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出版者:万卷出版公司（前辽宁画报出版社）

作者:罗春政

出品人:

页数:114

译者:

出版时间:2004-4

价格:48.00元

装帧:

isbn号码:9787806016022

丛书系列:

图书标签:

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古韵新篇：明清之际文人画的流变与影响 本书聚焦于明清易代之际，江南文人画坛的深刻变革，以及这一时期艺术思潮对后世产生的深远影响。 第一章：乱世之音——文人画的时代背景与精神内核 明清鼎革，不仅是政治版图的更迭，更是士人精神世界的剧烈震荡。传统儒家“修身齐家治国平天下”的理想遭受前所未有的冲击，大量知识分子选择“归隐山林”或“以画言志”。本章深入剖析了这一特定历史时期，内忧外患如何塑造了当时文人的审美取向和创作心态。 我们首先考察了晚明商业文明催生的“雅好”风尚，探讨了以董其昌为代表的松江画派如何构建起“南北宗”的理论体系，并将其作为对抗院体工谨、追求“士气”的理论武器。随后，我们将目光投向清初的“遗民”画家，如“四僧”（弘仁、髡残、八大山人、石涛）。他们的作品不再仅仅是抒发个人闲适，而成为寄托民族气节、反抗新朝统治的精神载体。通过对当时史料、诗文的梳理，还原了这些艺术家在颠沛流离中，如何将笔墨的枯涩、形体的夸张，转化为对“真性情”的极致表达。特别强调了“以书入画”的理论如何在此时达到新的高度，笔墨的力度与结构成为衡量作品品格的首要标准。 第二章：笔墨的哲学——“新安画派”与地域文化的交融 地域性对于中国传统艺术的影响至深。本章将视角转向徽州及周边地区（新安）的文人画发展。新安地区商业发达，但文化传统上承接宋代以来的文人风尚，这使得该地区的画家在继承董氏衣钵的同时，发展出了独特的面貌。 我们详细分析了汪恭、查士丁等代表人物的创作特点。他们的作品往往在构图上显得更为紧凑，对山石的皴法运用，体现出一种内敛的、略带硬朗的特质，这与徽州建筑的朴拙风格形成了微妙的呼应。本章引入了社会人类学的视角，考察了徽商的审美趣味如何反哺艺术创作，例如对“冷逸”而非“富丽”的追求，体现了他们既重利又尚气的复杂心态。此外，还探讨了徽州版画艺术对新安画派在细节处理和线描上的潜在影响，揭示了跨媒介的艺术交流在推动风格演变中的作用。 第三章：清中叶的转向——程式化与“四王”的再阐释 康熙、雍正、乾隆三朝，统一的政治局面使得艺术创作趋于稳定，但也带来了程式化的风险。本章集中讨论了“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）在继承董其昌理论体系方面的贡献与局限。 王原祁的“仿古”理论被推向了极致，他将“笔墨”视为一种可供推演的数学公式，强调“从心所欲不逾矩”的境界。我们通过对大量王原祁的仿古精品进行细致的笔墨分析，辨析了其“元气淋漓”的提法与实际操作中的规范性。然而，过度强调“家数”和“应酬”，也使得部分清中叶的画作出现了“气象萧索”的问题。本章批判性地分析了“四王”如何通过官方推崇，将明末的激进文人精神转化为一种更为稳健、可被统治阶层接受的“士人标准”，从而在一定程度上固化了笔墨语言。 第四章：岭南与扬州画派的异彩——地方性语境下的笔墨创新 尽管“四王”的审美占据主流，但地方性的艺术中心依然孕育着革新的力量。本章聚焦于清代中后期两个重要的艺术流派——岭南画派和扬州画派。 岭南画派：以“二高一陈”（高其佩、高秉达、陈恭尹）为先驱，强调“折衷南北”，并大胆吸收西洋透视法和光影概念。他们的作品往往色彩鲜明，造型生动，极大地拓展了文人画在空间感和写实性方面的边界。本章特别关注了他们对花鸟画的革新，如何将传统写意与细腻的观察结合，打破了纯粹士人画对“笔墨趣味”的单一崇拜。 扬州画派：这一流派的形成与扬州的经济繁荣和文化开放紧密相关。以金农、郑板桥为代表的“扬州八怪”，以其强烈的个性和反传统姿态引人注目。郑板桥的墨竹，从文同的清雅走向了民间疾苦的抒发，其题跋往往尖酸刻薄，直指时弊。金农的“错位”美学，如古拙的造型和独特的书法入画，显示出他们对僵化程式的反叛。本章认为，扬州画派的出现，是文人画在社会转型期寻求大众共鸣的一种积极尝试。 第五章：走向近代——文人画的遗产与新路的探索 清末民初，西学东渐的浪潮对中国传统艺术发起了根本性的挑战。文人画的传统如何应对照相技术和西方写实主义的冲击？本章将探讨晚清画家如何试图在坚守传统笔墨精神的同时，引入新的观察角度。 赵之谦以金石入画，用硬朗的线条和强烈的色彩对比，为衰微的文人画注入了新的生命力。而吴昌硕则将篆刻的雄强之气融入花鸟，形成了“金石入画”的典范。他们的努力，实际上是在为20世纪初的中国画革新积累能量，为后来的“海派”乃至近现代国画的演变奠定了重要的基础。本书总结了明清之际文人画的“内敛”到“外放”的轨迹，指出其核心的文化价值在于对个体精神自由的持续追求。 本书特色： 本书资料翔实，结合了对现存重要藏品（非此处提及的“吴门四家”）的细致摹写与考证，辅以当时文人的往来书信和相关诗文，力求还原一个充满矛盾、活力与深刻思考的艺术生态。它不仅仅是对艺术风格的描述，更是对特定历史时期知识分子精神图景的深度还原。

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我是一个对艺术鉴赏有着浓厚兴趣，但专业背景相对薄弱的人。这本书的阅读体验，对我而言，简直是一次美妙的“去魅”之旅。作者并没有刻意去神化那些被奉为经典的艺术大师，而是将他们置于真实的历史情境中进行剖析。书中对一些公认的“名作”的审视角度也相当新颖，它鼓励读者用批判性的眼光去看待艺术史上的既定结论，而不是盲目接受。这种鼓励独立思考的写作态度，深深地吸引了我。它教会我如何去“看”，而不是仅仅“欣赏”，这对于提升我个人的鉴赏水平，是极其宝贵的财富。

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阅读过程中，我最大的感受是作者在史料考证上的严谨与深入。他不仅仅是罗列作品的流传有序，更深入挖掘了每一件藏品背后的文化背景和历史事件。例如，书中对于某几件重要书作的摹写历史的梳理，简直是一部微型的文献学研究。作者似乎走访了大量的私人和公立机构，收集了一手资料，使得书中的论断都有据可依，极大地增强了可信度。这种对细节的执着，让整本书的厚重感油然而生，它不再仅仅是一本图录，而更像是一部立体的、多维度的艺术史切片。我特别欣赏作者在描述艺术家创作心境时所流露出的那种共情，那种对艺术灵魂深处的体察，着实令人动容。

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这部书的装帧设计实在是太精美了，从封面到内页的排版，无不透露出一种沉稳典雅的气质。我尤其喜欢它在纸张选择上的用心，那种略带纹理的哑光纸张，使得画面细节在呈现时既有质感又不失内敛。尤其是那些高清复制的古代卷轴和扇面作品，色彩的还原度非常高，让人仿佛能触摸到历史的温度。书中对历代名家笔墨技法的剖析，从线条的提按顿挫到墨色的浓淡干湿，都有详尽的图例加以说明，对于我们这些业余爱好者来说，简直是一本打开眼界的指南。作者的文字功底也十分扎实，叙述流畅自然，即使是专业的术语，也能用平易近人的方式加以解释，让人在阅读的过程中感到非常愉悦，一点也不会觉得枯燥乏味。

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这本书的装帧设计虽然典雅，但最让我惊喜的是它在辅助阅读材料上的丰富程度。不仅仅是精美的图版，作者还穿插了许多当时的文人雅士的书信摘录、地方志中的记载片段，甚至是与作品相关的诗词歌赋。这些“副产品”的加入，极大地拓宽了阅读的广度和深度。它们仿佛是通往那个时代的另一扇窗户，让我们得以一窥艺术家们的生活片段和精神世界。这种全景式的展示手法，让原本静态的艺术品变得鲜活起来，充满了生命力。我花了很长时间去品味那些穿插其中的小故事和考据注解，每一次翻阅都能发现新的乐趣和信息点。

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这本书的章节设置非常具有逻辑性，脉络清晰得让人赞叹。它不像有些艺术书籍那样将内容堆砌在一起，而是采用了分门别类的叙事方式，从早期源流到中期的成熟，再到晚期的变异与发展，每一步的过渡都显得水到渠成。特别是关于不同地域艺术流派的比较分析，作者的洞察力极强，他能敏锐地捕捉到地域文化对笔墨风格产生的微妙影响，并用简洁明了的语言将其阐释出来。读完某一章节后，我总有一种豁然开朗的感觉，对于原本模糊的概念，现在变得清晰起来，这种结构上的优势，让学习和回顾变得异常高效。

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书虽然小，画倒是挺全的，收做资料不错。

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