具体描述
本书编著者刘茵茵现居澳大利亚,是一位对当代中国艺术及公众艺术有丰富经验的策展人,现为澳大利亚昆士兰政府项目工程处项目经理，专注于公众艺术工程。
在《公众艺术及模式：东方与西方》一书中，刘茵茵探讨了当代公众艺术实践最新的发展，视野广涉东西方及私人与公共机构的观点，是首本为公众艺术界提供有实践洞察力的专书。
刘茵茵邀请了五位著名公众艺术实践者（安-玛丽·丽妮、杰奎琳·阿米斯特德、约翰·格里利、迈克尔·雷纳和林肯·塞利格曼）为本书撰文，他们的作品遍布亚洲、欧洲和澳大利亚等地。他们的专业知识令本书的视野超越一般公众艺术。
本书的读者群极广，建筑师、室内设计师、政府团体、视觉和表演艺术家、音乐家、艺术类学生和普通大众都会感到阅读本书趣味无穷。 本书分为四个部分。第一部分题为“东西方公共艺术及模式”，着重关注公共艺术在东方和西方“模式”的主要差异。其中反映了作者自1993年至今在香港、中国内地和昆士兰州布里斯班工作期间之自身体验和观察。
第二部分“昆士兰的公共艺术”，探讨了澳大利亚昆士兰州的公共艺术政策及模式。选择昆士兰为关注焦点的主要原因当然在于作者在那里的工作经历，不过昆士兰所发生的事情亦可代表众多公共艺术职业人士所面临的问题，同时亦可说明当地艺术家、管理人员以及设计师是如何以各种方式推动公共艺术的发展，使其具有国家及国际水准的。
第三部分“公共艺术在亚洲”，探讨了公共艺术在提升并重新界定“新”中国形象中所具有的潜力，分析了将公共艺术和建筑设计相结合所能带来的商业利益及文化效益。
第四部分“海外工作的艺术家”，介绍了来自英国的艺术家林肯·塞利格曼于1980年开始其在香港的公共艺术事业。他在自己的文章里表达了作为一名公共艺术家的观点，也和读者分享了他在中国香港和亚洲其他国家的工作经历。
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读后感
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用户评价
这部作品集简直是视觉和思想的盛宴，每一个角落都充满了对日常与非日常界限的叩问。我特别欣赏作者那种不动声色的叙事手法，它不直接告诉你“这是艺术”或“这不是艺术”，而是将那些被我们习以为常的公共空间元素——比如公园的长椅、城市雕塑底座上的苔藓、甚至是斑马线的排列——抽离出来，用一种近乎人类学的审视角度重新呈现。书中的图像处理技法令人称奇，有时候是极简的黑白构图，凸显出光影与形体的纯粹张力；而下一页可能就跳跃到一幅色彩饱和到近乎迷幻的数字拼贴，探讨着虚拟信息流如何渗透和重塑我们的物理感知。阅读过程中，我不断地在“这是我昨天路过的地方吗？”和“这完全是陌生的符号系统”之间摇摆。最让我印象深刻的是其中关于“临时性干预”的部分，作者捕捉了那些未经许可或转瞬即逝的行为艺术，它们没有留下永久的纪念碑，仅仅存在于被记录的瞬间，这本身就对“永久性”的公共艺术提出了尖锐的挑战。整本书的装帧设计也极具巧思，纸张的选择和留白的处理，都仿佛在模仿某种纪念碑的质感与虚无感，引导读者进行沉浸式的体验，而不是简单的信息接收。
评分从审美体验上讲，这本书给我带来了一种近乎焦虑的震撼。它的选材非常大胆，几乎将所有“不登大雅之堂”的城市痕迹都纳入了考察范围。我指的是那些被时间磨损、被雨水冲刷、被大众忽略的物体——比如建筑工地围挡上的锈迹、被遗弃在角落里的塑料制品在阳光下的奇异折射、或者被车辆反复碾压导致的地面纹理变化。作者对这些“偶然的美”的捕捉，展现了一种近乎强迫症般的细致入微。有一种观点在书中反复出现，即“城市景观的审美价值不应由规划者单方面定义，而应由使用者的破碎经验构成”。这种观点在配图上得到了完美的体现：很多照片都是通过扭曲的玻璃反射或通过脏污的镜头拍出的，故意制造了视觉上的不适感，以此来反击那种被过度美化和修饰的官方城市形象。读完后，我发现自己走在街上时，目光不再是平视前方，而是会不自觉地聚焦于地面的裂缝、墙壁的剥落，试图从中发现新的“未经许可的艺术”。这种视角的转变，是这本书最伟大的馈赠。
评分我必须说，这本书的文字部分是相当晦涩的，它似乎更倾向于一种哲学思辨录而非艺术评论集。作者大量运用了德里达和福柯的理论框架，但并非是僵硬的套用，而是将其融入到对具体案例的解剖之中，形成了一种高度内聚的理论体系。尤其是在讨论“公共领域中的能指漂移”时，那种分析的密度几乎让人喘不过气来。举例来说，书中对一个废弃的电话亭被改造成“信息交换点”的案例分析，从电话亭作为技术遗留物的物理属性，到其功能被异化为非正式传播渠道的社会学意义，再到这种信息流动的“非正式性”如何挑战官方媒体的权威，层层递进，逻辑链条严密得令人心服口服。然而，对于初次接触这类理论的读者来说，可能需要反复查阅大量的背景资料才能跟上作者的思路。这本书的价值在于它提供了一种全新的、高强度的分析工具，让你看到那些被视觉轰炸淹没的表象之下，是如何运作着复杂的权力关系和符号博弈。它不是一本轻松的“咖啡桌读物”，而是一部需要深度投入的学术探索。
评分这本书最让我感到惊喜的是它对“互动性”的定义进行了彻底的颠覆。传统的互动艺术往往强调参与者的主动构建，但在这里，互动的概念被扩展到了被动接受、无意识的重复，甚至是“系统性遗忘”。有一组案例研究的是在特定公共广场上，每年都会重复出现的几个固定行为（比如固定时间有人在喂鸽子、固定地摊的摆放方式），作者分析这些重复行为如何构建了一种暂时的、非书面的“社区脚本”，而任何对脚本的偏离都会立即引起周围环境的“无声修正”。这让我意识到，我们所认为的“自由”空间，其实被这些无形的、通过反复实践形成的默契所紧密地束缚着。书中引述的某位匿名观察者的记录尤为精妙，他描述了在雨夜，人们如何自然而然地在屋檐下形成一个临时的、互相不打扰的“避雨社群”，这种瞬间形成的社会结构，比任何精心设计的公共设施都要来得有效和真实。这本书提供了一个观察社会肌理的独特“X光片”，让你看到那些看不见的规则是如何在我们日常的移动和停留中发挥作用的。
评分这本书的结构安排简直像一场精心设计的迷宫，读起来完全没有线性阅读的快感，更多的是一种不断发现和迷失的乐趣。它似乎刻意避开了传统艺术史的宏大叙事，转而聚焦于那些边缘的、不被主流话语关注的“微观互动”。我花了很长时间琢磨其中关于“社区集体记忆与公共符号的冲突”那一章节，作者没有采访任何艺术家或官方机构，而是通过收集大量的街头涂鸦、被覆盖的旧海报残片，以及被涂鸦者反涂鸦的痕迹，构建了一个关于城市身份认同的无声对话。这种“材料学”式的研究方法，比任何理论探讨都要有力。让我感到震撼的是，书中展示了许多被城市管理者视为“破坏”的行为，在特定的时间点和语境下，却体现出一种强烈的生命力和对既有秩序的微妙抵抗。这种抵抗并非总是激烈的口号，更多是日常生活的细微挪用和重组。阅读时我常常需要停下来，去想象在那个特定的天气、那个特定的人流密度下，这些“作品”是如何被感知和忽略的。这本书迫使我重新审视自己作为城市居民的“在场性”。
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