素描几何体

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出版者:安徽美术出版社
作者:李淮安
出品人:
页数:30
译者:
出版时间:2004-1
价格:15.00元
装帧:
isbn号码:9787539813417
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《素描几何体1》主要内容:初学绘画者多是从学习素描开始的。素描是造型艺术的基础课程。素描即朴素的描绘,通常指用单一颜色的画。素描常用的工具为铅笔、炭笔、水墨等。初学者一般选择铅笔作画为宜。铅笔较易掌握,操作简便,同时又具有丰富的表现力,既可画得简洁明快,又可画得细致入微,且刚柔相济,轻松舒展。素描的表现方法大致分为结构素描和明暗素描两大类:结构素描一般是以线为主来造型,着重表现物象形体结构的穿插关系以及空间透视关系,具有肯定、概括的特点。明暗素描则是利用物象上的光影关系采用黑白对比、调子的渐变等方法进行形体结构的表现,画面具有立体感、空间感等特点。基础素描的训练,能较好地培养初学者正确的观察方法,使他们认识和了解对象的形体结构关系,从而能准确和生动地表现出物象,并同时掌握基本的表现技法。基础素描训练应遵循认识规律,遵循由浅入深、从简到繁的原则。

《流光碎影:现代光影艺术的视觉密码》 一、导论:光影的本质与艺术的边界 本书并非探讨具象的几何结构,而是深入剖析抽象的光影语言在当代艺术中的多维应用与哲学意涵。我们聚焦于“光”这一宇宙最基础的物理现象如何被艺术家转化为叙事载体、情绪介质乃至认知工具。不同于侧重结构分析的传统学科,《流光碎影》旨在解构视觉经验的生成机制,探讨光线在不同介质中(空气、水体、固态表面)的折射、散射与吸收如何共同构建起一个动态、非线性的感知场域。 我们将从现象学的角度审视光线如何塑造空间感,以及这种空间感如何反作用于观看者的身体经验。这不是一本关于技术手册的著作,而是关于如何“阅读”光影这部沉默的史诗。我们探索的不是如何描绘一个完美的球体或立方体,而是探讨当一个完美的形体被光线切分、扭曲或消融时,其内在的哲学意味如何被激发。 二、第一部:光谱的解构与情感的编码 1. 色温的心理学地图:从冷峻到炽热的心理跨越 本章将系统梳理不同色温(开尔文值)的色光如何直接干预人类的潜意识情绪。我们摒弃色彩理论中对“原色”的机械划分,转而关注光线在进入人眼前的“旅程”——它穿过了什么,被什么反射或过滤。例如,北欧清晨的冷蓝光与撒哈拉正午的强白光,在物理上皆属高色温,但其带来的心理暗示却是截然不同的。前者带有“清晰”、“隔离”的意味,后者则指向“炙烤”、“直面存在”。我们将通过分析抽象表现主义作品(如罗斯科的色域)和当代摄影(如安德烈亚斯·古尔斯基对工业光线的捕捉),展示光如何成为情绪的隐形载体,而非仅仅是照明工具。 2. 阴翳的权力:负空间中的叙事张力 如果说光线是叙事的“言语”,那么阴影便是其“潜台词”。本部分深入研究“阴翳”(Shadow and Shade)在艺术中的主动性。我们追溯瓦尔登堡对光影的戏剧性运用,直至现代装置艺术中对“失光区”的刻意营造。阴影不再是物体的附属品,而是具有重量、质感和时间性的存在。我们探讨当光源被单一化、指向性极强时,所产生的尖锐阴影如何揭示形体的脆弱性与时间流逝的残酷性。重点分析如何在极简主义的语境下,利用光线的角度变化来使固定结构产生“呼吸”的错觉。 三、第二部:介质的转化与形态的消融 1. 水与光的辩证:液态表面的动态反射 水,作为一种不稳定的介质,为光线提供了无限的变形可能。本章聚焦于水面、水下以及潮湿表面反射的光线所带来的视觉不确定性。我们研究印象派画家如何捕捉水面波动带来的“碎形”光斑,以及当代数字艺术家如何模拟水纹对背景图像的“扭曲”效应。关键在于理解水如何“打碎”了我们对稳定形体的认知,迫使我们接受一种流动的、不断重构的视觉现实。这种不稳定感,恰恰是现代性焦虑的视觉投射。 2. 工业表面的迷思:反射率与物质性 在当代城市景观中,镜面、抛光的金属、玻璃幕墙构成了复杂的光线反射网络。本书区别于传统的光学分析,侧重于这些“人造介质”对环境光的“忠诚度”与“欺骗性”。高度反射的表面既忠实地再现了环境,又通过其自身的弧度或平直度,将现实进行几何重组。我们将分析反光材料如何使得“观看者”本身也成为了被观看的对象,模糊了主体与客体之间的界限。探讨在后现代建筑语境下,光线如何被这些光滑表面“囚禁”和“释放”。 3. 雾霭与薄纱:光线的颗粒化与时间的凝滞 当光线穿过烟雾、薄雾或半透明织物时,其路径被无数微小颗粒散射,形成了“光体”(Volume of Light)。这种散射光线消除了清晰的轮廓和锐利的阴影,使得物体处于一种“即将显现”或“刚刚消隐”的状态。本节分析艺术家如何利用这种视觉模糊性来表达记忆的不可靠性、距离感或对逝去事物的追忆。光线在此处不再是清晰的指示灯,而是弥漫的、具有密度和呼吸感的物质。 四、第三部:时间性与光学的叙事结构 1. 曝光的尺度:快门速度对光影的“时间切片” 本书将探讨时间维度如何嵌入光影结构之中。通过对不同曝光时间的分析,我们看到光线如何在二维平面上记录了四维时空的痕迹。长曝光捕捉了光线的“轨迹”而非“瞬间”,将运动转化为柔和的能量流;而极短曝光则可能捕捉到肉眼无法察觉的微小闪烁或高频振动。这种对时间流速的操控,是现代光影艺术区别于古典艺术的关键特征。 2. 动态光影:序列化与感知节奏 最后一部分转向对时间序列中光影变化的关注。我们研究电影、视频艺术和动态装置中,光线如何通过自身的闪烁、移动或颜色渐变来建立叙事节奏和观众的生理反应。例如,频闪光(Strobe Light)如何通过打破视觉惯性来引发一种近乎癫狂的感知体验。这是一种对人类视觉系统固有节律的主动干预,使得光影的变化本身成为故事的核心驱动力。 总结:超越形体的光之哲学 《流光碎影》旨在引导读者超越对具体物体的描摹,进入光影构筑的纯粹感知领域。我们相信,理解光线在不同介质和时间尺度下的行为,是掌握当代视觉艺术语言的钥匙。本书提供的是一套观察世界的“非几何”视角,鼓励读者去感受、去体验光线如何在无形中定义了我们所处的世界。

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读后感

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我给这本书打五星,主要是因为它解决了我长期以来在“体块关系”上的困惑。我的问题常常在于,画了几个体块之后,它们之间就显得松散,缺乏一种内在的相互作用力,像是漂浮在空间里一样。这本书有一个章节专门研究“相交与遮挡”,它不仅仅是教你如何画出被遮住的部分,更深入地探讨了光线在不同体块交界面上的折射和吸收效果。作者通过几个复杂交错的结构范例展示了,当两个面相交时,光影的过渡线会产生怎样的变化,这比任何一个单独的形体光影练习都要来得实在和有效。通过模仿这些复杂的案例,我发现自己对“形体的归属感”有了质的提升,画面中的物体开始牢牢地扎根于它所处的空间之中,整体的视觉冲击力都增强了不少。对于希望从初级阶段迈向中级结构理解的绘画学习者来说,这部分内容绝对是无价之宝。

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我不得不说,这本书的装帧设计本身就充满了对几何学的一种敬意。内页纸张的质感非常厚实,能够很好地承载铅笔从HB到8B不同硬度留下的痕迹和肌理,即便是高光部分的留白也处理得极为干净利落。内容上,最吸引我的是它对“形体组合”的论述。很多同类书籍要么只教你画单个的立方体或球体,要么直接跳到复杂的静物写生,中间的过渡极其生硬。而这本则花了大量的篇幅,耐心细致地拆解了各种复杂形体——比如拱券、锥台甚至是棱柱体与圆柱体的交错组合——是如何由最基础的元素堆叠和切割而成的。书中提供的分解步骤图简直是教科书级别的清晰度,尤其是那些用虚线和箭头标示出的“隐藏边”和“消失线”,极大地帮助我建立了空间感。读完之后,我感觉自己不再是简单地“描摹”物体,而是真正理解了物体是如何在三维空间中存在的,这对于我后续进行工业设计草图的练习,无疑是打下了极其坚实的基础。

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说实话,我刚开始对这种主题的书抱有一些偏见,总觉得这种偏向“硬核”的训练可能会让人画出来的东西缺乏灵气和生命力,变得像机器复制品一样呆板。然而,这本画册彻底颠覆了我的看法。它在保证结构准确性的前提下,巧妙地融入了艺术家的主观处理。比如,它探讨了如何在表现光滑的玻璃体时,用极其微妙的边缘线变化来暗示环境的反射,而不是简单地用纯白来代表高光。此外,书中收录的一些“趣味练习”部分非常棒,它要求读者在保持基本形体结构不变的前提下,尝试用不同“情绪”的线条去表现同一个立方体,例如“压抑的”、“轻盈的”或者“暴躁的”。这种将抽象情感与具象结构进行嫁接的练习,极大地拓宽了我的创作边界,让我意识到几何结构本身也可以成为表达情绪的载体,而不是束缚。

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这本画册简直是为我这种对线条和结构有着狂热追求的人量身定做的!我一直苦于无法将脑海中那些清晰、硬朗的几何形体准确地转化到纸面上,总感觉少了点“骨感”。这本书的切入点非常巧妙,它不是枯燥地罗列公式或者展示标准范例,而是用一种近乎哲学思辨的方式,引导你去观察、去感受光影如何塑造体积,线条如何在二维空间中暗示深度。我尤其欣赏其中关于“透视关系”的处理,作者没有仅仅停留在一点透视和两点透视的基础讲解,而是深入剖析了人眼在不同距离下对形状的感知变化,甚至提到了某些特定角度下,完美形体如何被“扭曲”出一种动态的美感。翻开书页,扑面而来的是那些严谨又充满力量感的素描稿,每一笔的力度、每一个阴影的过渡,都像是精心设计的乐章,层层递进,让人沉浸其中,仿佛能触摸到那些冰冷的石头和光滑的金属表面。这本书的价值远超一本简单的技法书,它更像是一本艺术家的“视觉解剖学指南”,让我开始用全新的、结构化的视角去审视我们周围的一切。

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这本书的排版和图示语言是一种极其克制的美学体现。它没有使用花哨的色彩干扰,完全依赖于黑白灰的微妙层次来构建世界,这本身就是对素描这一媒介的最高致敬。我特别喜欢作者在讲解“形体分解”时所采用的对比手法:一边是最终完成稿的严谨造型,另一边则是极其粗犷、几笔线勾勒出的原始结构草图。这种对比让人瞬间领悟到,无论外表多么复杂,所有大师级的作品背后,都隐藏着一颗极其纯粹、高度概括的几何内核。它教会我的不仅仅是如何画一个完美的圆锥,而是如何以最快的速度、最少的笔触捕捉到一个复杂物体的空间本质。这本书更像是一本武功秘籍,它没有直接把招式教给你,而是告诉你内功心法的核心原理,一旦你领悟了,便可举一反三,融会贯通。对于那些渴望深度理解“造型语言”而非仅仅模仿表象的学习者,这本书是必不可少的精神食粮。

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