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出版者:

作者:庄永平

出品人:

页数:116

译者:

出版时间:2001-5

价格:12.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787805539911

丛书系列:

图书标签:

• 戏曲
• 青少年
• 文化
• 艺术
• 传统文化
• 表演
• 戏曲入门
• 国学
• 教育
• 课外阅读

好的，这是一本名为《风雅颂：中国古典诗词鉴赏与创作指南》的图书简介。 --- 风雅颂：中国古典诗词鉴赏与创作指南 卷首语：穿越时空的审美对话 在中国浩瀚的文化星空中，古典诗词无疑是最璀璨的星辰之一。它不仅是文学的瑰宝，更是中华民族精神气质的载体，是历史风云的见证，是个人情感最精微的表达。 《风雅颂》并非又一本堆砌辞藻的诗词选本，而是一部致力于构建读者与古典诗词之间“深度对话”的指南。我们相信，理解一首诗，如同理解一位故友的心事，需要工具、需要背景、更需要一颗共情的心。本书旨在用现代的语汇，解构古典的结构，带领读者从“阅读”迈向“体悟”，最终抵达“创作”的彼岸。 本书适合所有对中国传统文化怀抱热忱的读者，无论你是初涉古典文学的懵懂学子，还是希望提升鉴赏水平的文学爱好者，亦或是渴望在笔端捕捉灵感的当代写作者。 --- 第一篇：溯源与定调——理解诗词的“地理与气候” 要真正走进古典诗词，必须先了解它生长的土壤。本篇旨在提供一个宏观的历史框架，让读者明白诗词是如何从远古的吟唱中一步步演化、定型的。 第一章：诗的起源：从甲骨上的卜辞到《诗经》的田园牧歌 口头传统与文字的结合： 探讨先秦时期，诗歌作为祭祀、宴饮、劳作的伴随物，其最初的音乐性和实用性。 《诗经》的现实主义基石： 详细解析“风、雅、颂”三部的结构与功能。重点剖析“赋、比、兴”三大表现手法，它们是如何奠定后世所有诗歌叙事和抒情模式的。我们会深入解读《黍离》的忧患意识和《蒹葭》的朦胧之美，探究它们在文化传承中的里程碑意义。 第二章：浪漫与辞藻的飞扬——楚辞的奇幻世界 “骚体”的诞生： 对比《诗经》的质朴，《楚辞》以其瑰丽的想象、奇特的香草美人意象，如何开辟了中国文学史上浪漫主义的先河。 屈原的孤独与家国情怀： 重点解析《离骚》中“香草”与“美人”的政治隐喻，以及它对后世士人精神世界的深刻影响。分析楚辞在句式、词汇上的革新，如何突破了四言体的束缚。 第三章：汉魏风骨与六朝流变 乐府民歌的生命力： 考察汉代乐府对民间疾苦的记录，如《孔雀东南飞》的叙事能力。 建安风骨的悲怆： 分析曹氏父子的“对酒当歌，人生几何”所体现的乱世下的生命哲思，探讨他们如何将个人命运与时代背景紧密结合。 宫体诗的精致化： 简述六朝时期，诗歌在技巧上的精进与内容上的转向，为唐诗的全面爆发蓄积了能量。 --- 第二篇：盛唐气象与宋词婉约——格律的精炼与情感的深化 本篇是全书的重心，将聚焦于中国古典诗词的黄金时代——唐诗和宋词，深入剖析它们在形式美学和情感表达上的巅峰成就。 第四章：唐诗的黄金结构：格律的约束与想象的自由 近体诗的“骨架”： 详细拆解近体诗（律诗与绝句）的平仄、对仗、韵脚规则。我们不只是讲解规则，而是探讨这些规则如何强制诗人进行更精妙的文字筛选和意象排列，从而达到“不着一字，尽得风流”的效果。 山水田园的禅意： 以王维、孟浩然为例，探讨如何在有限的笔墨中捕捉自然变幻的瞬间，以及诗歌与佛道思想的交融。 边塞诗的雄浑叙事： 解析高适、岑参如何运用夸张、对比的手法，描绘边疆的壮阔与将士的艰辛。 “诗仙”的浪漫与“诗圣”的沉郁： 深度对比李白与杜甫，前者如何以“谪仙”的姿态驾驭想象，后者又如何以“诗史”的笔触记录时代的悲剧。 第五章：宋词的“慢”与“深”：从宴乐到心声 词体的兴起与“慢词”的特性： 词作为一种配合音乐的文体，其长短句的结构如何更适应细腻、缠绵的情感表达。 豪放派的拓宽： 以苏轼为例，探讨词如何从闺怨的题材中解放出来，容纳议论、抒发对宇宙人生的宏大思考，实现“以诗为词”。 婉约派的极致： 精析柳永和李清照，研究他们如何利用叠字、口语化表达，将个体生命中的相思、离别、愁绪刻画得入木三分。 --- 第三篇：鉴赏的进阶——解密诗眼与意境的营造 本篇着重于培养读者的“诗感”，提供一套系统的鉴赏方法论，帮助读者超越字面意思，直抵作品的审美核心。 第六章：炼字、对仗与“诗眼”的捕捉 动词的力量： 举例说明一个精准的动词（如“春风又绿江南岸”中的“绿”），如何激活整句意象。 对仗的艺术张力： 剖析工对、流水对、跳脱对的差异，理解对仗如何创造形式上的平衡与内容上的递进或反转。 “诗眼”的识别与理解： 探讨何为“诗眼”，并提供方法论，教导读者在阅读时主动搜寻那些凝结全诗神韵的关键性词语或意象。 第七章：意象的构建与情感的投射 古典意象的文化密码： 系统梳理“月亮”、“酒”、“柳”、“鸿雁”、“杜鹃”等核心意象在不同朝代、不同语境下的文化含义变化，理解它们如何成为一种高效的情感编码。 情景交融的奥秘： 探讨如何区分诗中的“景”与“情”。分析那些被视为典范的名篇，是如何做到景中含情，情不外露的境界。 --- 第四篇：学以致用——古典诗词的创作实践入门 欣赏的终极目标是内化与再创造。本篇将引导有志者进行创作实践，但侧重于学习古人“如何思考”而非僵硬的模仿。 第八章：从模仿到化用：创作的基石 “学古不泥古”的平衡： 强调理解古人创作时的“限制”和“自由度”。 句式与韵部的练习： 针对初学者，提供循序渐进的练习方法，从仿写名词、对仗开始，逐步进入组句。 以“意”统“形”： 强调创作的驱动力应是内心的真实感受（意），形式（格律）是为感受服务的。指导读者如何将现代生活中的细微观察，尝试用古典的表达方式进行提炼和转译。 第九章：诗词入古的现代应用 主题的现代性： 探讨如何在继承古典诗词意境的同时，融入当代人的精神困惑、科技体验或城市景观。 “格律的松紧度”选择： 引导读者根据自己的表达需求，选择更接近古风的严谨格律，还是更自由的古风体。 --- 结语：永恒的共鸣 《风雅颂》是一把钥匙，打开通往中国古典审美殿堂的门。它不要求读者成为诗人，只期望每位读者都能在吟诵之间，找到与历史先贤的共鸣，发现自己内心深处那份未被现代喧嚣磨灭的诗意和风骨。阅读古典诗词，即是与中华民族的“风雅颂”精神进行一次最深沉的交谈。 本书特色： 1. 结构清晰： 从宏观历史脉络到微观鉴赏技巧，层层递进。 2. 案例详尽： 每种技巧和风格均配有精选的经典篇目进行逐句解析。 3. 注重实践： 提供了从鉴赏到创作的完整学习路径，而非止步于知识的罗列。 4. 语言现代： 采用平实、生动的现代语言解读古奥的典故与格律，消除读者的畏难情绪。

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我是一个对文化符号学比较感兴趣的读者，所以这本书中关于“意象”的解读给我留下了极其深刻的印象。很多传统戏曲中的道具，比如马鞭、水袖、甚至是一把扇子，在不同的情境下代表着截然不同的含义，这本书对此进行了非常细致的梳理和归类。作者没有把这些解读束之高阁，而是用通俗易懂的方式解释了这些符号是如何从民间传说、历史典故中一步步演变而来的，充满了文化的厚重感。例如，书中对“水袖”动作的力学和情感表达的分析，简直可以写一篇小论文了。它不仅仅是一个甩动的布条，它承载了悲喜、愤怒、期盼等复杂情绪的物理载体。这种对细节的挖掘和对深层含义的剖析，让这本书的深度远远超出了入门指南的范畴，更像是一部微型的文化解构手册。阅读过程中，我经常会停下来思考作者提出的那些关于传统符号现代转译的问题，深思良久。

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这本书的配图质量达到了专业级的水平，这一点必须首先提出来表扬。市面上很多同类书籍，配图往往是模糊不清的老照片或者质量低劣的扫描件，但这本书使用的插图和剧照，色彩饱满，细节清晰可见，很多都是极为珍贵的历史影像资料。光是欣赏那些脸谱的精细程度，就能体会到画师们数十年如一日的功力。而且，作者在图注上的用心也值得称赞，每一张图片都不是简单的装饰，而是紧密配合文字内容进行补充和佐证。比如在讲解某一特定剧目的经典唱段时，会附上该唱段表演时的舞台抓拍，让人能立刻将文字描述的腔调与视觉呈现的意境联系起来。对于一个偏爱视觉学习的读者来说，这种图文并茂的呈现方式，极大地提高了学习效率和阅读的愉悦感。如果说文字是骨架，那么这些精美的图片无疑是赋予了这部作品鲜活的血肉。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，拿到手时，那厚实的纸张和细腻的封面触感就预示着这是一部用心打磨的作品。我特别欣赏作者在章节编排上的匠心独运，从基础的乐理知识讲起，循序渐进地过渡到具体的声腔流派介绍，逻辑清晰得像一张精心绘制的地图，引导着初涉此道的读者毫不费力地找到方向。特别是关于“韵白”的讲解部分，作者没有停留在枯燥的理论阐述，而是穿插了大量生动的案例和口诀，让我这个以前觉得戏曲唱腔晦涩难懂的人，也能迅速抓住其中的精髓和趣味所在。书中对不同行当的服饰、化妆的图文解析也极其详尽，那些传统技艺的传承和演变过程被娓娓道来，仿佛能让人闻到舞台上那股特有的、混合了脂粉与汗水的历史气息。这本书不仅仅是一本工具书，更像是一位耐心的老师，它没有一味地灌输知识，而是鼓励读者去感受、去体验，让阅读的过程充满了探索的乐趣。如果你对传统文化有探究的欲望，这本书绝对值得你翻开，它为你构建了一个扎实的起点。

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这本书最让我感到惊喜的是它处理“流派差异”的方式。戏曲的流派众多，各有千秋，新人往往很容易在这些复杂的区分中迷失方向。然而，作者采用了非常巧妙的对比分析法，将几个主流剧种的代表性曲目和声腔特点放在一起进行横向比较，通过听感上的差异来凸显各自的艺术追求。比如，对某一段高腔的处理，甲剧种侧重的是婉转缠绵，而乙剧种则强调的是高亢激昂，这种对比一目了然。作者在描述这些技术性差异时，用词非常精准，避免了过于口语化而流于表面，也避免了过于专业化而让人望而却步。这种平衡掌握得恰到好处，使得即便是对戏曲知识了解不多的读者，也能清晰地分辨出不同风格的魅力所在。这本书成功地搭建了一座桥梁，连接了专业知识与大众理解，让人在欣赏戏曲时，不再是盲目地叫好，而是能带着更专业的眼光去品味其中的层次和变化。

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坦白说，我原本以为这会是一本非常学术化、读起来会让人昏昏欲睡的教材，但事实完全出乎我的意料。这本书的文笔极其风趣幽默，读起来一点都不觉得吃力，反而像是在听一位博学的长辈在茶馆里聊“行家”的秘辛。作者在描述那些老一辈艺术家的传奇经历时，那种文字的张力简直能把我拉回到那个风云变幻的年代。我尤其喜欢其中关于“身段”和“手势”的解析，那些看似微小却蕴含着巨大情感表达的肢体语言，被作者用精准而富有画面感的语言描绘出来，我甚至忍不住对着镜子学了几个简单的亮相动作，那种代入感非常强烈。更难得的是，书中对戏曲的社会背景和历史沿革的分析，都处理得恰到好处，既有深度又不失可读性。它没有回避传统艺术在现代社会面临的挑战，而是以一种充满希望的笔触探讨了传承的可能性。这本书的价值在于，它不仅教你“是什么”，更让你明白“为什么会是这样”，成功激发了我去观看更多现场演出的热情。

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