中国作曲家作品系列

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出版者:中央音乐学院出版社
作者:徐昌俊
出品人:
页数:170
译者:
出版时间:2003-12
价格:80.00元
装帧:
isbn号码:9787810960083
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐
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具体描述

《中国作曲家作品系列—室内乐篇》是由叶小纲、郭文景、唐建平、徐昌俊、秦文琛这五位中央音乐学院海内外知名作曲教授的室内乐代表作组成的套装丛书,所收的这些作品基本上可以反映我国当代中青年作曲家的创作风格与成就,这些作品都曾在国内外多次演出,具有较大的影响。它是各院校作曲专业的师生和图书馆的必备音乐文献,同时对研究中国当代音乐的学生和学者也有重要的参考价值。该套装书每个作品独立装订,集合于一个装桢精美的套内,分平装和精装两种版本。

目录:

徐昌俊《寂》

秦文琛《幽歌2号》

郭文景《巴》

叶小纲《马九匹》

唐建平《玄黄》

文献学前沿:古籍整理与数字化保存 图书简介 本书记载了近年来在古籍文献学领域取得的重大突破与实践经验,聚焦于传统文献的整理、编目、修复以及前沿的数字化保存技术。全书分为上下两卷,系统梳理了从秦汉简牍到明清小说的浩瀚文献谱系,并结合现代信息技术,探讨了如何在数字时代有效保护和利用这些珍贵的文化遗产。 第一卷:传统整理与版本考证 第一章:古籍版本学的理论基础与方法论 本章深入剖析了版本学的核心概念,如“抄本”、“刻本”、“活字本”的界定与演变。详细阐述了宋、元、明、清不同时期雕版印刷技术的特征及其在版本鉴别中的应用。重点介绍了“互见法”在校勘学中的实践,通过对比不同抄本和刻本的异文,重建文本的原始面貌。 1.1 纸张与墨色的历史变迁: 分析不同历史时期用纸的纤维结构、产地特征,以及墨色的化学成分变化,如何作为辅助证据来判断文献的年代和真伪。 1.2 卷册装帧形制的演化: 从早期的“编”、“策”到后来的“册子装”、“经折装”、“蝴蝶装”乃至“线装”的流变,探讨装帧形式对文献流传与保存的影响。 1.3 题跋、校语与印记的文献学意义: 辨识藏书家印章、鉴藏题跋、批校文字的风格和内容,揭示文献的流传脉络和不同学者的研究轨迹。 第二章:经典文献的整理实践:以宋刻本《史记》为例 本章以中国古代最重要的史学著作《史记》的一个重要宋刻本为例,展示一套完整的文献整理流程。 2.1 版本的选择与源流考: 追踪该宋刻本的刻印时间、地点,以及历经的藏书家,对比其与《史记》其他重要版本的关系,确定其在文本传承链中的位置。 2.2 细致的校勘工作: 针对该版本中存在的脱文、衍文、讹字,结合朱熹、裴骃等人的注疏及后世的考证成果,逐条进行校订和说明,形成一套严谨的校勘记。 2.3 整理成果的规范化呈现: 讨论如何使用现代学术规范(如《古籍整理原则》)来整理古籍的注释、标点和附录部分,确保整理本既忠实于底本,又便于今人阅读。 第三章:地方志、族谱与私人文献的抢救性整理 本卷的第三部分关注那些相对零散、易于散佚的地方性文献。 3.1 地方志的编纂体例与价值重估: 分析清代中后期地方志的纂修特点,特别是其包含了大量官方档案和民间口述史料的价值。提出抢救性整理地方志中缺失篇章(如艺文志、人物志)的策略。 3.2 族谱中的家族史与社会结构研究: 探讨族谱中记载的迁徙史、士绅阶层变动、宗族组织形态等信息,并讨论如何利用族谱进行社会史、人口史的研究,同时注意甄别族谱中的虚美之词。 3.3 个人信札与日记的整理与注释: 针对清末民初文人的私人手稿,如何根据信札内容确定时间顺序,如何注释其中涉及的典故、人名、官职,以还原当时的历史语境。 --- 第二卷:古籍的数字化与信息基础设施建设 第四章:高精度图像采集与元数据标准的构建 本卷转向现代技术在文献保护中的应用,重点讨论数字化采集的质量控制和信息组织。 4.1 图像采集的色彩管理与分辨率标准: 探讨在不同光照条件下,如何保证古籍图像的色彩还原度(特别是朱墨套印和抄写色差),以及确定适合长期保存和研究的DPI标准。介绍无损压缩与有损压缩在古籍数字化中的权衡。 4.2 文献元数据的深度挖掘与本体构建: 详细介绍 Dublin Core、MODS、MARC 等国际标准在古籍目录学中的应用,并提出了针对中国古代典籍的扩展元数据字段,如“避讳字标记”、“底本异文标记”等。 4.3 OCR技术在古籍文本化中的挑战与突破: 分析传统光学字符识别技术在处理古代异体字、通假字、以及排版不规则(如四围注)文本时的局限性。介绍基于深度学习的图像识别技术如何提高古籍文本化的准确率。 第五章:数据库建设与知识图谱的构建 本章探讨如何将海量的古籍图像、文本、元数据转化为可被机器理解和利用的知识体系。 5.1 跨库检索与数据整合: 讨论如何整合不同机构(如图书馆、博物馆、高校)已有的古籍数据,实现统一的检索界面,解决数据孤岛问题。介绍基于语义网技术的跨语言、跨学科检索方法。 5.2 古籍知识图谱的构建流程: 以某一经学流派为例,展示如何从海量注释、传记、考据文字中抽取实体(人、书、地、事)和关系(师承、引用、辩驳),构建文献间的复杂关联网络。图谱的应用包括辅助版本源流分析和学术思想传播路径的可视化。 5.3 数字人文背景下的文本挖掘技术: 介绍如何利用自然语言处理(NLP)技术对数字化后的古籍文本进行词频统计、主题建模(Topic Modeling),以及对特定历史时期社会热点(如赋税、灾荒)的文本聚类分析。 第六章:长期保存策略与知识产权考量 本卷最后探讨数字化成果的持续维护和法律框架。 6.1 数字资产的长期保存模式(LOCKSS/CLOCKSS): 介绍如何设计多重异地备份策略,应对硬件老化和数据格式过时问题,确保数字化古籍在数百年后的可访问性。 6.2 古籍数字化成果的知识产权界定: 深入分析整理者对古籍文本进行标点、注释、校勘后形成的“二次创作”部分的著作权归属问题,以及在开放获取(OA)背景下如何平衡研究者权益与社会共享需求。 结语: 本书不仅是文献学研究方法论的总结,更是面向未来的文化传承蓝图。它强调传统考据的严谨性与现代信息技术的融合创新,旨在为全球古籍的保护、研究与传播提供一套完整的、可操作的实践指南。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书最让人眼前一亮的,是它突破了传统音乐史著作中常见的“精英主义”视角。它并没有将焦点仅仅集中在那些已然封神的少数巨匠身上,而是花费了大量篇幅去挖掘那些在特定时期扮演了关键角色,却常常被主流叙事所忽略的中坚力量。作者在挖掘这些“被遗忘的声音”时,展现了惊人的田野调查精神和档案研究能力。他不仅列举了他们的作品,更重要的是,分析了他们在当时音乐生态系统中所扮演的润滑剂或催化剂的角色。例如,他对几位为歌剧院幕后默默工作的配器师的描述,就让我看到了音乐创作背后那个复杂而充满人情味的工作链条,这完全颠覆了我过去那种“伟大音乐家凭空出现”的刻板印象。这种对“整体图景”的追求,让整本书的视野变得无比开阔和立体,它教会了我以更宏大、更多元的视角去审视一个国家的音乐发展历程,真正做到了“见微知著,见小及大”。

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阅读这本书的过程中,我深刻体会到了一种跨越时空的对话感。作者的文字功底极其深厚,他的遣词造句既有古典文学的韵味,又不失现代学术的精准。尤其是在对某些前卫作品进行解读时,他能用非常形象的比喻来描绘抽象的音响效果,比如将一段无调性音乐描述为“在迷雾中寻找建筑结构的几何碎片”,这种描述一下子就抓住了听众的想象力。更难能可贵的是,书中大量引用的第一手资料,比如作曲家们写给亲友的书信节选、或者当时报纸的评论摘录,都以一种非常自然的方式融入到正文中,它们就像是历史留下的微小而珍贵的线索,拼凑出完整的历史画面。这种严谨的考证和生动的文字表达的完美结合,让这本书不仅仅是一本面向专业人士的参考书,更是一本能让普通乐迷提升鉴赏能力的绝佳入门读物。我感觉自己好像是坐在一个古老的音乐厅里,听着一位博学的导师,为我娓娓道来这些伟大灵魂的秘密。

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这本书的叙事节奏把握得极为老练,它没有采用那种平铺直叙、流水账式的传记手法,而是巧妙地采用了“主题聚焦”的结构。每位作曲家的章节都不是简单的时间线回顾,而是围绕其最具代表性、最具突破性的几部作品展开深入剖析。作者在描述音乐是如何诞生、如何演变的过程中,穿插了大量的时代背景和个人轶事,使得原本可能枯燥的音乐理论分析变得生动有趣。比如,在谈到某位作曲家如何打破传统调性限制时,作者并没有直接堆砌晦涩的术语,而是通过描述他与当时音乐评论界的激烈争论,以及他在偏远乡村闭门苦思的场景,让读者在故事的张力中理解了创新的不易。这种叙事上的抑扬顿挫,让阅读过程充满了探索的乐趣,总让人忍不住想知道:“接下来他会如何应对这次挑战?”这种引人入胜的讲故事能力,是这本书最让我赞叹的地方,它成功地将严肃的音乐史变成了一部引人入胜的人物史诗。

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我必须称赞这本书在学术性与可读性之间找到了一种近乎完美的平衡。对于我这种对音乐理论有一定基础,但又渴望深入了解创作背景的读者来说,这本书简直是量身定做。它的脚注系统设计得极为精妙,既提供了详尽的学术出处和延伸阅读建议,又不会因为过多的括号和注释打断阅读的主线流畅性。当涉及到技术性的乐理分析时,作者的处理方式也相当高明:他会先用清晰直白的语言阐述核心概念,然后再辅以乐谱示例或对比段落,确保即便是初学者也能大致理解其音乐逻辑。更重要的是,作者在书中植入了一种批判性的思考框架,他不会直接给出“这个作品是伟大的”这种结论,而是引导读者去思考“为什么在那个时间点,这个作品会以这种方式出现?”这种开放式的引导,极大地激发了读者的自主研究兴趣,读完之后,我立刻去搜索了书中提到的几首冷门作品进行二次聆听,收获颇丰。这本书无疑是近年来音乐研究领域中,兼具学术深度和大众吸引力的典范之作。

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这本书的装帧设计实在是让人眼前一亮,封面采用了沉稳的墨绿色为主调,搭配烫金的标题字体,散发出一种低调而高雅的气息。内页的纸张质感非常出色,那种微微泛黄的米白色,不仅保护了视力,更让人在翻阅时感受到一种对知识的尊重。排版上,作者似乎非常注重读者的阅读体验,字间距和行距都把握得恰到好处,即便是长时间阅读也不会感到拥挤和疲劳。尤其是那些乐谱的插图部分,印刷得极其清晰细腻,即便是复杂的和声线条和演奏指示也能一览无余,这对于我们这些业余爱好者来说,简直是福音。我特别喜欢它在介绍每位作曲家生平时,那种细致入微的笔触,仿佛带我走进了那个特定年代的文化氛围中,体会他们创作时的心境与挣扎。这本书不仅仅是一本作品集锦,更像是一份精心策划的艺术展览图录,从视觉到触觉,都传递出一种深厚的文化底蕴。装订也非常结实,即便是经常翻阅,也完全不用担心书脊会散架,看得出出版方在制作上是下了大功夫的。这本书的实体书本身,就值得收藏。

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