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出版者:文魁

作者:蔡哲明

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005年05月30日

价格:NT$ 580

装帧:

isbn号码:9789861255736

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• CS2
• 图像处理
• 设计
• 教程
• 实例
• 软件
• 图形
• 技巧
• 电脑

图像处理与创意设计：从基础到进阶的全面指南 本书籍并非关于 Adobe Photoshop CS2 软件特定范例的汇编，而是为您提供一个涵盖当代数字图像处理与创意设计核心技能的综合性学习路径。 我们着眼于更广阔的领域，探讨从基础的像素操作到复杂的合成、修复与艺术化处理的通用方法论和前沿技术。 第一部分：数字图像科学与工作流程的基石 本书首先深入探讨了数字图像的底层原理，这是高效进行任何图像编辑的前提。我们不会局限于某个特定版本的软件功能，而是聚焦于不变的科学原理。 色彩理论与管理： 色彩空间深入剖析： 详尽对比和解析 RGB、CMYK、Lab 色彩空间及其在不同介质（屏幕显示、印刷输出）中的转换机制与色彩特性。重点讲解如何理解和利用色域限制进行视觉预测。 色彩深度与位深的影响： 探讨 8 位、16 位甚至 32 位图像在动态范围捕获、后期调整（如渐变处理）中的差异，指导读者选择最适合特定工作流程的位深。 ICC Profile（国际色彩联盟配置文件）的实践应用： 如何正确创建、嵌入和使用 ICC Profile 来确保工作流程中色彩的一致性和准确性，这对于专业输出至关重要。 像素、分辨率与文件格式的抉择： 分辨率的科学： 区分物理分辨率与逻辑分辨率，解析打印 DPI 与屏幕 PPI 的实际含义。探讨在不损失质量的前提下进行尺寸调整的最佳实践（插值算法的优劣比较）。 无损与有损压缩的哲学： 全面评估 JPEG、TIFF、PNG、WebP 等主流格式的内部工作原理、文件大小与图像质量的权衡。特别关注 RAW 格式的优势及其处理流程。 位图与矢量图的边界： 明确位图处理软件与矢量图形软件的应用场景划分，并探讨在图像合成中如何高效地整合矢量元素（如路径、形状）。 系统化工作流程的构建： 非破坏性编辑的核心理念： 详细阐述图层、蒙版（Layer Masks）、调整图层（Adjustment Layers）和智能对象（Smart Objects）在保护原始数据、实现灵活修改方面的关键作用，这是现代图像编辑的基石，远超特定软件的工具集。 批处理与自动化： 介绍如何通过脚本（Scripting）、动作（Actions）或第三方自动化工具，将重复性任务标准化，提高大规模项目的处理效率。 第二部分：精修与图像修复的艺术 本部分聚焦于提升图像质量和解决实际拍摄中遇到的问题，强调精准控制而非简单的滤镜应用。 曝光与影调的重建： 直方图的深度解读： 不仅是查看曝光是否平均，而是利用直方图来诊断高光溢出、阴影死黑、色彩分离等问题，并指导调整策略。 高动态范围（HDR）的原理与合成： 探讨多张包围曝光照片的对齐、堆栈技术，以及如何利用中间调提取和色调映射（Tone Mapping）来创造出具有视觉冲击力的影像。 曲线与色阶的精细控制： 超越 S 形曲线，深入学习如何在 Lab 模式下分离明度通道进行精细的影调提亮或压暗，避免色彩失真。 细节的恢复与增强： 锐化技术的迭代： 对比 USM 锐化、高反差保留（High Pass）以及基于频率分离（Frequency Separation）的锐化方法，理解在不同图像内容（如皮肤纹理、风景细节）上应用不同锐化策略的必要性。 降噪的艺术： 区分光噪（Luminance Noise）与色噪（Chroma Noise），并探讨如何使用空间降噪与时间降噪技术，在抑制噪点的同时最大限度保留图像的有效信息。 高级图像修复与污点清除： 内容感知技术的基础与局限： 探讨现代内容感知填充工具背后的算法逻辑，并指导读者何时需要结合传统修复画笔、仿制图章工具进行更精细的手动修复，尤其是在复杂纹理区域。 透视校正与几何形变： 如何利用网格工具和变换工具精确矫正广角镜头带来的畸变，或对倾斜的建筑进行完美的垂直校正，这在建筑摄影后期中不可或缺。 第三部分：创意合成与视觉叙事 本书的第三部分将学习者的目光引向更具创造性的领域，探讨如何将多个图像元素无缝地结合，构建出具有说服力的视觉场景。 蒙版技术的精通： 通道蒙版的奥秘： 深入研究红、绿、蓝通道中对比度最高的区域如何作为精确的抠图依据，特别适用于处理半透明物体（如头发、烟雾）或复杂边缘。 可编辑的蒙版操作： 强调使用矢量蒙版和图层蒙版组合的优势，确保每次修改都是可逆和可控的。 光影与透视的一致性： 合成的关键：色彩匹配与光照重建： 教授如何分析源图的光照方向、色温和环境光，并利用调整层、环境光反射模拟和图层混合模式来确保合成元素的物理合理性。 景深（Depth of Field）的模拟： 利用镜头模糊效果或焦点合成技术，精确控制合成场景中不同元素的虚化程度，增强画面的空间感和真实感。 高级合成技巧： 图层混合模式的深层应用： 超越常用的“正常”和“正片叠底”，系统讲解“叠加”、“柔光”、“颜色”等模式在实现特定视觉效果（如光效叠加、色彩融合）中的独特机制。 纹理与覆盖的艺术： 如何利用高分辨率纹理图层，通过恰当的混合模式和不透明度，为平面图像增加年代感、粗糙感或金属质感。 第四部分：输出优化与跨平台发布 图像制作的最后一步是确保其在目标介质上达到最佳呈现效果。 专业印刷准备： 出血、裁切线与油墨限制： 详解商业印刷所需的完整规范，包括如何设置出血区域，以及如何根据承印物选择合适的总墨量（Total Ink Coverage, TIC）。 分色与套准： 理解专色（Spot Colors）的应用场景，以及在进行四色分色（CMYK）输出时如何检查和修正套准问题。 网络与屏幕的优化： Web 性能优化： 学习如何平衡图像质量与文件大小，掌握响应式图片策略，并利用适当的压缩参数（如 JPEG 质量等级）来优化加载速度。 高清屏幕显示标准： 了解 P3 和 Rec. 2020 等现代广色域标准，并指导读者在需要时将作品转化为这些更广阔的色彩空间进行展示。 结语： 本书旨在培养读者独立思考和解决问题的能力，使您能够掌握图像处理的核心逻辑，而非简单记忆特定软件中的工具按钮位置。通过掌握这些跨越版本的通用原则，您将能更自信地应对任何新的软件迭代和复杂的创意挑战。

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这本书的阅读体验，简直就是一场与时间的赛跑，准确地说是与我越来越碎片化的注意力时间赛跑。我试着用它来解决一个紧急的Logo色彩校正问题，结果发现它更侧重于对PS核心工作流程的结构化讲解，而非针对特定问题的快速解决方案。比如，书中花了整整三章来讨论CMYK到RGB的转换策略，从色彩科学的角度进行了详尽的论述，引用了多项标准色域定义。这种深度在学术研究中或许是宝贵的，但在我需要赶在明天早上交稿的压力下，这些“为什么”远不如“怎么做”来得重要。我不得不承认，作者的知识储备是毋庸置疑的，他对软件底层逻辑的理解非常透彻，但这种透彻是以牺牲阅读的流畅性为代价的。书中的章节衔接并不总是那么自然，有时感觉像是将几篇独立的论文强行装订在一起。更让我感到困扰的是，许多“範例”的完成品似乎都没有提供最终的高分辨率参考图，这使得读者在对照练习时，只能凭借自己对“完美”的想象去调整那些精确到令人发指的数值，导致最终效果常常带有主观偏差，缺乏一个明确的“标准答案”可供对标和修正。

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这本书的封面设计，坦白说，相当的朴实，甚至有点让人提不起精神。我是在一个二手书店的角落里偶然翻到的，当时对“範例集錦”这几个字产生了那么一丝好奇。我原本期待的是一本充满炫酷视觉效果、能让人一眼就看出是专业人士手法的教程，但拿到手里沉甸甸的分量，却透露出一种老派的扎实感。翻开目录，首先映入眼帘的是大量关于图层混合模式的深度解析，以及一些基础选区工具的繁琐步骤说明。这对于一个已经能熟练使用钢笔工具进行复杂抠图的老手来说，无疑是一种挑战——挑战我的耐心。我当时心想，这会不会是一本专门针对初学者的“大部头”？里面的案例，比如“如何制作一个逼真的水滴效果”，感觉像是十年前的经典范例，虽然经典，但在如今这个AI一键生成质感画面的时代，显得有些滞后。我尝试着跟着做了一个关于“光影对比增强”的练习，书中用了大量的曲线和色阶调整，每一步的参数都精确到小数点后两位，阅读起来就像是在啃一本技术手册，缺乏那种引导你快速进入创作状态的激情。它的排版风格偏向于教科书式的严谨，每一页都塞满了密密麻麻的操作截图和文字说明，对于追求效率和现代设计趋势的读者来说，可能会觉得它过于沉闷和冗长，简直像是在进行一场漫长的技术考古。

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这本书的整体信息密度高得惊人，但信息的“新鲜度”却明显不足。我特意去查找了书中关于“数码RAW文件处理”那一章的内容，发现它依然停留在CS2时代对ACR（Adobe Camera Raw）插件的早期理解上。这无可厚非，毕竟软件版本是固定的，但对于一个在后期依然活跃的设计师而言，这意味着我需要不断地在书中老旧的界面和当前软件的最新版本之间进行心智上的“翻译”和“映射”。比如，书中详细介绍了CS2中调整阴影/高光的几个固定滑块的使用方法，而如今的Lightroom或最新PS版本中，这些功能早已被更智能、更精细的蒙版技术所取代。因此，在学习过程中，我花费了大量时间去辨认那些已经消失或被合并的菜单项。这本书在构建一个坚实的基础知识体系方面确实功不可没，它让你明白Photoshop的像素层级是如何运作的，但它在软件生态快速迭代的背景下，显得有些“不合时宜”。它更像是一份珍藏的历史文献，而非即插即用的现代工具手册。

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阅读这本书的过程，让我体验到了一种独特的“沉浸式怀旧”。它不是那种为了赶时髦而堆砌最新功能（比如3D功能或AI滤镜）的教程，而是那种脚踏实地、用最基础的工具去逼近最终效果的“慢工出细活”哲学。我注意到，书中对“锐化”的讲解尤其细致，它没有直接推荐“智能锐化”，而是花了大量篇幅去解释“USM锐化”的阈值、半径和数量的每一个参数对边缘细节的影响，甚至还配有微距观察图来展示像素边缘的细微差别。这种对基础原理的执着，在当下这个追求“一键出图”的时代，显得尤为珍贵，但也确实耗时。我感觉自己不是在使用一个设计软件，而是在拆解一块机械表的核心部件。如果我是一个追求效率的商业插画师，这本书可能无法满足我的需求，因为它似乎在说：“别着急，先花三个小时把工具弄明白，再考虑画什么。”它强迫你放慢速度，去理解每一个选择背后的物理意义，这是一种高成本、低效率，但理论上能带来极高内功的修炼方式。

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说实话，这本书给我的感觉，更像是一份为艺术院校新生准备的“工具箱使用说明书”，而不是一本能激发设计灵感的“创意宝典”。它的语言风格是那种极其正式的、不带任何感情色彩的指令式陈述。例如，当讲解如何使用“液化”工具时，它会用非常冷静的笔触描述不同画笔模式对像素形变的影响，如同在描述一台精密仪器的操作规程。我本期望能看到一些关于如何利用这些工具创造出非线性、突破常规视觉效果的“黑科技”，比如如何用液化工具做出动态模糊的流动感，或者如何用它来“扭曲”空间感。然而，书中展示的範例更多是围绕着如何“修复”照片中的瑕疵，或者如何精确地“复刻”某种已有的风格，比如模仿老照片的做旧效果，每一步都遵循着严格的逻辑链条，像是在解一道数学题。对于我这种追求“野路子”和“捷径”的设计师来说，这种过于规范化的引导，反而束缚了我的想象力，让我感觉自己更像一个流水线上的工人，而不是一个拥有无限创造力的艺术家。它教会了我如何把螺丝拧紧，但没有告诉我如何用这堆零件搭建出我梦想中的摩天大楼。

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