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页数:316

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出版时间:1999-10

价格:15.00元

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isbn号码:9787810532075

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• 书法
• 书法入门
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• 书法教程

好的，这是一份针对一本名为《书法通》的图书，但不包含其内容的图书简介。 --- 《翰墨千秋：中国传统书画艺术探源》 定价： 人民币 128.00 元 开本： 16 开 页数： 480 页 装帧： 精装附函套 出版日期： 2023 年 10 月 --- 导言：穿越时空的对话 《翰墨千秋：中国传统书画艺术探源》并非一部技法指导手册，而是一次深入中国艺术精神腹地的宏大探索。它聚焦于中国艺术史上两个最为核心且相互依存的门类——书法与国画的哲学基础、演变轨迹及其文化意蕴。本书旨在带领读者超越单纯的审美欣赏，进入到创作者心境与时代精神交织的深层结构之中，理解为何“书画同源”在中国艺术语境中具有如此无可替代的地位。 本书汇集了多学科研究成果，融汇了历史学、美学、哲学与文献考据的严谨性，以清晰、富有洞察力的笔触，构建起一条清晰的脉络，勾勒出从先秦到近现代，中国艺术精神的薪火相传。 第一部分：笔墨的起源与精神溯源 本部分深入考察了汉字作为一种视觉符号体系的诞生及其早期形态，这是理解中国书法艺术的基石。 第一章：刻画符号与文字的勃兴 甲骨文的契刻之美： 分析殷商时期卜辞的结构、笔法特点，探讨其宗教性与政治性内涵，以及在龟甲兽骨上形成的独特线条张力。 金文的庄重与规范： 考察周代青铜器铭文（钟鼎文）的演变，重点剖析“款识”制度对早期书风规范化的作用，以及其体现的礼乐文明。 大篆的形态与过渡： 探讨西周晚期至春秋战国时期秦国文字的发展，及其向小篆过渡的模糊地带。 第二章：秦汉的定型与篆隶的雄强 李斯与小篆的“书同文”： 详细解析秦朝统一文字对中国文化疆域的深远影响，从小篆的匀称结构探讨其蕴含的法度和秩序感。 隶书的革命性突变： 隶变被视为中国文字史上的关键转折点。本章深入分析隶书如何打破篆书的圆转，引入方折笔法，标志着书写效率与审美表达的重大进步。重点解读汉代碑刻（如《乙瑛碑》《曹全碑》）的风格差异。 章草的流变与实用： 探讨章草作为隶书的草写体，如何在汉代公文与快速记录中确立地位，为后世今草的出现奠定了基础。 第三章：魏晋风度的艺术表达 楷书的定型与标准的确立： 楷书（真书）的成熟是书法艺术进入规范化阶段的标志。本章着重分析钟繇、卫夫人等早期楷书大家的贡献，以及他们对“法度”的理解。 行书的自然与人文关怀： 深入剖析王羲之《兰亭集序》的艺术成就，探讨行书如何完美地平衡了楷书的规范性与草书的流畅性，体现了魏晋士人的洒脱与中和之美。 二王体系的构建与影响： 总结王羲之、王献之父子对后世书法理论与实践的决定性影响，阐释“二王”笔法如何成为后世学习的圭臬。 第二部分：笔墨的拓展与意境的深化 本部分聚焦于唐宋元明清时期，书法艺术如何从对法度的精研转向对个人性情与哲学意境的表达。 第四章：唐代的法度森严与多样探索 初唐的集大成者： 探讨欧阳询、虞世南、褚遂良如何继承并完善“二王”传统，形成各自鲜明的风格体系，以及楷书在唐代达到程式化的顶峰。 颜真卿与柳公权的碑学精神： 重点分析颜体雄浑、博大、内含筋骨的书风，以及其对“忠义”精神的寄托；对比柳体瘦劲、骨力的美学追求。 唐代草书的飞扬与法度： 考察张旭“狂草”的激情释放与怀素“今草”的精妙结构，分析其对盛唐气象的艺术回应。 第五章：宋代尚意与文人书风的崛起 宋四家的书学理念： 宋代文人对唐代“法度”的突破性认知。深入解析苏轼的“我书意造，独由心裁”，探讨其如何将书法融入个人哲学思辨；黄庭坚的“长枪大戟”与对古法的化用；米芾的“刷字”与对书写速度的极致追求；蔡襄的平和稳健。 宋代书论的转向： 梳理宋代重要书论，理解“尚意”理论如何确立了个人性情在中国书法评价体系中的核心地位。 第六章：元明清的复古与革新 元代对晋唐的回归： 赵孟頫“复古”思想的探讨，他如何将晋人典雅与唐人规范相结合，并在行楷上开创了新的妍美风尚。 明代的帖学与碑学的对峙： 明代中后期，帖学（以吴门书派为代表）的精致化发展与新兴的碑学思潮（董其昌的“平淡天真”）之间的张力与融合。 清代的金石学热潮： 分析清代学者对汉魏碑刻的重新重视，如何为书法艺术注入了新的雄强力量，并推动了碑学体系的成熟，对后世影响深远。 第三部分：书画同源的哲学论证 本部分将视线从纯粹的书法史扩展到国画领域，论证两者在工具、技法、精神层面的深度互渗。 第七章：笔墨语言的共通性 “十八描”与“十八法”的对应： 对比国画中描绘轮廓、皴擦的技法与书法中的点、皴、撇、捺的对应关系，阐释“中锋”与“侧锋”在两种艺术中的运用差异与共同作用。 线条的生命力： 论述中国画中线条（骨法用笔）如何直接继承书法用笔的力度、韵律和气势，而非仅仅是造型的辅助工具。 第八章：意境的营造与书画的交融 诗、书、画、印的四绝： 分析中国传统绘画中，将诗歌的意境、书法的笔墨、绘画的形象、印章的趣味融于一体的完整艺术形态。 文人画的兴起与审美标准： 探讨唐代王维开创的“诗中有画，画中有诗”的理念，以及元代倪瓒、吴镇等人如何将书法中的“逸气”引入绘画，使画作成为个人修养的直接投射。 第九章：工具与材料的文化意义 “文房四宝”的仪式性： 详细考察笔、墨、纸、砚在中国文化中的地位，分析宣纸的洇化特性如何影响了书画创作的即时性和不可逆性，从而对创作者的专注力提出了更高的要求。 结语：当代视野下的传承与挑战 本书最后对中国传统书画艺术在现代社会所面临的挑战进行了客观的探讨，包括全球化对本土审美的冲击，以及如何在新媒介时代保持传统笔墨精神的活力。 《翰墨千秋》旨在成为艺术史研究者、艺术院校学生以及所有热爱中国传统文化的读者手中，一本兼具学术深度与人文温度的必备参考书。它提供了一个全面的框架，让读者能够站在更高的维度，去理解和珍视这流淌了数千年的笔墨精神。 --- （本书未涉及任何关于“书法通”的特定内容，例如特定朝代某个流派的详细技法拆解，或某一类书体（如行书或楷书）的系统教学步骤。）

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从一个长期受书法困扰的边缘学习者的角度来看，这本书最打动我的地方，在于它对“心性修养”与“笔法实践”之间关系的探讨。它并没有将之视为两个孤立的部分，而是强调两者是相辅相成的。书中穿插了大量关于古人“静坐”、“观物”的文字，引导读者在落笔之前，先要做到“心静如水”。这种对内在精神世界的强调，使得整个学习过程不再是机械的重复劳动，而更像是一种与自我对话、与古人精神交流的仪式。我曾一度因为技法不精而心浮气躁，导致越练越差，但读完这部分内容后，我开始有意识地在练习前进行冥想式准备，惊喜地发现，心态的稳定直接反映在了线条的流畅度上，那种轻盈、沉着的韵味，确实是从心而发的。这本书的视野足够宏大，它不仅是技艺指导，更像是一部融合了东方哲学智慧的修身指南，让人在追求艺术完美的道路上，找到了心灵的归宿与安宁。

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这部厚重的典籍，初捧之时便觉分量不凡，光是那封面材质，便透着一股沉稳古朴的气息，让人忍不住想一探究竟。我原本以为它会是那种枯燥乏味的理论堆砌，然而翻开扉页，展现在眼前的却是如行云流水般的图文排版。作者的叙述角度非常新颖，似乎不是高高在上的理论家，更像是一个经验老到的匠人，耐心地为你拆解每一个笔画的结构，每一个字体的精神内核。尤其是对“中锋用笔”的讲解，没有使用太多晦涩的术语，而是通过大量精妙的对比图示，比如将毛笔的运行轨迹比作“船行于水面”，生动形象得让人茅塞顿开。我过去总是在临摹时感到笔力不聚，现在才明白，原来是根基上的理解出现了偏差。此书的价值，更在于它对传统文化精神的挖掘，它不只是教你“怎么写”，更在引导你思考“为何要这样写”，那份对传统审美的高度尊重，让人在学习技法的过程中，精神上也得到了洗礼。装帧设计也值得称赞，纸张的质感极佳，墨色呈现得非常到位，即便是放大观察细节，也能清晰感受到笔锋的微妙变化，这对于我们这些追求细节的习练者来说，无疑是巨大的福音。

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拿到这本书后，我最直观的感受是其内容的广度令人咋舌，简直像是一部浓缩的中国艺术史鉴赏录。它并没有将焦点仅仅锁定在某一位大家身上，而是横跨了篆隶楷行草各个书体，并深入到不同历史时期风格演变的核心驱动力。例如，书中对于魏晋风度的描绘，不仅仅停留在钟繇、王羲之的个人风格上，而是巧妙地将其置于当时的社会思潮与文人精神背景下进行剖析，使得那些看似冰冷的字体结构突然间有了温度和血肉。我特别欣赏作者在介绍不同碑帖时的那种“考古学家的严谨”与“艺术评论家的浪漫”的完美结合。他不仅列举了历代名家的代表作，还附带了大量的拓片细节分析，有些甚至是首次在公开出版物中出现的珍稀对比图。这对于长期困惑于“如何从临摹走向创作”的爱好者来说，无疑是一座金矿。阅读过程中，我感觉自己仿佛跟随着一位博闻强识的学者，穿梭于历史的长廊，每翻过一页，对“法度”的理解就加深一层，不再是盲目地模仿轮廓，而是开始触摸到线条背后的“气”。

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这本书的排版布局，简直是为现代人量身定制的“学习手册”。在信息爆炸的时代，很多专业书籍要么过于学术化而令人望而却步，要么过于浅显而缺乏深度。而这本书找到了一个绝佳的平衡点。它采用了一种清晰的模块化结构，每一章的开始都会有一个简短的导语，明确本章要解决的核心问题。随后便是详细的步骤分解，图文并茂，逻辑链条异常清晰。我过去学习硬笔书法时，总觉得手腕、手指的姿势描述总是模棱两可，但这本书里针对不同书体，对手部和肘部的微调进行了多角度的摄影展示，配上精确的标注，让我在实践中很快就能找到正确的“发力点”。更棒的是，它设置了大量的“常见错误自查表”，当你觉得写不出味道时，对照清单进行自我诊断，常常能一语中的地指出问题所在。这种主动引导学习者自我修正的设计，极大地提高了学习效率，不再需要时刻请教老师，在家就能进行高效的“自习革命”。

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坦白说，我购买过市面上不少关于传统艺术的书籍，但大多流于表面，谈到笔法和墨韵时总是含糊其辞，仿佛这些是与生俱来的天赋而非可以学习的技巧。这本书的出现，彻底打破了我的这一偏见。它用近乎解剖学的精度去解析“涨墨”、“飞白”是如何产生的，讲解了纸张、墨汁、笔毫三者在不同湿度下的相互作用机理。尤其是关于“宿墨”和“渴笔”的运用，作者竟然能从化学角度分析墨汁颗粒在纤维上的附着力变化，这种跨学科的论述方式，让我对“意境”的理解从感性上升到了理性层面。阅读这本书，让我深刻认识到，伟大的书法作品绝非偶然，而是对材料性能、物理规律以及人体运动学深刻理解后的艺术结晶。对于那些希望从“会写”提升到“能写出韵味”的进阶者来说，这本书提供的技术深度是其他同类读物难以比拟的，它提供了通往更高层次技术掌控的钥匙。

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