动画片的前期制作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国美术学院出版社

作者:常虹

出品人:

页数:138

译者:

出版时间:2004-7

价格:48.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787810833387

丛书系列:

图书标签:

• 动画及电影
• 动画
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《光影的孕育：经典动画的诞生与技艺》 探寻动画的起源，解读创作的奥秘，绘制流动的艺术。 在人类文明的长河中，有一种艺术形式，它能够将静态的线条和色彩赋予生命，让想象力在银幕上自由驰骋，带我们进入一个又一个奇幻的世界。这就是动画，一种集绘画、表演、叙事、技术于一体的综合艺术。而每一部令人心动、引人入胜的动画作品，其背后都凝聚着无数创作者的心血与智慧，一段充满挑战与创新的孕育过程。 《光影的孕育：经典动画的诞生与技艺》并非一本单纯的教程，它是一次深入的探索，一次对动画艺术从概念到最终呈现的全方位解读。我们并非要讲述某个特定动画项目的“前期制作”，而是要揭示动画创作的普适性规律，以及那些塑造了动画史的里程碑式作品背后的核心思想与实践。本书将带领读者穿越动画发展的漫长岁月，从最早的手绘动画的萌芽，到计算机动画的革命性突破，深入剖析那些奠定行业基石的创作理念、技术革新以及人才培养模式。 第一篇：从无声到有声——动画语言的演进与塑造 在数字时代来临之前，动画的诞生本身就是一项艰巨而充满魔力的工程。本书将追溯动画的先驱者们是如何在有限的技术条件下，通过不懈的努力，开创了属于自己的艺术语言。 意念的具象化：故事板的诞生与灵魂拷问。 在任何视觉叙事的起点，都是一个想法，一个故事。故事板（Storyboard）是动画创作中不可或缺的“草稿”，它将抽象的故事情节转化为一系列连续的画面，如同电影的蓝图。我们将深入探讨故事板的起源，分析不同时代、不同风格的故事板如何服务于叙事，以及它在角色情感表达、镜头调度、节奏控制方面的核心作用。我们会通过分析那些影响深远的经典动画的早期故事板草图，来体会创作者们如何在早期阶段就奠定作品的基调和情感内核。例如，早期迪士尼动画如《白雪公主》和《匹诺曹》的故事板，是如何在极具挑战的铅笔线条中，就展现出角色的个性与情绪的。 动作的生命力：关键帧的艺术与中间画的律动。 “动态”是动画的生命。本书将详细解析关键帧（Keyframes）的概念，这是动画师们通过绘制一系列关键动作姿态，来定义角色运动轨迹的核心。我们会探讨不同动画风格中，关键帧的应用差异，例如，写实动画对物理定律的严谨遵循，与夸张动画的自由变形之间的平衡。更重要的是，我们将聚焦于中间画（Inbetweens）的绘制，这个被誉为“动画师的灵魂”的环节。中间画的流畅性、节奏感，直接决定了动画的观感。我们会通过对一些早期经典短片，如早期的《米老鼠》和《猫和老鼠》的片段进行拆解分析，来理解动画师们如何在有限的帧数内，创造出令人惊叹的流畅感。 角色的灵魂注入：原画与动态的对话。 原画（Animation Drawings）是动画最基本的单元，它们承载着角色最直接的形态和动作。本书将深入剖析原画师的工作流程，以及他们如何通过对线条、比例、光影的精准把握，赋予角色鲜活的生命力。我们将探讨不同动画流派（如美国迪士尼风格、日本动画风格、欧洲独立动画风格）在原画设计上的差异，以及这些差异如何反映出各自的文化背景和艺术追求。例如，日本动画中对角色面部表情细致入微的刻画，与美国动画中更强调肢体语言的夸张表现，各有千秋。 色彩的魔力：调色板的构建与情感的烘托。 色彩不仅仅是表面的装饰，更是传递情感、营造氛围的重要手段。本书将探讨动画色彩设计的原则，包括色彩心理学在动画中的应用，如何通过色彩来区分场景、烘托情绪，以及如何构建一个统一和谐的视觉风格。我们将分析一些经典动画的色彩运用，例如，《千与千寻》中对色彩的梦幻运用，如何营造出那个不可思议的异世界；《狮子王》中，鲜艳明亮的色彩如何衬托出非洲大草原的壮丽与生机。 第二篇：技术的光芒——革新与探索中的动画实践 动画的发展史，也是一部技术不断革新的历史。从手绘到数字，每一次技术的飞跃都为动画创作打开了新的可能。 定格动画的耐心与雕琢：材质的温度与真实的触感。 在计算机动画尚未普及的年代，定格动画（Stop-motion Animation）以其独特的魅力，征服了无数观众。本书将深入解析定格动画的制作工艺，包括模型制作、场景搭建、逐帧拍摄等环节。我们将分析定格动画如何通过真实材质的运用，赋予角色独特的质感和生命力，例如，雷·哈利豪森的史诗巨作，是如何通过精巧的黏土模型和定格拍摄，创造出令人叹为观止的怪兽形象。同时，我们也会关注当代定格动画大师们，如韦斯·安德森的电影，是如何将定格动画的精髓与现代叙事相结合，创造出独具风格的视觉体验。 赛璐珞的黄金时代：手绘动画的辉煌与挑战。 赛璐珞（Cel Animation）是动画制作的经典载体，它见证了动画史上的无数辉煌。本书将回顾赛璐珞动画的制作流程，包括原画、中间画、描线、上色、合成等环节，以及在这个过程中，动画师、上色师、描线师等不同岗位之间的协作。我们将探讨赛璐珞动画的优势与局限，以及它在成本、效率、艺术表现力方面的考量。我们会通过分析《猫和老鼠》的经典片段，来体会赛璐珞动画在动作设计上的灵动与幽默。 计算机的介入：3D动画的革命与三维世界的构建。 计算机技术的飞速发展，彻底改变了动画的面貌。本书将深入解析3D动画的制作流程，包括建模、贴图、绑定、动画、渲染等核心环节。我们将探讨3D动画如何突破2D的限制，创造出更加逼真、复杂的场景和角色，以及它在表现力上的无限可能。我们会从《玩具总动员》的开创性意义，到皮克斯、迪士尼、梦工厂等公司在3D动画领域的探索与创新，来理解这项技术如何塑造了现代动画的产业格局。 数字绘画与合成的融合：二维与三维的边界消融。 随着技术的发展，二维与三维的界限越来越模糊。本书将探讨数字绘画、动态捕捉、后期合成等技术如何与传统动画制作流程相结合，为动画创作带来更多的可能性。例如，如何在2D动画中加入3D元素的特效，或者如何将真人表演的动作捕捉，转化为3D动画角色的运动。我们将分析一些优秀作品，如《蜘蛛侠：平行宇宙》，是如何巧妙地融合了多种视觉风格和技术手段，创造出令人耳目一新的动画体验。 第三篇：创意的火种——故事、情感与文化的交织 技术是手段，而创意才是动画的灵魂。本书将聚焦于动画的核心——故事的构建、情感的传递以及文化的影响。 剧本的雕琢：叙事结构与角色弧光的魅力。 好的故事是吸引观众的关键。本书将探讨动画剧本创作的独特之处，包括如何构建引人入胜的情节，塑造立体鲜活的角色，以及如何通过人物弧光（Character Arc）来展现角色的成长与转变。我们将分析不同类型的动画作品，从儿童动画的教育意义，到成人动画的深度思考，来理解故事在其中扮演的角色。 情感的共鸣：表演的张力与声音的魔力。 动画角色的情感表达，是连接观众与作品的重要桥梁。本书将探讨动画表演的艺术，包括面部表情、肢体语言的细致刻画，以及配音演员如何用声音赋予角色生命。我们将分析不同风格的动画，如何通过表演来传递喜怒哀乐，引发观众的情感共鸣。 文化的印记：地域风格与普世价值的碰撞。 动画作为一种跨越国界的艺术形式，承载着不同的文化信息。本书将探讨不同地域的动画风格，如日本动画的细腻情感与东方哲学，美国动画的幽默与英雄主义，欧洲动画的实验与艺术探索。我们将分析这些风格的形成原因，以及它们如何与普世价值相互碰撞，产生独特的艺术魅力。 想象力的边界：超越现实的奇观与哲思。 动画最迷人的地方在于它能够打破现实的束缚，创造出天马行空的想象世界。本书将探讨动画如何通过奇观的构建，传递深刻的哲思，引发观众对人生、社会、宇宙的思考。我们将分析那些敢于挑战传统，具有深刻思想内涵的动画作品，来体会动画艺术的无限潜力。 《光影的孕育：经典动画的诞生与技艺》是一次跨越时代的梳理，一次对动画艺术深层价值的挖掘。它并非局限于某一个具体的制作环节，而是试图从更宏观的视角，展现动画从无到有的孕育过程，从技术到艺术的演变轨迹，以及它在文化和社会中所扮演的重要角色。无论您是动画爱好者，还是 aspiring 的创作者，本书都将为您提供一次深入的洞察，一次对动画艺术的全新理解。它将帮助您看到，在那些光影流转的背后，是无数双手在辛勤耕耘，是无数智慧在闪耀光芒，是人类最纯粹的想象力，在不断地被雕琢、被呈现，最终成为触动我们心灵的艺术。

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我关注的另一个重点是技术工具与艺术表达的结合点。在当代动画制作中，从手绘到3D建模，工具的迭代速度非常快。这本书在介绍前期流程时，对于不同技术路线（比如是先做大量的2D概念图，还是直接进入3D灰模测试）是如何影响最终的叙事节奏和视觉风格的，阐述得是否足够清晰？我希望了解的是，例如，某项新软件或新渲染技术的出现，是如何迫使前期制作团队改变其传统的工作习惯和出稿标准的。如果作者只是停留在描述“需要做概念图”这个层面，而没有深入挖掘工具如何“塑造”了最终的设计语言，那么这本书对于理解现代动画的演进就显得有些滞后了。真正的洞见应该在于，工具如何成为创意的延伸，而不是仅仅充当执行的手段。我试图从中寻找那种能够预测未来趋势的蛛丝马迹，看看在技术不断进步的今天，动画前期制作的核心——“讲故事的眼光”——是否依然保持不变。

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说实话，我读这本书的时候，最大的感受是它似乎更侧重于工业化的流程管理，而不是那种充满激情和随机性的创作氛围。对于一个非业内人士来说，前期制作听起来应该充满着无尽的头脑风暴、咖啡因和争论。我一直很好奇，在分镜阶段，导演和动画师之间，或者编剧和美术指导之间，那些关于角色造型、表情细微变化的“拉锯战”是怎么进行的？这本书的叙述方式让我感觉一切都过于井然有序了。我希望看到的是关于“如何处理创意冲突”的篇章，毕竟艺术创作很少是一帆风顺的直线。成功的动画背后，往往隐藏着无数次的推倒重来和不妥协的坚持。如果书中能穿插一些著名动画制作中，那些著名的“差点就没法通过”的创意提案是如何被拯救或最终放弃的实例，那阅读体验会生动得多。目前的文字给我的感觉，更像是一份优秀的供应商评估报告，而不是一部关于创造性工匠精神的深度剖析。

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总体而言，这本书的排版和图例（如果它有的话）给人的感觉是严谨且专业的，但对于一个渴望了解“幕后人性”和“艺术挣扎”的读者来说，它可能略显保守。我一直在寻找那种能让我感受到“创作的痛并快乐着”的文字。前期制作的魅力在于它是最自由但也最容易迷失的阶段，是所有风险的集中爆发点。我期待书中能有更强烈的个人化色彩，比如作者分享自己职业生涯中某个前期项目遭遇的巨大瓶颈，以及他们如何通过非传统的方法突破困境。如果这本书能多一些关于“失败的预演”和“不完美的开始”的坦诚分享，而非仅仅是“最佳实践指南”，那么它将更能触动那些同样怀揣创作梦想的人。目前读下来，它更像是一份面向新入行者的、安全且可靠的入门手册，但缺乏那种能让人拍案叫绝的、独一无二的行业秘闻或哲学思考。

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我花了点时间翻阅了这本书，它给我的第一印象是信息量相当扎实，但叙事节奏上似乎有些偏向教科书式的讲解。我特别留意了其中关于“故事板（Storyboard）”和“视觉开发（Visual Development）”章节的描述，这两块内容在我看来，是前期制作中最能体现艺术性和策略性的部分。我期望看到的是，作者能够深入剖析不同项目如何根据预算、目标受众和导演的个人风格，来选择或调整其视觉语言的基调。比如，一部面向低幼儿童的Q版动画和一个面向成年观众的硬核科幻动画，在前期概念设计阶段，两者在色彩、动态捕捉和场景复杂度上应有哪些根本性的取舍和考量？书中对于这些“为什么”的解释是否足够有力？我个人更喜欢那种能引发思考的论述，而不是简单地告诉你“应该这样做”。如果能有更多不同风格项目的前期案例对比分析，展示决策过程的差异性，那这本书的价值会瞬间提升一个档次。目前来看，它似乎更侧重于提供一个标准化的框架，对于框架外的“变通”和“突破”探讨得稍显不足。

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这本书拿到手的时候，我其实是抱着一种复杂的心情。毕竟“动画片的前期制作”这个标题听起来有点学术，有点干货，但又有点让人担心是不是会太枯燥乏味，全是行业术语和技术细节。我本身对动画制作流程只是略知一二，更感兴趣的是那些最终呈现出来的、充满想象力的画面是如何一步步从无到有构建起来的。我期待它能揭开那些光鲜亮丽的成品背后，那些创意火花迸发、角色设计反复推敲、剧本磨砺无数次的幕后故事。理想中的状态是，作者能像一个经验丰富的老前辈，带着我们这些外行人，穿越迷雾，看到从概念诞生到分镜草图阶段，那个最原始、最充满活力的创造过程。我希望能看到一些关于“如何将一个模糊的想法视觉化”的实操经验，而不是单纯的流程罗列。毕竟，动画的魅力很大程度上源于那个“从零到一”的想象力飞跃。如果这本书只是泛泛而谈，或者过于偏重技术文档的撰写，那对我来说吸引力就会大打折扣了。我更想知道的是，那些让一部动画片真正“活起来”的，最初始的那些关键决策是如何做出的。

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好极了。

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