具体描述
本书着重介绍了Adobe Photoshop 7“数字化暗房”的技巧，以“暗房”的制作处理作为全书的主线，从图像处理概念开始谈起，并介绍了新版本的工具面板。 本书共分4部分内容。在数字图像概念单元里，介绍了数字图像处理的基本概念。在工具面板单元里，介绍了Photoshop 7全新的工具面板。在基础暗房技巧单元里，将指导初学者一些诸如曝光补偿、黑白相片着色、改变肤色、各种广告修图技巧、修补老旧照片、变焦、景深制造、营造光照气氛、数字纹身等技巧。在图像处理单元(第四章至第八章)里，通过2个实例介绍了数字绘图技巧。 本书图文并茂，讲解细致，大量精美的插图令人赏心悦目，同时配有学习光盘。本书适合于美术专业人士及广大对电脑数字图像处理感兴趣的用户。
摄影后期处理：从胶片到数码的色彩哲学与暗房技艺精粹 图书名称：摄影后期处理：从胶片到数码的色彩哲学与暗房技艺精粹 图书简介 本书并非聚焦于特定软件的工具书，而是一部深刻探讨摄影后期处理技术背后原理、哲学与艺术的专业著作。它旨在引导读者超越单纯的“修图”概念，进入一个理解光影、色彩、质感与叙事之间复杂关系的领域。我们将追溯传统暗房技术的精髓，并将其思想无缝嫁接到现代数码工作流程中，构建一套系统化、高阶的后期处理方法论。 第一部分：光影的本质与视觉语言的构建 第一章：理解光线——从曝光到影调的重建 本章首先深入探讨光线的物理特性及其在不同拍摄环境中的表现。我们不局限于相机测光表的读数，而是剖析“曝光”这一行为的本质——即如何将三维世界的光影信息，准确地编码进二维的数字传感器或胶片上。 影调的黄金分割： 详细讲解直方图的解读，区分“数据残留”与“有效信息”的界限。探讨高光、中间调和阴影三个区域的相互关系，以及如何通过精确控制曝光，为后期处理预留最佳的动态范围空间。 对比度的哲学： 分析不同对比度曲线（线性、S形、反S形）对图像情绪的影响。引入“主观对比度”的概念，即画面中视觉重量的平衡，而非简单的黑白差异。 柔光与硬光： 剖析光质对主体形态塑造的关键作用。通过案例分析，展示如何利用光线的方向性和散射度来营造戏剧性或平实感的氛围。 第二章：色彩的科学与心理学 色彩是情感的直接载体。本章将色彩理论提升至实践应用层面。 色域与色彩空间解析： 深入讲解sRGB, Adobe RGB, ProPhoto RGB等色彩空间的主要区别和适用场景。探讨“色彩管理”并非是繁琐的设置，而是确保创作意图准确传达的必要环节。 色彩的心理投射： 分析不同色相、饱和度和亮度的组合如何影响观众的情绪反应（例如，蓝色的冷静、红色的激情）。提供建立“情绪色板”的实用方法。 色彩的平衡艺术： 讲解白平衡的深层含义——它决定了画面的“基调”。介绍如何利用互补色、邻近色进行协调与对比，实现高级的色彩搭配，避免廉价的“饱和度爆炸”。 第二部分：传统暗房思维在数码时代的复兴 第三章：传统暗房技艺的数码映射 本章是本书的核心思想体现，它将传统大画幅暗房大师们的精湛技艺，系统地转化到现代的非破坏性编辑流程中。 遮挡与加光（Dodging & Burning）： 详尽解析这一核心技术。不仅仅是局部提亮或压暗，更重要的是引导视线。我们将讲解如何使用“中性灰蒙版”或“频率分离”的思维框架，以非破坏性的方式实现光影的精细雕塑，恢复丢失的细节或强调主体体积感。 滤镜的数字化模拟： 探讨传统黄镜、红镜在黑白摄影中对天空和皮肤的处理效果。并展示如何利用渐变滤镜和径向滤镜的逻辑，在数码环境中模拟出物理滤镜对特定波长光线的选择性干预。 影调分离与局部色调（Split Toning）： 借鉴早期相纸在不同化学药剂下产生的色偏，系统讲解如何在数码后期中，分离高光和阴影的色彩倾向，增加画面的层次感和怀旧氛围。 第四章：纹理、锐化与细节的再现 细节决定了图像的“质感”和“冲击力”。 锐化的误区与真相： 剖析锐化（包括边缘锐化和微反差增强）的物理学原理。强调锐化应作为最后一步的“优化”而非“弥补”，并详细区分不同锐化算法（如USM锐化与高反差锐化）的应用场景。 噪点管理： 将噪点视为一种“数字纹理”。在不同用途（打印、网络传播）下，如何区分哪些噪点可以接受，哪些需要降除。讲解降噪过程对图像细节的潜在损害，以及如何通过选择性降噪来保护关键纹理。 表面纹理的增强： 探讨如何通过中频细节的调整（如清晰度/纹理滑块的高级应用），来增强皮革的粗糙感、皮肤的细腻感或建筑的颗粒感，使画面更具触感。 第三部分：高阶流程控制与个性化风格确立 第五章：工作流程的效率与一致性 一个高效的工作流程是实现风格稳定的基石。 非破坏性编辑的哲学应用： 强调所有操作都应可追溯、可回溯。详细介绍如何组织图层、使用调整组和快照功能，确保复杂的处理过程依然清晰可控。 批处理与母版预设的构建： 讲解如何设计一套“基准调整”预设（如基础曝光、色彩校准），用于快速校正大量图片的初始状态。强调预设是“起点”，而非“终点”。 输出的终极考验： 针对不同介质（屏幕显示、高质量艺术微喷、商业印刷）的色彩和锐度要求，提供精确的输出配置文件（ICC Profile）选择指南。 第六章：创造性的风格演化与最终呈现 本书的最终目标是帮助读者找到属于自己的“视觉签名”。 从模仿到超越： 分析历史上著名摄影师（如亚当斯、布列松）处理光影和对比度的经典范例，提炼其背后的思维逻辑，而非简单复制其外观。 讲故事的后期： 探讨如何通过后期处理来强化或扭曲现实，以更好地服务于图像的叙事目的。例如，如何通过倾斜的水平线和对比色的运用，营造不安或宁静的心理状态。 作品的“完成度”判定： 提供一套自我评估标准，帮助创作者判断何时调整已经足够，何时应该停止。真正的艺术性在于克制，而非无限制的堆叠效果。 本书适合拥有一定数码处理基础，渴望从“操作者”晋升为“视觉架构师”的摄影爱好者、专业摄影师以及图像艺术家。它提供的不是快捷键的清单，而是洞察图像本质的思维工具。
作者简介
目录信息
第一章 数字图像概念 5
1-1 图像分辨率原理 6
1-2 图层与蒙版逻辑 8
1-3 通道是什么 10
1-4 使用Windows系统与Mac系统有什么不同 11
1-5 色彩的空间特性 12
· · · · · · (收起)
1-1 图像分辨率原理 6
1-2 图层与蒙版逻辑 8
1-3 通道是什么 10
1-4 使用Windows系统与Mac系统有什么不同 11
1-5 色彩的空间特性 12
· · · · · · (收起)
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