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出版者:中国人民大学出版社

作者:周 珂

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:1999-3-1

价格:19.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787300033600

丛书系列:

图书标签:

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现代音乐史：从古典主义到后现代的演变 本书导言：声音的编年史 本书旨在为读者提供一部全面而深入的现代音乐发展史，时间跨度从18世纪末期古典主义的鼎盛时期，一直延伸至21世纪初的数字音乐与多元文化融合阶段。我们不将音乐视为孤立的艺术形式，而是将其置于广阔的社会、政治和技术变革的背景之下进行考察。音乐的演进，正如人类文明的进程一样，充满了矛盾、突破与不断的自我超越。 第一部分：古典主义的辉煌与浪漫主义的勃发（1780s - 1880s） 第一章：秩序与平衡的时代：维也纳古典乐派 本章着重探讨约瑟夫·海顿、沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特以及路德维希·凡·贝多芬早期作品中所体现的古典主义精神。这一时期的音乐强调清晰的结构、平衡的比例和清晰的旋律线。我们将分析奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为组织音乐思想的核心框架，以及交响乐这一体裁如何从宫廷娱乐转变为表达深刻人文精神的宏大叙事载体。重点解析贝多芬如何通过其中期作品（如第三、五、九交响曲）开始“雕刻”结构，为后来的浪漫主义埋下伏笔。 第二章：情感的解放：浪漫主义音乐的兴起 19世纪初，随着启蒙运动的理想主义逐渐被个人情感、民族精神和对超验世界的向往所取代，音乐进入了浪漫主义时期。这一时期的作曲家（如舒伯特、肖邦、舒曼）将主观体验置于形式规范之上。本章细致考察了艺术歌曲（Lied）的发展，探讨了钢琴作为“歌唱性乐器”的地位如何被提升，以及小型器乐曲（如夜曲、即兴曲）如何成为表达细腻内心世界的有效媒介。此外，我们将审视歌剧领域（如威尔第和瓦格纳）如何通过“主导动机”（Leitmotif）和扩大管弦乐队编制，来实现戏剧与音乐的深度融合。 第三部分：民族主义的崛起与晚期浪漫主义的扩张（1870s - 1910s） 第三章：地域的呼唤：民族乐派的构建 在德奥音乐的主导地位下，欧洲其他地区的作曲家开始有意识地从本土民间音乐、民间传说和民族历史中汲取灵感，以构建独特的国家音乐语言。本章将深入分析“五人组”（巴拉基列夫、穆索尔斯基、鲍罗丁、林姆斯基-高沙科夫、崔崔）在俄罗斯音乐中的贡献，探讨德沃夏克如何将波西米亚的民间节奏融入交响乐的宏大结构，以及芬兰作曲家西贝柳斯如何通过其交响诗捕捉北欧的荒凉与史诗气质。 第四章：巨人的黄昏：晚期浪漫主义的过度饱和 进入19世纪末，许多作曲家试图将浪漫主义的情感张力推向极致，导致和声语言日益复杂，配器趋于庞大。古斯塔夫·马勒的九部交响曲与未完成的第十部，象征着人类对宏大叙事和终极意义的绝望追问。理查德·施特劳斯在《查拉图斯特拉如是说》等作品中对管弦乐队的极限运用，预示着调性体系即将面临的结构性危机。本章将分析这种“过度表达”如何成为引发下一场音乐革命的催化剂。 第三部分：现代主义的断裂与重建（1900 - 1945） 第五章：告别调性：印象派、表现主义与无调性 20世纪的开端是音乐史上最剧烈的变革时期之一。克劳德·德彪西的“印象派”音乐，通过模糊的音色和对传统功能和声的规避，描绘了光影与氛围。与此同时，在维也纳，阿诺德·勋伯格及其追随者（贝尔格、韦贝尔恩）则彻底抛弃了调性中心，进入了自由无调性（Free Atonality）的领域，并最终发展出“十二音序列技术”（Twelve-Tone Technique），试图用全新的逻辑来组织声音。本章将详细阐述十二音体系的内在运作机制及其对音乐结构的影响。 第六章：原始的回归与节奏的暴力：斯特拉文斯基与《春之祭》 伊戈尔·斯特拉文斯基的《春之祭》（1913）被公认为20世纪音乐的里程碑事件。本章将分析这部作品中对原始节奏的强调、尖锐的对位和异化的和声如何彻底颠覆了听众的审美期待。随后，我们将探讨战间期兴起的“新古典主义”（Neoclassicism），分析作曲家们（包括斯特拉文斯基和欣德米特）如何试图从巴洛克和古典时期的清晰形式中寻找新的秩序和稳定性。 第四部分：战后实验与电子媒介的介入（1945 - 1980s） 第七章：序列主义的全面控制与机会的引入 二战后，对理性秩序的追求达到了新的高峰。以皮埃尔·布列兹为代表的作曲家将勋伯格的十二音技术扩展到所有音乐元素（力度、时值、音色），形成了“总体序列主义”（Total Serialism）。然而，对过度控制的反思催生了约翰·凯奇的“偶然音乐”（Chance Music）和“不确定性”美学。本章对比分析了这两种看似对立实则同源的探索方向，并重点分析了凯奇《4分33秒》对“什么是音乐”这一基本定义的颠覆。 第八章：电子音乐的诞生与声音的拓扑学 随着录音技术和电子合成器的发展，音乐的创作领域从传统乐器扩展到了纯粹的电子声波。本章追溯了德国科隆的电子音乐工作室（Stockhausen）与法国巴黎的具象音乐（Musique concrète，皮埃尔·谢弗）的起源与分野。我们将探讨电子音乐如何解放了音色本身，使其成为独立的结构要素，并分析这些早期实验如何影响了后来的合成器流行乐。 第四部分：多元并存的后现代景观（1980s 至今） 第九章：极简主义的回潮与回归可见性 在对后现代主义的反思中，一种强调重复、渐变和过程美学的音乐流派——极简主义（Minimalism）——在1960年代开始发展，并在80年代后进入主流视野。史蒂夫·赖希、菲利普·格拉斯等人的作品，通过简单的材料的不断重复和细微的相位移动，创造出一种“过程导向”的沉浸式体验。本章探讨了极简主义如何成为对前卫音乐复杂性的有力反拨，并影响了电影配乐和当代流行乐。 第十章：全球化、技术与未来的和声 进入21世纪，音乐的创作边界进一步模糊。数字采样、人工智能辅助创作和互联网传播极大地拓宽了音乐的触角。本章讨论了当代作曲家如何从全球化的文化视角出发，融合非西方传统（如印度的拉格或非洲的复节奏），以及如何在新媒体环境中重新定义“现场性”与“作品”的概念。音乐史的未来，不再是单一主线的演进，而是无数声音碎片在数字空间中的共振与碰撞。 结语：聆听的责任 本书以对声音本质的持续追问作结。现代音乐史是一部关于人类如何不断打破既有框架、重新定义美的历史。理解这些演变，不仅是为了欣赏那些伟大的作品，更是为了培养一种对未来声音保持开放和批判性态度的“聆听的责任”。

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