奇异的美感。画中的人物仿佛被剥离了所有的伪装,只剩下最原始的生命体征。席勒用油画颜料的肌理感,将这种皮肤的纹理、骨骼的轮廓都表现得极其细腻,让人不由自主地想要去触摸,去感受那种生命的脆弱。我能感觉到,席勒在创作这张画时,是在探讨生命的极限,是在审视人体的本质。而书中收录的水彩画,则展现了席勒更为奔放和自由的一面。有一幅水彩,画的是一群舞蹈者,她们的身体以一种夸张的姿态扭动着,仿佛在燃烧着生命的热情。席勒用那些流动的色彩,捕捉到了她们身体的律动和情感的释放,那种生命的活力,让我感到震撼。我能感觉到,席勒在画这些舞者时,是带着一种对生命的热爱和对自由的向往。总的来说,这本书,让我看到了席勒作品的丰富性,他既能深刻地描绘人性的痛苦,也能热情地歌颂生命的活力。

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席勒的作品,总让我有一种“惊心动魄”的感觉。他的画,不是那种放在那里静静欣赏的“装饰品”,而是会与你进行一场激烈的对话。这本《席勒油画·水彩》就是这样一本让我感到“活着”的书。我印象最深刻的是一幅油画,描绘的是一个身着华丽服饰的女人,她的脸被浓重的妆容掩盖,眼神却显得空洞而迷离。她身上的服饰色彩斑斓,却无法遮盖她内心的孤寂和不安。席勒用油画颜料的厚重感,将这种繁华背后的空虚描绘得淋漓尽致。我能感觉到,席勒在创作这张画时,是在批判当时社会对女性的物化和标签化,是在揭示她们看似光鲜外表下的内心挣扎。而书中收录的水彩画,则展现了席勒更为直接和原始的情感表达。有一幅水彩,画的是几个孩童在嬉戏的场景,但他们的表情却带着一丝忧伤,他们的动作也显得有些僵硬。席勒用那些略显单薄的水彩,勾勒出了一种童年被剥夺的纯真和不安。我能感觉到,席勒在画这些孩子时,是带着一种悲悯和同情的。他并没有回避他们内心的痛苦,而是用他特有的方式,将这份痛苦呈现出来。总的来说,这本书,让我对席勒的作品有了更深的理解,他不仅仅是一个表现主义画家,更是一个深刻的社会观察者和人性的探索者。

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这本《席勒油画·水彩》的书,怎么说呢,拿到手里的时候,其实心里是有点忐忑的。我一直对席勒的画作情有独钟,尤其迷恋他那种尖锐、扭曲、却又充满生命张力的表现手法。但“油画·水彩”这个标题,我总觉得有点过于概括,担心它是否能真正深入挖掘席勒在这两种媒介上的独特魅力。然而,当我翻开第一页,那鲜活的色彩,那充满力量的笔触,瞬间就击中了我。我最喜欢的一幅作品,是其中一幅水彩肖像,画中人物的眼神,那种既迷离又坚定,仿佛能穿透纸张直抵人心。我反复研究了很久,试图去理解席勒是如何用最简单的颜色和线条,勾勒出如此复杂而深刻的情感。书中的图版印刷质量非常高,色彩还原度令人惊喜,甚至能看到画布的纹理和颜料的堆叠感,这对于我这样的普通读者来说,已经是极大的满足了。我还注意到,书中收录了一些之前我很少见到的席勒的作品,这让我感到非常惊喜。有一幅油画,描绘的是一场狂欢的场景,人物扭曲的肢体和夸张的面部表情,虽然带着一丝不安,却又充满了原始的生命力,那种生命力的迸发,让我在观赏时感到一种莫名的兴奋。我非常好奇,席勒在创作这些作品的时候,内心经历了怎样的挣扎和呐喊。这本书,不仅仅是一本画册,它更像是一扇窗,让我得以窥探席勒那个充满激情与痛苦的内心世界。我特别欣赏书中的一些解读文字,虽然不是学院派的学术论述,但以一种更贴近读者的语言,讲述了作品背后的故事和席勒的创作理念,让我对这些画作有了更深的理解。总而言之,这本书给了我太多的惊喜,它满足了我对席勒艺术的期待,甚至超越了我的想象。

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说起来,我并不是席勒的“铁粉”,但对他作品中的那种“情绪”一直很有兴趣。总觉得他的画不是为了“好看”而画,而是为了“说出来”而画。这本书《席勒油画·水彩》恰恰满足了我这一点。我最喜欢的一幅油画,是一个孩童的肖像。与其说是肖像,不如说是一个被成人世界污染的童年的象征。孩子的眼睛里没有天真,取而代之的是一种早熟的、带着惊恐的眼神,仿佛看穿了太多不该他看的东西。他的脸颊也因为某种压抑而显得异常苍白,但那种微微泛红的嘴唇,又显得那么脆弱,让人忍不住想要保护。席勒在这里对油画颜料的运用,那种厚重感和层次感,将孩子内心的不安和脆弱表现得淋漓尽致。而书中收录的水彩画,则展现了席勒另一种更为直接和纯粹的一面。有一幅水彩,画的是几个舞女的群像,她们的身体被拉伸,姿态扭曲,但那种飞扬的裙摆和灵动的线条,却又透着一种奔放的热情。我能感觉到席勒在画她们时,并没有刻意去追求写实,而是将目光聚焦在她们身体的律动和情感的释放上。他用那些灵动的色彩,捕捉到了她们短暂的、充满生命力的瞬间。这本书让我看到了席勒作品的丰富性,不仅仅是沉重和压抑,也有那种对生命本能的渴望和释放。总的来说,这本书,让我对席勒的理解,从单一的“痛苦的艺术家”变成了一个更加立体、更加生动的人物。

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说实话,当初买《席勒油画·水彩》纯粹是出于好奇。我对艺术史了解不多,对席勒这个名字也仅是模糊的印象,大概知道是一位德国的表现主义画家。拿到书后,我花了很长时间在目录页和前言上徘徊,试图找到一个入口,能够让我这个艺术小白也能看懂。当我真正开始翻阅,被那些画作所震撼了。特别是那些油画作品,色彩浓烈得有些刺眼,线条粗犷而充满力量,人物的形态扭曲、怪诞,但又透着一股难以言喻的生命力。其中有一幅作品,描绘的是一个年轻女子的肖像,她的脸被拉长,眼神空洞,但她的双手却紧紧地握着,仿佛在极力抓住什么。我反复看了好几遍,试图去解读她内心的痛苦和绝望,以及那份微弱的希望。这本书的排版设计也很用心,每一幅画作都有足够的留白,让你能够静下心来仔细欣赏,不像有些画册,恨不得把所有东西都塞在同一页。我发现,席勒的作品,即使在如此扭曲和不安的外表下,依然能够触动人内心最深处的情感。书中对水彩作品的收录也让我耳目一新,与油画的厚重和强烈不同,水彩显得更加轻盈、灵动,但依然保留了席勒那种独特的表现力。有一幅水彩风景画,虽然没有具体描绘某个地点,但那种氤氲的色彩和模糊的轮廓,却营造出一种难以言说的忧伤和孤寂感。我感觉,席勒就像一位解剖大师,他用画笔毫不留情地剥开人性的外衣,展现出隐藏在最深处的欲望、恐惧和挣扎。这本书,就像一次深入的心理探索,让我对人性有了更深的思考。

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我对席勒的画,总是觉得他有一种“原始的野性”。他的作品,不是那种经过雕琢的美,而是直接从内心喷涌而出的生命力。这本书《席勒油画·水彩》则很好地捕捉到了这种野性。我最喜欢的一幅油画,描绘的是一群人在狂欢的场景,他们的身体扭曲,面部表情夸张,仿佛置身于一种失控的状态。席勒用油画颜料的厚重感和粗犷的笔触,将这种原始的生命冲动描绘得淋漓尽致。我能感觉到,席勒在创作这张画时,是在探索人性中最原始的欲望和释放。而书中收录的水彩画,则展现了席勒更为奔放和自由的一面。有一幅水彩,画的是一匹奔腾的骏马,它的鬃毛飞扬,肌肉线条流畅,充满了力量和速度感。席勒用那些灵动的色彩和快速的笔触,捕捉到了马匹的野性和自由。我能感觉到,席勒在画这匹马时,是在歌颂生命本身的活力和激情。总的来说,这本书,让我看到了席勒作品的张力,他既能深刻地描绘人性的复杂,也能热情地歌颂生命的力量。

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大爱的速写~~学习的范本~

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李鑫的

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风格不适合我

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风格不适合我

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非常非常地高端时尚,您看了就知道

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