中国戏曲艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:外文出版社

作者:包澄洁,曹鹃

出品人:

页数:106

译者:

出版时间:2002-1

价格:48.00元

装帧:

isbn号码:9787119032146

丛书系列:

图书标签:

• 戏曲
• 中国戏曲
• 艺术
• 文化
• 表演艺术
• 戏曲史
• 戏曲理论
• 传统艺术
• 文学
• 舞台艺术

敦煌壁画中的佛教故事与艺术符号解析 书籍简介 本书旨在深入探究敦煌莫高窟壁画中蕴含的丰富佛教故事、精妙的艺术表现手法及其背后所承载的深刻文化与宗教意涵。不同于侧重于艺术史的宏观梳理，本书选择了一条精微入里的路径，聚焦于壁画中的特定叙事母题、人物形象的演变以及那些反复出现的、具有特定象征意义的符号系统。通过对大量壁画图像的细致辨识与文本互证，本书力图揭示敦煌艺术作为丝绸之路文化交汇点上的一面镜子，如何将多元的宗教思想、世俗生活图景与高超的绘画技巧熔铸一炉。 全书分为四大核心板块，层层递进，构建起一个多维度的解读框架。 第一部分：叙事母题的视觉转译——本生、因缘与佛传 此部分首先梳理了敦煌壁画中最常见的叙事主题，即佛陀（释迦牟尼）前世的修行故事——“本生故事”和其今世的传记——“佛传故事”。我们不再仅仅罗列故事的佛教典籍出处，而是重点分析这些宏大叙事是如何被“视觉化”和“地方化”的。 以《九色鹿本生》为例，本书详细比对了不同朝代（如北魏、唐代）对同一故事的处理差异。北魏时期画风古朴，线条硬朗，人物形象略显稚拙，更注重于寓言教化的直接性；而盛唐时期的壁画，则展现出惊人的空间深度和人物情感的细腻刻画。我们探讨了色彩的使用——如敦煌早期偏爱的矿物颜料与唐代对植物和动物性颜料的成熟运用——如何影响叙事氛围的烘托。例如，在描绘危险或冲突场景时，对比强烈的朱红与石青的运用频率变化，揭示了不同时代审美对“戏剧性”的理解。 此外，本书深入剖析了“经变画”的结构逻辑。经变画是将复杂的佛教经典，如《法华经》、《涅槃经》等，拆解为一系列可供大众理解的、具有连续性的场景图。我们重点研究了“水月观音”和“弥勒经变”中的空间布局。例如，在唐代“弥勒经变”的巨大画幅中，如何运用多点透视和高空俯瞰的视角，在一张平面中组织起天宫、人间和净土三个层级，同时确保观者视线在画面中能够流畅地跟随“情节”推进，这不仅是艺术技巧，更是一种高明的宗教传播策略。 第二部分：图像的符号学——从神性到人间的视觉解码 敦煌壁画中充斥着大量重复出现的非叙事性图像元素，它们是理解壁画深层含义的关键“密码”。第二部分专注于对这些核心符号的细致解读。 首先是“飞天”形象。飞天不仅是装饰元素，更是佛教宇宙观中连接天人、传播佛法的媒介。本书对比了不同时期飞天的动态变化：从初唐时身体略显僵硬、衣带短促的形象，到盛唐时期，飞天体态丰腴、三维感强烈、衣带如同在空中“飞舞”的动态美学巅峰。我们分析了飞天手中所持法器（如莲花、宝瓶、璎珞）的变化，以及它们在不同场合（如供养、散花）所代表的宗教功能差异。 其次，对“七宝、八珍”等供养物的描摹是不可忽视的部分。这些在壁画下方或佛前供桌上精心绘制的瓜果、食物、器皿，绝非简单的静物写生。它们是对佛教理想国——西方极乐世界物质丰裕程度的具体化展示。我们结合当时的吐鲁番、中原地区的饮食文化记载，尝试还原这些“宝物”在当时人们想象中的口感与质地，从而理解壁画如何通过对“物质美”的极致描摹，来诱导信众对彼岸世界的向往。 再者，书中对“力士”与“金刚”形象进行了专门辨析。这些守护神祇在不同窟的造型差异，反映了敦煌艺术在融合印度湿婆神系影响与本土道教神像元素时的微妙平衡。力士的肌肉线条、愤怒的表情与金刚的威严持戒，构成了一组动态的保护机制。 第三部分：世俗生活的投影——供养人像与俗世图景 敦煌的价值不仅在于其宗教性，更在于其世俗性。供养人画像是研究中古时期社会阶层、服饰风尚与家族历史的珍贵史料。本部分着重分析了供养人群体的构成及其在壁画中的“站位”与“体量”。 供养人画像的尺寸和在画幅中的位置，直接反映了他们的社会地位与对佛事供奉的投入程度。例如，唐代晚期和五代时期，一些地方性豪强或小王国统治者的画像占据了显著空间，他们的服饰——从头巾的缠绕方式到袍服的颜色和纹饰——都精确地记录了当时西北地区的民族融合痕迹。 此外，书中还挑选了少量描绘世俗生活的场景，如敦煌壁画中罕见的乐伎图、农耕图（尽管多见于供养人洞窟的侧壁或藻井）。我们探讨了这些“不合规矩”的场景如何被巧妙地纳入佛教框架中，例如，乐伎的乐队往往被安排在佛陀说法或净土变相的边缘，作为烘托“极乐世界和乐”氛围的组成部分，从而实现宗教宣传的“润物细无声”。 第四部分：技法探微——敦煌颜料的物质性与空间构建 本部分的关注点转向物质层面与视觉效果的关联。我们考察了敦煌壁画的绘制流程——从基层处理（泥塑、底稿）到颜料的上色与晕染。 重点分析了“晕染法”在人物脸部的应用。不同于中原壁画早期追求的平面化轮廓描绘，敦煌壁画（尤其唐代以后）大量采用层层叠加、以深色为底，再用浅色提亮的晕染技巧来塑造面部的体积感和光影效果。本书通过对一些局部高清图像的分析，尝试推演出画师在塑造菩萨慈悲而略带哀怨的表情时，如何精准控制赭石、铅白、石青等矿物颜料的混合比例。 最后，本书对壁画中对建筑与山水的描绘进行了空间几何学的考察。敦煌艺术中的亭台楼阁，往往既有中原建筑的飞檐斗拱特征，又融合了中亚（如犍陀罗艺术）的穹顶与柱式结构。我们分析了画家如何用高度夸张的“散点透视”来处理如“净土变”中的宫殿群，使其在视觉上既保持了清晰的结构，又营造出一种超越现实的、永恒的氛围。 通过以上四个维度的深入剖析，本书旨在为读者提供一个细致入微、既有艺术审美愉悦又充满历史文化信息的研究范本，让敦煌壁画不再是遥远的历史碎片，而是鲜活的、可供对话的视觉文本。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

拿到这本厚厚的书，我首先感受到的是作者在资料搜集上的“野心”与“深度”。它不像某些流行的文化普及读物那样，只停留在皮毛的介绍，而是真正钻进了“骨子”里。我翻阅了关于“声腔体系的地域差异”这一章，那种细致入微的对比分析，简直让人叹为观止。作者没有简单地罗列“A腔调如何，B腔调如何”，而是深入到声带运用技巧、伴奏乐器的配置差异，乃至受当地方言影响所形成的发音习惯等多个维度进行交叉比对。尤其是作者引用了那些极为罕见的早期戏班的演出记录和手抄剧本片段，这对于研究者来说，无疑是极具价值的“第一手资料”。阅读过程需要一定的专注度，因为它要求读者不仅要有对艺术的欣赏力，还需要一定的理论基础来消化这些严谨的学术论证。但一旦沉浸进去，那种知识被层层剥开、真相逐渐显现的快感，是其他轻松读物无法给予的。这本书更像是为那些真正渴望“知其所以然”的深度爱好者准备的“宝藏地图”。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，本书的注释系统做得非常细致，可以说是业界典范。对于那些生僻的术语、典故或者地方性的俚语，作者的处理方式是：在正文不做过多打断，而是将所有解释、参考资料来源以及相关研究的引注，全部整合在页脚或书末的附录中。这样做的结果是，读者在快速跟进作者的论述脉络时，不会被大量的括号和脚注打断阅读的流畅性。只有当你对某个特定概念感到好奇，想要深挖时，才会主动去翻阅脚注，这种设计非常尊重读者的自主选择权。此外，书中引用了大量的英文和日文的学术资料，并提供了准确的中文译名，这对于希望进行国际化研究的读者来说，极大地节省了资料比对的时间。总而言之，这是一部在细节处理上体现出极高职业素养的学术专著，它在保证内容深度的同时，也最大化地考虑了读者的阅读便利性，实属难得。

评分☆☆☆☆☆

这部作品在学术前沿的把握上显示出了极强的敏锐度。它不仅仅是对既有知识的整理和梳理，更重要的是，它尝试将传统戏曲艺术放置在当代文化变迁的大背景下进行反思和审视。比如，作者专门辟出一章讨论了数字化技术对传统表演模式的冲击与融合的可能性，其中对“虚拟现实技术在戏曲虚拟舞台构建中的潜力”的探讨，观点新颖且极具前瞻性。很多传统研究常常墨守成规，只关注“过去”，但这本厚重的著作却积极地拥抱“未来”。作者并非盲目推崇新技术，而是批判性地分析了技术介入后可能带来的“去魅化”风险，如何在保留核心精神的基础上实现现代化表达，这是一个非常高明的辩证视角。这种跨学科的视野，使得这本书的受众群一下子拓宽了，它不仅是给戏曲研究者看的，也应该被文化产业研究者、媒体传播学者乃至未来的艺术家们认真研读。它提供了一个关于“活态传承”的深刻思考框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种带着些许古典韵味的纸张触感，拿在手里沉甸甸的，仿佛触摸到了时光的纹理。内页的排版考究得很，字里行间留白得当，读起来一点都不觉得拥挤和疲惫。更值得称赞的是，那些插图和剧照的选取，简直是艺术品级别的。每一幅图都精准地捕捉到了舞台上瞬间的精髓，无论是水袖的飘逸，还是脸谱的浓墨重彩，都清晰可见，色彩的还原度极高，让人仿佛能闻到舞台上的脂粉香，听到锣鼓的铿锵之声。作者在引言部分对“美学形式的演变”这一宏大命题的切入点非常巧妙，没有一开始就陷入繁复的史料堆砌，而是通过对某个标志性服饰或道具的细微变化进行剖析，层层递进地展现了不同历史时期审美趣味的微妙转型。我尤其欣赏作者在叙述中流露出的那种对传统艺术的敬畏与热爱，那不是空洞的赞美，而是基于深入研究后的由衷感佩。这本书的目录结构设计得也十分清晰，章节之间的逻辑过渡自然流畅，即便是对戏曲史略有涉猎的新读者，也能很快找到自己的阅读切入点，不至于迷失在浩瀚的知识海洋中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏处理得非常具有个人风格，可以说，它不像一本传统的教科书，反而更像是一部充满激情的“口述历史”。作者在论述过程中，时不时会穿插一些自己早年间跟随名家学戏或观看演出的亲身经历和感悟。例如，在谈到某位老艺术家的“绝活”时，作者的笔触会突然变得非常感性，描述的场景立体生动，仿佛能听到那时的喝彩声。这种“主观介入”的处理，极大地降低了学术内容的枯燥感，让冰冷的理论“活”了起来。不过，对于追求绝对客观中立的读者来说，这可能是一个需要适应的点。对我个人而言，我非常喜欢这种人情味十足的叙述方式，它让我感觉作者不是高高在上的讲解者，而是坐在我对面，与我分享他毕生热爱的事物。特别是书中关于“幕后故事与行规”的章节，揭示了许多舞台下鲜为人知的艰辛与传承不易，这些细节填充了历史的空白，让整个戏曲艺术体系显得更加有血有肉，完整可信。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆