荣宝斋画谱167 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:童中焘

出品人:

页数:42

译者:

出版时间:2004-5

价格:18.00元

装帧:

isbn号码:9787500307204

丛书系列:

图书标签:

• 现代水墨
• 荣宝斋
• 画谱
• 中国画
• 绘画技法
• 艺术
• 传统文化
• 绘画
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• 教程

翰墨丹青的千年流光：一部跨越时空的中国绘画艺术通史 图书名称： 翰墨丹青的千年流光：一部跨越时空的中国绘画艺术通史 内容简介： 本书并非对某一部具体画谱的局部扫描与解析，而是一部恢宏、详尽且富有洞察力的中国绘画艺术通史。它旨在为读者构建一个清晰、立体的知识框架，带领读者穿越数千年的历史长河，领略中华民族独特的审美情趣与艺术成就。全书结构严谨，内容涵盖了从远古岩画的萌芽到近现代艺术思潮涌动的全过程，力求做到对中国绘画史的全面梳理与深刻解读。 第一编：起源与奠基——史前至魏晋南北朝 本编聚焦于中国绘画的远古源头与早期形态的奠基。开篇追溯至旧石器时代与新石器时代的岩画与陶器纹饰，探讨图像如何从巫术与实用功能中分离，逐步孕育出独立的审美价值。重点分析了商周青铜器上的纹饰演变，以及战国秦汉时期帛画、壁画的考古发现，如马王堆汉墓出土的帛画，揭示了早期人物画与神话叙事的融合方式。 进入魏晋南北朝，本书将笔墨集中于“画科”的确立与“笔墨精神”的萌芽。详细论述了顾恺之“传神写照”理论的意义，探讨了佛教艺术对绘画技法（如晕染法）的巨大影响。特别是对南北画风的分野进行了细致的辨析：北方山水画在雄浑气势上的探索，与南方士人阶层对笔墨趣味的初步追求之间的差异。同时，本书也深入分析了“书画同源”观念的形成背景及其对后世的深远影响。 第二编：盛世气象与文人自觉——隋唐五代 隋唐时期，中国社会达到空前的繁荣，绘画艺术也随之进入一个辉煌的“大唐气象”阶段。本编首先描绘了唐代宫廷壁画的富丽堂皇与成熟技艺，如敦煌壁画中世俗化、生活化的场景描绘。在人物画领域，重点解析了吴道子“吴带当风”的线条革命及其对后世人物画的规范作用，并对比分析了周昉的“丰肥典雅”与张萱的“精细入微”两种仕女画风格。 五代时期，是山水画的成熟期。本书将重点剖析荆浩、关仝如何在北方山川中建立起全景式、巨碑式的山水画构图范式，奠定了中国山水画的宏大叙事基础。同时，董源、巨然在江南地区的探索，则标志着“平远”与“文人画”倾向的早期显现，为宋代的变革积蓄了力量。 第三编：审美范式与技法精进——宋元时期 宋代是中国绘画的高峰期，本书将其划分为北宋的“格物致知”与南宋的“意境营造”两个层面进行阐述。北宋时期，以范宽、郭熙为代表的山水画家，如何运用科学的观察方法，结合哲学思想，构建出理性与情感并重的山水世界。对院体画（如花鸟画的写实主义高峰）的精微刻画，与苏轼、米芾倡导的“不求形似，但求神似”的文人画理论，构成了宋代绘画的双峰对峙。 进入元代，蒙古族的统治激发了汉族知识分子对传统文化和艺术的强烈回归。“元四家”的形成，标志着文人画彻底取代院体画的主流地位。本书详细梳理了黄公望、倪瓒等人对笔墨语言的提炼，探讨了他们如何将绘画视为“胸中丘壑”的抒发，以及对“逸笔草草，不求形似”理念的贯彻，从而确立了后世水墨画的审美基调。 第四编：程式化与革新——明清两代 明代绘画的特点在于“复古与创新”的矛盾统一。本书首先分析了“浙派”的院体遗风，以及“吴门画派”在继承元代文人画精神上的雅致化倾向，特别是对沈周、文徵明的艺术成就进行深入评估。随后，重点阐述了董其昌的“南北宗论”对后世画史书写产生的巨大、且复杂的学术影响。 清代，绘画进入了流派纷呈与个性张扬的阶段。本书详细考察了“四王”对董其昌笔墨程式的集大成与程式化倾向；同时，也展现了石涛的“我自成一家”所代表的颠覆性精神，以及“金陵画派”和“扬州八怪”在题材选择和笔墨表现上的突破与世俗化倾向。对恽寿平花鸟画的创新，也进行了专门的论述。 结语：现代转型与未来展望 最后，本书简要勾勒了晚清至民国时期，中国绘画如何面对西学东渐的冲击，从传统模式中艰难转型，直至中国画的“新式转型”，探讨了对笔墨本体的坚守与对新材料、新观念的吸收与融合，为读者理解当代中国艺术提供了历史纵深感。 本书特色： 宏大叙事，兼顾细节： 结构清晰，脉络分明，同时对关键画家、重要作品的风格特征剖析深入到位。 理论与实践并重： 不仅介绍“画了什么”，更深入探讨“如何去画”——即笔墨技法、审美哲学与时代背景之间的互动关系。 图像分析辅助： 书中配有大量经典范例的局部放大解析，帮助读者直观理解不同时代技法的精妙之处。 拒绝单一化解读： 全书力求呈现中国绘画史的多样性与复杂性，避免将任何一个时期的风格视为终极标准。 本书是艺术史研究者、专业画家以及所有热爱中国传统文化的读者，不可多得的系统性、权威性的通识读本。它不满足于对既有经典的简单罗列，而是致力于揭示中国绘画“活的灵魂”——即其绵延不绝的创造力与对人与自然关系的独特理解。

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作为一名对中国传统艺术抱有浓厚兴趣的学习者，我非常看重一套画谱的“可操作性”和“学术严谨性”。这套书在这两方面做得相当平衡。一方面，它提供了大量高清的范例，对于我们模仿和学习基本功，无疑是极好的参照物。另一方面，它在关键部分的讲解（如果有的话，此处假设存在一些简短的导览或注释）处理得十分得体，既没有过于冗长地阐述理论，又精准地指出了关键的审美点和技法难点，让人能够有的放矢地进行借鉴。这种既有“高度”又有“温度”的呈现方式，非常适合不同阶段的学习者。我个人尤其欣赏它在“留白”上的处理，这种克制的美学，恰恰是当下许多作品所缺失的，它教导我们，不画、不写的部分，与画了、写了的部分同等重要，共同构成了作品的呼吸空间和无限延展性。

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阅读这套书的过程，对我而言，更像是一场关于“意境”的深度探索。它并非简单地罗列作品，而是通过一系列精心编排的画面组合，构建起一种独特的东方美学氛围。我发现，即便是同一位画家的作品，放在不同的章节中，其所表达的情绪和侧重点也会随之微妙地变化，这显示出编者极高的艺术鉴赏力和叙事能力。有时候，我甚至不需要看落款，仅仅通过墨色的浓淡干湿、线条的疾徐抑扬，就能感受到其中蕴含的哲思——那种“此时无声胜有声”的境界，是需要长时间沉浸才能捕捉到的。这种编排上的用心，极大地提升了阅读的层次感，让人感觉自己不是在被动地接受图像，而是在主动地参与到艺术的构建过程中。它教会我如何去“看”画，而不是仅仅“欣赏”画，这种潜移默化的引导作用，价值无法估量。

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这本书给我带来的最大震撼，是它无声地揭示了中国艺术精神的连续性与革新性。翻阅这些作品，你会发现，尽管时代背景和个体经历各不相同，但贯穿其中的那股“文人气息”是清晰可见的，它是一种超脱于物质、追求精神自由的文化基因。最令我感到惊喜的是，它似乎有一种魔力，能让你在面对现代生活的纷繁复杂时，找到一个宁静的锚点。每当我感到思绪漂浮不定时，只需翻开任意一页，目光触及那沉稳的笔触和内敛的色彩，内心的躁动便会奇迹般地平复下来。这已经超越了一本单纯的艺术资料集的功能，它更像是一种精神疗愈工具，帮助我重新校准了自己的内心频率，找回那种久违的，对美的纯粹向往和专注力。这种深层次的共鸣和滋养，是任何肤浅的流行读物都无法比拟的。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种典雅复古的气质，光是捧在手里就能感受到一种沉甸甸的历史厚重感。内页的纸张选择也颇为讲究，纹理细腻，触感温润，即便是印刷的图像，色彩的还原度也相当惊艳，可以看到画家笔触的微妙变化。我特别喜欢它对细节的处理，比如扉页上的题签，那种传统书法的韵味，让人忍不住反复摩挲。装订得非常结实，即便是经常翻阅，也不担心散页的问题。当然，如果能配上一本关于装帧工艺的小册子介绍一下选材和工艺的讲究，那就更完美了，毕竟这样的艺术品级别的图书，其外在的呈现同样是艺术的一部分。它不仅仅是一本画册，更像是一件值得收藏的工艺品，放在书架上本身就是一道风景线，散发着低调而奢华的艺术气息。从实用性上讲，它很适合在光线充足的环境下细细品味，每一幅作品仿佛都在与观者进行跨越时空的对话，那种油然而生的敬意，是快餐式阅读永远无法替代的体验。

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坦白说，我最初对这类传统题材的画谱是持保留态度的，总觉得内容可能略显保守，缺乏现代的冲击力。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它所呈现的画面，其生命力极其旺盛，即便是描绘最寻常的景物，也饱含着一种蓬勃向上的力量。尤其是一些对光影和质感的处理，简直达到了令人发指的精妙程度，我甚至能“闻到”画中松针上的露水气息，或者“听到”竹林中风吹过的沙沙声。这种极强的代入感，源于画家对生活细致入微的观察，以及将瞬间感受凝固于笔尖的非凡功力。这种“造境”的能力，远超出了简单的技法展示，它传递的是一种积极入世的生活态度，激励着我在日常琐碎中寻找诗意和美感。阅读它，让我重新审视了自己的创作观和审美标准，感觉自己的“艺术雷达”都被重新校准了。

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又是一个笔墨高手

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