竹木牙雕 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:上海文化出版社

作者:赫崇政

出品人:

页数:246

译者:

出版时间:2002-4

价格:24.00元

装帧:精装(无盘)

isbn号码:9787806464052

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 木雕鉴定
• 木雕
• 学术。
• 牙雕
• 竹雕
• 传统工艺
• 民间艺术
• 工艺美术
• 雕刻艺术
• 文房四宝
• 收藏
• 手工艺
• 中国传统文化

《墨痕山水：中国古代书画中的自然意象与人文情怀》 内容简介 《墨痕山水》并非一本讲述具体器物制作技法的书，它将目光投向中国古代书画的宏大世界，特别是其中对于自然意象的描绘，以及这些意象背后所蕴含的人文情怀。本书的核心在于探讨艺术家如何通过笔墨的挥洒，将山川草木、云水风峦转化为精神世界的投影，并借此抒发或寄托古人的情志。 全书共分为五个篇章，层层递进，力求展现中国山水画乃至广义的书画艺术中，人与自然之间微妙而深刻的联系。 第一章：笔墨下的天地——中国画的意境之源 这一章将深入剖析中国画“写意”的艺术特质，阐释“意”在中国画中的核心地位。我们不谈具体的“写意”技巧，而是追溯其哲学根源。将从道家“道法自然”的宇宙观出发，探讨古人如何看待自然，如何理解“天人合一”的思想，以及这些哲学理念如何渗透到艺术创作之中。 我们将审视中国画对“气韵生动”的追求，以及“骨法用笔”、“传移模写”等传统评价标准，并非为了讲解技法，而是为了理解这些标准如何引导艺术家捕捉自然的“神”而非仅仅是“形”。通过对早期山水画的梳理，如荆浩、关仝、董源、巨สดง等巨匠的风格，我们可以看到从具象到意象的转变，从描摹到表现的升华。例如，我们不会去分析董源《潇湘图》中的皴法细节，而是侧重于解读其温润秀雅的笔墨所营造出的江南水乡的宁静与诗意，以及这种诗意如何反映了士大夫阶层对隐逸生活和内心宁静的向往。 本章还将探讨中国画在“留白”方面的独特之处，认为留白并非“空”，而是“无尽藏”。这种“无”的空间，正是观者想象力驰骋的舞台，也是艺术家情感得以延展的画布。通过对不同时期山水画作品中留白的分析，我们可以体会到艺术家如何引导观者进入一个超越物质界限的精神空间，从而与自然产生心灵的共鸣。 第二章：山石的魂魄——中国画中的山峦意象 本章将聚焦于中国画中最具代表性的自然元素——山峦。我们不会去分析具体的山水画作品，而是从更广阔的视角，探讨艺术家如何赋予山石以生命与灵魂。 我们将审视中国画中“峰”、“峦”、“石”、“岩”等不同形态的山体是如何被描绘的，并重点分析画家们是如何通过笔墨的粗细、浓淡、干湿变化，来表现山石的体积感、质感和力量感。然而，重点并非技术层面，而是艺术家们在描绘这些物质形态时，所注入的“人格化”情感。例如，雄伟的山峰可能象征着君子的气魄与担当，陡峭的山崖可能寄寓着不屈的意志，而蜿蜒的山脉则可能代表着人生的起伏与变化。 本章将从历史发展的角度，梳理不同时代对于山峦意象的理解差异。例如，北宋全景式山水画中那些巍峨壮丽的山峦，往往寄托着朝廷的宏图壮志与盛世气象；而文人画中那些清幽淡雅的写意山水，则更多地展现了个人对自然的热爱和对宁静生活的追求。我们将通过这些对比，揭示艺术家在塑造山峦意象时，是如何将个人的审美情趣、人生哲学乃至社会时代的精神风貌融为一体的。 此外，我们还将探讨“山”在中国文化中的象征意义，例如“五岳”、“四渎”等在中国人心中的地位，以及这些地理概念如何潜移默化地影响了艺术家对山峦的想象。我们将通过分析大量的画论和文学作品，来理解古人为何会对山峦情有独钟，为何能从一座山、一处石中读出如此丰富的人生况味。 第三章：流水的低语——中国画中的水韵与生命 水，是中国画中另一不可或缺的重要元素。本章将深入探讨艺术家如何捕捉流水的形态、声音与生命的律动。 我们将分析在山水画中，水是如何被描绘的——或为奔腾的江河，或为静谧的湖泊，或为缠绵的溪流，或为缥缈的云雾。我们将重点分析画家们是如何通过“云”、“水”、“波”、“浪”等不同形态的描绘，来表现水的动态与静态，以及水的“柔”与“刚”。然而，核心并非技术性的笔法，而是艺术家们如何赋予这些形态以生命的气息。 我们将探讨水在中国文化中的象征意义，例如“上善若水”所体现的包容、柔韧与变通，以及“行云流水”所代表的从容与自在。这些哲学理念如何体现在画家对水的描绘中？例如，蜿蜒的溪流可能象征着生命的源源不断与生生不息，而浩瀚的江河则可能寄寓着宽广的胸怀与博大的抱负。 本章还将分析水在中国画中与其他元素的互动关系。例如，水与山的相依相偎，构成了一个完整的自然生态，也象征着人与自然之间不可分割的联系。水与人的活动，如渔舟唱晚、泛舟饮酒，则将自然之美与人文之乐巧妙地融合在一起。我们将通过分析不同时期描写水景的作品，来感受水在中国画中，既是自然的景致，也是情感的载体，更是生命的象征。 第四章：生灵的吟唱——中国画中的花鸟鱼虫与人文寄托 虽然本书的重点在于山水，但中国画中的花鸟鱼虫等元素，同样承载着丰富的自然意象与人文情怀。本章将拓展视野，探讨这些微观世界的描绘，如何与宏大的山水意境相呼应，并为艺术家提供另一条抒发情志的途径。 我们将分析艺术家们如何通过描绘花卉的盛衰、鸟儿的啁啾、鱼儿的嬉戏，来展现自然的生机与活力。然而，重点不在于写实，而在于这些形象背后所寄托的象征意义。例如，牡丹象征富贵，竹子象征君子，梅花象征高洁，兰花象征隐逸。这些象征意义并非艺术家凭空捏造，而是与中国人的生活习惯、伦理道德、哲学观念紧密相连。 本章将重点关注文人画中的花鸟题材，探讨这些作品如何成为艺术家抒发个人情怀的载体。例如，在动荡的年代，隐逸的文人可能通过描绘竹石，来寄托自己不与世俗同流合污的情操；而寄情于山水的画家，也可能在花鸟画中融入对故乡的思念，或对人生短暂的感慨。 我们将分析不同题材的花鸟画作品，如“四君子”、“岁寒三友”等，来理解这些题材在中国文化中的特殊地位，以及艺术家如何通过对这些元素的描绘，来传递积极向上、正直清廉的品格。通过对这些微观世界的深入解读，我们可以更全面地理解中国画艺术中，人与自然、人与生命的和谐统一。 第五章：情寄山水——中国画中的人文精神与时代回响 本章将是对全书思想的升华与总结。我们将不再纠结于具体的描绘对象，而是从更宏观的视角，审视中国古代书画艺术中，自然意象如何成为承载和反映人文精神的载体。 我们将探讨，为何在中国古代，山水画能够成为士大夫阶层表达情感、寄托理想的重要艺术形式。这与中国古代的社会文化背景息息相关，如士人阶层的崛起，对“修身齐家治国平天下”的追求，以及对功名利禄的矛盾心态。山水画中的自然景致，既可以提供一个远离尘嚣的避风港，又可以成为艺术家借景抒怀、针砭时弊的平台。 本章将从历史发展的角度，审视不同时代的山水画风格与时代精神的呼应。例如，北宋的繁盛景象如何体现在雄浑的山水画中，而南宋的偏安一隅又如何在画面中流露出悲壮与苍凉。明清时期，随着商品经济的发展和社会结构的变迁，山水画又呈现出哪些新的面貌？ 最终，我们将强调，《墨痕山水》并非仅仅是一本关于绘画的艺术史，它更是一本关于中国古代文人心灵世界的解读。通过对山水画中自然意象的深入探寻，我们可以窥见古人的宇宙观、人生观、价值观，以及他们面对自然、面对社会、面对自我时的复杂情感。这本书旨在唤起读者对于中国传统文化中“天人合一”精神的重新认识，以及对于自然之美与人文之情的深刻感悟。它邀请读者一同走进墨痕流转的山水之间，感受那些穿越时空的、动人心魄的中国人文精神。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

初读这本书的章节编排，给我的感受是既宏大又精微，它并非简单地按照时间顺序罗列历史，而是采取了一种更具学术洞察力的“主题切片”方式来展开叙述。比如，其中有一章专门探讨了不同时期对“竹节”这种意象的象征性解读，从汉代的朴拙到清代的繁复，作者不仅梳理了文献记载，还巧妙地结合了不同地域的民间信仰和文人情趣，分析了竹子在文人心目中“有心”与“空”的辩证哲学。这种处理方式避免了枯燥的流水账，而是将技术发展与文化内涵紧密地编织在一起。特别是关于某些失传的雕刻技法部分，作者似乎花费了大量的精力去考证和推测，通过对现存实物的微观分析，大胆而又审慎地提出了新的制作工艺链条的假说，这部分的论证过程逻辑严密，引人入胜，让读者仿佛跟随作者一起在历史的迷雾中进行考古发掘。我尤其欣赏它在描述那些精巧结构的段落，语言的张力十足，充满了对工匠智慧的赞叹，读起来让人热血沸腾，忍不住想要立刻去博物馆寻找那些实物，亲眼验证文字中的描述。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格，可以说是古典韵味与现代学术的完美融合，读起来有一种令人心安的沉静感。叙述者像是站在历史的彼岸，用一种既超然又充满同情的目光审视着千百年来那些默默无闻的雕刻大师们。它的遣词造句非常讲究，很少使用过于直白或流行的词汇，而是偏爱那些带着历史印记的、精确描述形态和质感的词语。例如，描述一处雕刻的阴影时，会用到“墨洇”或“光影洇染”之类的词汇，非常到位。更令人称道的是，作者在引用古代匠人笔记或文献时，处理得极为自然，既保留了原文的古朴，又通过恰当的注释或过渡句，确保了当代读者能够顺畅理解其深层意蕴，形成了如同与古代匠人隔空对话的奇妙体验。这种严谨而不板滞的文风，使阅读过程变成了一种缓慢而深沉的沉浸，让人在吸收知识的同时，也潜移默化地被提升了对文字美感的鉴赏力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是匠心独运，封面采用了那种带着微微粗粝感的麻布纹理，触感沉稳而又不失典雅，正中央的烫金字“竹木牙雕”在灯光下泛着低调的光泽，让人一眼就能感受到它内在蕴含的历史厚重感。内页的纸张选择也极为考究，米白色的道林纸，纤维纹理清晰可见，墨色印制得浓淡适宜，即便是长时间阅读也不会让人感到视觉疲劳。我特别喜欢它在章节切换时的扉页设计，通常会配上一幅古代雕刻艺术品的局部特写，线条的细腻、肌理的转折，都通过高精度的印刷技术得到了完美的还原，仿佛能透过纸面触摸到那些历经岁月洗礼的温润质地。装订方面，采用的是线装与胶装相结合的方式，使得书本可以平摊在桌面上，便于细细品鉴那些复杂的雕刻细节，这对于任何一个对手工艺美术感兴趣的读者来说，都是一个极其友好的设计细节。可以说，从拿到书的那一刻起，我就明白，出版方在制作这本书时，是怀着对艺术品本身应有的敬意去对待的，这种对细节的极致追求，极大地提升了阅读和鉴赏的体验，让人在翻阅过程中充满了仪式感和发现的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对外语文献有所涉猎的读者，我必须指出这本书在引证和参考资料方面的深度令人印象深刻。它绝非一本仅依赖国内现有材料的著作，书后附带的参考书目中，包含了大量我从未见过的日文、德文乃至俄文的专业图录和研究论文的影印件或翻译摘要。这表明作者的研究视野是真正意义上的国际化和跨文化的。例如，在探讨明代晚期福建地区的牙雕工艺如何影响了十七世纪荷兰殖民地的艺术品贸易时，作者精准地引用了阿姆斯特丹历史博物馆的馆藏记录和荷兰东印度公司的航海日志片段，这种跨国界、跨学科的资料整合能力，极大地增强了全书论断的可信度和广度。它成功地将原本可能局限在“中国传统工艺”范畴内的研究，拓宽到了全球艺术史和贸易史的视野中去，使得读者能够清晰地看到这些精美物件是如何在世界范围内流转、被欣赏和被模仿的，极大地丰富了我们对“工艺品”这一概念的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性，远超出了单纯的学术研究范畴，它对于收藏爱好者和行业从业者来说，简直是一本难得的“暗器”。书中对于不同时期、不同地域的雕刻风格的“识别要点”分析得极其细致入微，绝非泛泛而谈的“看包浆”或者“看刀法”。它会具体指出，例如嘉庆年间某一特定作坊的竹雕花鸟，其松针的刻画必定会采取“交叉排线法”，且凤眼部位会留有一个极其细微的、不规则的“泪滴状”凹陷，这些都是需要依靠大量实物对比才能总结出的独家经验。这种近乎“秘笈”的细节披露，对于初学者建立起对真伪的初步判断框架非常有帮助，同时也为资深藏家提供了深入鉴定的理论支撑。我尤其珍视那些关于“材料处理”的章节，比如如何判断一块木料是否经过了特殊的防腐或上油处理，以及不同时期对某些稀有材料（如象牙）的合法性与道德边界的考量，这些内容既专业又充满人文关怀，让这本书的价值链条得到了极大的延伸。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆