芥子園畫譜－梅蘭竹菊(2) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文堂

作者:摹古原本

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000年01月29日

价格:NT$ 160

装帧:

isbn号码:9789576006623

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• 芥子园画谱
• 绘画入门
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翰墨丹青：中国传统绘画技法精要 一部全面梳理中国传统绘画核心技艺的权威指南 本书旨在为学习和研究中国传统绘画艺术的同仁提供一份系统、深入且实用的技术参考。我们深知，中国画的魅力不仅在于其意境的深远，更在于其独特的笔墨语言和精妙的造型技巧。因此，《翰墨丹青：中国传统绘画技法精要》摒弃了过于侧重历史沿革或理论哲思的叙述方式，而将焦点完全集中于“如何画”以及“为何如此画”的实践层面。全书内容涵盖了中国画体系中最为关键的几大门类——山水、花鸟、人物，并辅以对笔墨基础训练的详尽解析。 --- 第一部分：笔墨基础与工具特性解析 任何精妙的画作都建立在扎实的笔墨功底之上。本部分是全书的基石，细致入微地剖析了中国画独有的工具特性与基础训练方法。 一、 笔的运用与控制（“骨法用笔”） 执笔姿势的规范与变化： 详细图解了五种经典执笔法——单钩、提、按、悬针、 ভ্রমণের针——在不同画科和笔触力度下的应用。强调“腕、肘、肩”的协调运动，确保线条的生命力。 线条的“十八描”详解： 不仅仅是罗列名称，而是通过放大图例和墨分五色的演示，讲解“高古游丝描”、“铁线描”、“兰叶描”等核心线条在表现不同材质（如岩石的坚硬、丝绸的柔顺）时的具体笔法、速度和墨色变化。尤其强调线条的“气韵”和“节奏感”。 干湿浓淡的调控： 深入探讨如何根据笔尖含水量和受墨量的不同，精确控制“焦、浓、重、淡、清”五色，实现线条的微妙过渡，避免笔触的僵硬与呆板。 二、 墨法的变化与层次构建 墨的“蓄势”与“发力”： 探讨如何利用毛笔积蓄墨汁，在落笔瞬间释放出饱满的“飞白”或润泽的“墨块”，以塑造画面的体量感。 积墨法与破墨法的实践： 对比分析了“积墨法”（层层叠加，求其厚重）和“破墨法”（以浓破淡或以淡破浓，求其变化）在表现山石、树干时的具体步骤和效果差异。提供了大量的分解练习，指导读者如何避免“墨糊一团”的弊病。 晕染与皴法的结合： 阐述了如何将墨色的晕染作为皴法的底色或高光背景，使皴线不再孤立，而是融入整体的体感之中。 --- 第二部分：山水画的造境与理法 山水画被誉为中国画的“集大成者”，它不仅是写景，更是写“理”。本部分侧重于山水画的结构、空间处理和独特技法。 一、 空间布局与结构原则 “三远法”的实操应用： 详细解析高远（仰视）、平远（平视）、深远（俯瞰）的透视原理，并提供图例说明如何在有限的画幅中实现深远的层次感。强调“计白当黑”的空间处理方式。 山石的“骨架”与皴法精选： 系统梳理披麻皴、斧劈皴、云头皴等主流皴法，并针对不同地域风格（如北方山的雄浑、南方山的秀润）推荐适用的皴法组合。重点在于理解皴法是表现岩石的“纹理”而非简单的“线条”。 二、 树法与水法的表现力 树木的“类树”与“生命”： 讲解松、柏、柳、竹等不同树种的典型结构（树干、枝条、叶法）。强调“树分四势”（抬头、低头、仰天、俯冲）和“一笔成一树”的造型训练。 水的形态与动势： 演示如何用“水线”、“水墨晕染”和“留白”来表现瀑布的磅礴、江河的平缓、山涧的湍急。讲解水纹理的规范画法，确保水流方向与画面动势一致。 三、 传统点景与意境营造 讲解亭台楼阁、桥梁、人物的比例与布局，使其融入自然而不显突兀。重点探讨如何通过雾气、雨雪等元素（留白与淡墨处理）来强化画面的季节感和空灵之气。 --- 第三部分：花鸟画的写意与赋彩 花鸟画追求“形似”与“神似”的统一，强调对生命瞬间状态的捕捉。本部分聚焦于写意花卉与工笔设色的核心技法。 一、 写意花卉的“一笔性” 花卉的结构速写与提炼： 以牡丹、兰花、梅花、竹叶为核心案例，教授如何通过对花蕊、花瓣的观察，将其简化为最富于表现力的几笔。 点厾法的运用： 详细讲解“点厾法”中对“花心”、“花瓣”的确定技巧。如何控制墨色和水份，在纸上自然形成花朵的厚度和体积感，尤其侧重于“三笔成蕊”、“五笔成花”的训练。 二、 禽鸟的动态捕捉与羽毛表现 鸟类的骨骼与重心： 分析鸟类栖息、飞翔、啄食时的重心转移规律，指导读者抓住动态瞬间。 羽毛的层次与质感： 区分工笔（如翎毛的细刻）和写意（如写意大鸟的膀翅）的画法。重点讲解“点染法”来表现禽鸟头部的光泽和羽毛的蓬松感。 三、 色彩的运用与赋彩技法 矿物颜料的特性与调配： 介绍朱砂、石青、石绿等传统矿物颜料的特性，以及如何用胶水（如二矾）进行发色处理。 分染与罩染的技艺： 详细演示花卉的“分染”（由内到外的色彩过渡）和罩染（在干透的墨线上层加色，以增添厚重感或提亮色彩）的具体步骤，确保设色不掩盖笔墨的筋骨。 --- 第四部分：人物画的造型与气韵 人物画是检验画家造型能力和对传统“气韵生动”理解深度的标准。本书侧重于白描基础和传统造型的概括性。 一、 白描的基础训练 人体结构的简化与提炼： 结合传统“十八描”的理念，教授如何用精炼的线条勾勒人体结构，而非事无巨细地描摹解剖结构。 “顾盼生姿”的面部处理： 重点讲解眼睛、嘴唇的勾勒技巧，如何通过眼神的传达（“点睛”）来赋予人物精神气质。 二、 传统线描的风格演变 对比唐代的“丰腴圆润”与宋代的“清瘦飘逸”在线描上的体现。提供大量唐摹本和宋人图册的局部放大解析，让学习者理解不同时代对人物“神态”的不同追求。 三、 衣纹的体积感与动势 讲解衣纹的“八法”——如高古游丝、铁线描等在线描中的应用。强调衣纹并非简单的褶皱，而是随人体结构和风力产生的“体积感”的体现。如何利用线条的粗细变化表现衣料的厚薄（如绸缎与蓑衣）。 本书的最终目标是引导读者跨越单纯的技法模仿，最终达到“胸中有丘壑，下笔随意成”的境界。每一技法讲解后，都附有严格的结构性练习指导，确保学习者能够扎实地将理论转化为实际的笔墨能力。

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我个人觉得，这本书最成功的地方在于它没有将“梅兰竹菊”视为孤立的元素来教授，而是巧妙地在不同题材之间建立了联系，尤其是通过对笔墨浓淡干湿的运用上。比如，画竹时强调的“飞白”和“中锋”，在画梅的枝干时也得到了很好的印证和深化；而画兰叶和画菊瓣时对“墨分五色”的极致追求，又相互促进。这本画谱真正体现了中国传统绘画的融会贯通思想，而不是碎片化的技巧堆砌。读完之后，我感觉自己对水墨的理解从一个点扩展到了一个面，不再局限于某一种花卉的特定画法，而是对整体的笔墨语言有了更宏观的把握。这对于提升整体的绘画修养，是无价的财富。

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我花了不少时间研究这本书中关于“兰”的章法，老实说，一开始有些被难度劝退。书里的示范并非那种简单敷衍的“兰花样板”，而是深入到了不同季节、不同状态下的兰叶的姿态变化。比如，有些兰叶是迎风舒展的，笔锋就显得开阔有力；有些则是因为被遮蔽而略显内敛，线条就更加曲折内收。讲解的文字虽然不多，但每句都直击要害，比如提到画兰“须求气韵生动，不可拘泥于形似”，这一下子就点明了学习的重心。我尝试着模仿其中一幅“风中兰”，发现如果只是机械地照搬笔触，出来的效果总是僵硬的，直到我理解了作者在运笔时对“气”的控制，才略微体会到那种“空谷幽香”的意境。这本书的价值在于，它不仅仅是教你“怎么画”，更重要的是引导你“如何去看”这些传统题材背后的精神内核。

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这本书的装帧和内容排版简直是一场视觉的盛宴，特别是针对“菊”的部分，作者的取舍和布局非常精妙。我注意到，书中收录的菊的画法，涵盖了从清瘦的“瘦菊”到丰满的“团菊”，甚至还有一些带有文人画趣味的“折枝菊”。相比起其他画谱中常见的工整对仗的构图，这里的菊花图似乎更注重写意和趣味性。有一页专门展示了在秋风中摇曳的几株寒菊，寥寥数笔，却把那种“凌霜傲雪”的傲气表现得淋漓尽致。它教会我的不仅仅是笔法，更重要的是一种心态——如何在相对萧瑟的环境中，找到积极向上的精神寄托。这对于一个生活在都市中的人来说，无疑是极大的精神滋养。

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对于像我这样常年与水墨打交道的学习者而言，最怕的就是遇到那种只展示成品、不揭示过程的画谱。然而，这套《芥子園畫譜－梅蘭竹菊(2)》在这方面做得非常出色，它对于“梅”的刻画尤其体现了循序渐进的教学思路。它不是直接给出盛开的梅花图，而是将画梅的过程拆解成了若干个步骤：先是老干的虬曲用笔，如何通过皴擦表现出岁月的沧桑感；接着是枝条的交叉与疏密安排；最后才是点花的技巧。特别是点花的部分，它细致地展示了用朱砂或淡墨点出花蕊和花瓣边缘的微妙处理，告诉你“如何用‘点’来体现‘生’”。这种分解式的教学，极大地降低了学习的门槛，让我这种总想走捷径的人，也能踏踏实实地从基本功开始练习，不再感到无从下手。

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这本《芥子園畫譜－梅蘭竹菊(2)》的印刷质量简直令人惊喜，纸张的质感非常厚实，拿在手里沉甸甸的，完全不是那种廉价的复印品感觉。装帧也很讲究，书脊的黏合度很高，不用担心翻开看图时会散架。更让我满意的是墨色的还原度，那些细腻的线条和层次分明的干湿墨色过渡得非常自然，仿佛能看到古人下笔时的那种笔触感。我尤其喜欢它对“竹”的描绘部分，从竹叶的尖梢到竹竿的节理，每一种笔法都有清晰的示范。那种“一笔而成”的潇洒和力度，通过高清的印刷得以完美呈现。对于初学者来说，光是临摹这些范例就已经受益匪浅了，每一个细节的处理都蕴含着深厚的功力。这本书的尺寸拿捏得恰到好处，既方便在书桌上铺开学习，又不至于因为太大而难以携带，可以说在实体制作上是下足了本钱的。

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