默观无限美-刘巨渭教你听古典音乐 (平装) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:时报文化出版企业股份有限公司(台湾) (2005年1月17日)

作者:刘岠渭

出品人:

页数:232 页

译者:

出版时间:2005年01月

价格:75.0

装帧:平装

isbn号码:9789571342573

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 古典音乐
• 音乐欣赏
• 音乐入门
• 刘巨渭
• 艺术
• 文化
• 音乐史
• 平装
• 入门级
• 音乐普及

聆听宇宙的私语：一部探索音乐本体与感知的导览 作者： [此处可假设一位与刘巨渭风格不同，但同样具有深厚学术背景的音乐学家或哲学家，例如：马丁·舒尔茨 (Martin Schultz)] 出版社： [此处可假设一家严肃的学术或人文类出版社，例如：环球人文出版社] 装帧： 精装 / 函套 --- 内容提要： 本书并非一部浅显的“入门指南”，亦非局限于特定流派或作曲家的“欣赏手册”。《聆听宇宙的私语》是一部深入探究“声音的本质”、“音乐的结构性意义”以及“个体感知与宏大叙事之间张力”的理论与美学著作。它挑战了传统音乐教育中对“曲目”和“技巧”的过度强调，转而将焦点置于听觉经验的本体论层面，探讨音乐如何作为一种超越语言的媒介，构建人类对时间、空间和存在的理解。 本书结构严谨，从音高、节奏、和声的物理学基础出发，逐步攀升至对复调结构、主题发展复杂性的哲学思辨，最终落脚于聆听行为本身所蕴含的道德与社会责任。全书贯穿着对“静默”与“噪音”的辨析，旨在引导读者不仅学会“辨识”音乐，更学会如何“遭遇”音乐。 --- 第一部分：听觉的形而上学：声音的诞生与意义 本部分旨在重建读者对“声音”这一基本元素的认知框架，将其从单纯的物理现象提升至哲学本体的层面。 第一章：从振动到意义：声音的物理场域与心智的建构 超越八度： 探讨音高感知的非线性特征及其对人类情感的直接映射机制。不谈论具体的音阶，而是分析泛音列的结构如何预示着宇宙的秩序（或无序）。 时间的密度： 节奏作为时间的“固化”形式。分析从原始打击乐的重复性脉冲到现代音乐中复杂交错的非周期性时间结构，如何塑造听者的内在时间感。 寂静的权重： 深入剖析“休止”在音乐结构中的决定性作用。没有休止的音乐如同没有留白的画作，休止如何成为定义旋律和和声张力的关键边界。 第二章：和声的语法：张力、解决与道德的隐喻 功能和声的坍塌与重生： 不以调性中心的明确性为唯一标准，而是考察和声在不同文化和历史语境下所承担的“关系性”。探讨三和弦与七和弦在构建期望与失望链条中的心理学效应。 非调性空间的探索： 审视十二音体系、微音程音乐如何挑战了人类对“和谐”的本能偏好，以及这些“不和谐”如何表达了现代社会经验中的疏离与碎片化。 对位法的空间性： 将复调音乐视为多重叙事线的并行推进。分析赋格结构中各声部之间的“对话”与“对抗”，类比于社会群体内部的互动模式。 --- 第二部分：结构的深渊：宏大叙事与微观肌理 本部分侧重于分析音乐作品的内在结构，从乐章的布局到动机的演变，揭示作曲家如何运用形式作为对抗时间流逝的工具。 第三章：形式的拓扑学：从单元到整体的建构逻辑 奏鸣曲式的内在动力： 奏鸣曲式不只是“呈示-发展-再现”，而是一场关于“同一性危机”的辩证过程。分析呈示部确立的初始命题如何在发展部中被拆解、扭曲，并在再现部中寻求何种形式的“回归”或“超越”。 变奏作为一种思维方式： 变奏曲如何体现对“主题”的持续解读和无限重塑的能力。考察主题作为“种子”如何在不同环境（调性、速度、配器）下生长出截然不同的面貌。 交响乐的建筑学： 将大型交响作品视为一个自洽的“声音世界”。探讨乐章间的过渡如何形成一种心理学上的连续性，而非简单的拼接。 第四章：配器的炼金术：乐器组合中的潜意识符号 音色的社会学： 探究特定乐器（如圆号的庄严、单簧管的私密性）在不同历史时期被赋予的社会角色和情感代号。 纹理的厚度与透明度： 分析配器法如何控制听觉的焦点。薄的织体如何强调个体的声音，而密集的和弦如何制造出宏大的、不可穿透的“声音墙”。 电子媒介的介入： 对录音技术和合成器声音的探讨，关注声音的“去物质化”过程，以及电子音景如何重塑我们对“真实”乐音的期待。 --- 第三部分：聆听的伦理：主体性与遭遇的瞬间 本书的收官部分将焦点从作品本身转向听者，探讨如何在日益碎片化的信息环境中，重建一种深刻、有意识的聆听实践。 第五章：专注力的复兴：从被动接受到主动参与 背景声的僭越： 批判现代生活中对音乐的“背景化”倾向（如咖啡馆、商场的背景乐），论证这种使用方式如何剥夺了音乐的完整性。 预设与惊喜的辩证： 如何在预习曲目信息和保持初次聆听的纯粹性之间取得平衡。探讨“知识”在欣赏中的双重角色：既是向导，也可能是遮蔽真实体验的屏障。 身体的共振： 音乐如何作用于身体的非认知层面。探讨低频的物理冲击、速度的引发的生理反应，以及在音乐中重新发现身体在时间中的存在感。 第六章：音乐的未完成性与开放的对话 作曲家意图的消亡： 借鉴罗兰·巴特的观点，强调作品一旦被演奏和聆听，其原初意图便不再具有绝对权威。听者的每一次聆听都是一次“再创造”。 跨越疆界的聆听： 鼓励读者将古典音乐的结构性思维应用于爵士乐的即兴、世界音乐的循环结构，以及当代电子音乐的声场构建，寻求不同音乐体系之间的共通的听觉逻辑。 最后的静默： 总结聆听的最终目的——并非掌握一套知识体系，而是培养一种对世界深度感知、对复杂性保持敬畏的能力。音乐是通往无限美感的桥梁，而抵达彼岸的唯一路径，是那份全然投入的、有意识的倾听。 --- 本书特色（面向严肃的音乐学、美学或哲学读者）： 理论深度： 融合了现象学、结构主义与后结构主义的视角，对传统音乐分析法进行解构与重塑。 跨学科视野： 广泛引用了心理声学、认知神经科学以及哲学美学的最新研究成果，而非仅依赖传统的音乐史叙事。 挑战性论点： 毫不留情地批判了音乐欣赏中的“名人崇拜”和“猎奇式”消费，主张回归对音乐内在逻辑的严肃探究。 页数： 680页（含详尽索引与参考书目） 目标读者： 音乐专业学生、哲学或艺术史研究者、寻求深度文化体验的独立思考者。

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坦白说，这本书的装帧设计和排版风格，给人一种很过时的感觉，仿佛是上个世纪八十年代出版的教材。这对于一本旨在引导现代听众进入古典音乐殿堂的书籍来说，是一个不小的减分项。更令人失望的是，书中关于具体音乐片段的描述，常常使用一些非常陈旧且缺乏画面感的词汇，比如“庄严雄伟”、“如泣如诉”这类老生常谈的形容词，反复出现，让人审美疲劳。真正优秀的音乐评论，应该能够激发读者想象力，让他们在脑海中构建出立体的声场和情感场景。这本书在这方面做得远远不够，它只是告诉了你“这是什么”，却从未真正教你“这是什么感觉”。例如，在讨论德彪西的印象派音乐时，我期待看到的是对音色、模糊性和非传统调性的细致描摹，而不是机械地引用一些教科书上的定义。我更愿意去听那些真正热爱音乐的人的个人感言，哪怕他们的文字不那么“专业”，但至少是真诚且富有感染力的。

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我实在无法理解这本书为什么能吸引到这么多关注，从阅读体验上来说，简直是一场折磨。作者的语言组织和逻辑推进，简直像是在迷宫里绕圈子，读到中间部分我几乎需要不断地回头查找前文，才能勉强跟上他的思路。他似乎试图将太多的音乐史料、个人轶事以及晦涩的理论术语一股脑地塞给读者，结果就是内容臃肿且重点不突出。比如，在解析某位浪漫主义作曲家的某部交响曲时，他花了大量篇幅去描述这位作曲家与某位贵族的复杂关系，却对核心的和声语言变化一带而过，这完全是本末倒置。我买这本书的目的是想提高自己的鉴赏能力，而不是成为一个八卦百科全书的读者。如果作者想进行深度挖掘，至少应该确保结构清晰，层次分明。现在的排版和叙事结构，让我感觉每一次翻页都是一次挑战，耗费了大量的精力去梳理他那些跳跃的思绪，实在是对阅读时间的极大浪费。

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购买这本书的初衷，是希望能够找到一条通往深层音乐理解的捷径，或者至少是一张清晰的地图。然而，这本书更像是一份冗长而缺乏重点的旅游指南，列出了许多景点（作曲家和作品），却从未真正带你去“感受”那些地方的独特氛围。它的结构松散，从一个主题跳到另一个主题，缺乏一个贯穿始终的、强有力的论点或情感主线来串联起这些零散的知识点。读完之后，我感觉脑子里装了不少零碎的信息，但这些信息并没有真正内化成一种听觉上的能力提升。例如，在介绍奏鸣曲式时，虽然提及了呈示部、发展部和再现部，但并没有提供足够多的实例来帮助我识别这些结构在不同作品中的灵活运用和变化。我希望这本书能教会我如何“主动聆听”，而不是被动接受信息，很遗憾，它在这方面显得力不从心，更多地停留在知识的层面，而未能触及艺术体验的核心。

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这本所谓的“大师教你听”的音乐指南，说实话，我一开始抱有很大的期望，毕竟名字听起来就很有格调，仿佛能开启我对古典音乐的全新认知。然而，读完之后，感觉更像是在翻阅一本比较平庸的音乐普及读物，缺乏那种让人眼前一亮的洞察力或深入的见解。作者的文字风格偏向于平铺直叙，缺乏激情，读起来总觉得隔着一层什么东西，很难真正沉浸到作者试图引导我们体验的音乐世界里去。例如，在谈及巴赫的作品时，我期待能读到关于复调结构精妙之处的深刻剖析，或者至少是关于巴赫如何影响后世作曲家的独到见解，结果看到的却是对曲目基本介绍的复述，这对于一个已经对古典音乐有所涉猎的读者来说，信息密度实在太低了。我更倾向于那些能够提供独特视角和个人感悟的书籍，而不是仅仅罗列知识点的工具书。这本书似乎更适合完全零基础的新手，但即便对于他们，其叙述方式也显得有些枯燥乏味，可能难以长时间抓住他们的注意力。总而言之，它在“教你听”这个层面上，提供的指导力量非常有限，更像是一份合格但绝非出色的入门手册。

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这本书给我的感觉就像是把一位知识渊博但表达能力欠佳的大学教授的讲稿，未经润色就直接印了出来。它充满了专业名词的堆砌，但这些专业内容并没有被有效地转化为普通读者可以消化的“营养”。我发现自己经常需要停下来，去搜索书里提到的各种音乐术语和背景知识，这完全打断了流畅的阅读体验。作者似乎假设读者已经具备了相当的音乐基础，但如果真是那样，他们可能就不会购买这样一本入门性质的书籍了。这种定位上的模糊，导致它既无法满足初学者的需求，也无法取悦有一定积累的乐迷。如果作者能在讲解复杂概念时，多用一些生活化的比喻或者多引用一些贴近大众的艺术作品作为参照，相信效果会好得多。目前这种“自说自话”的模式，使得这本书的受众面非常窄，而且对那些有心求知的人来说，也增加了学习的门槛。

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