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出版者:PENGUIN (USA)

作者:GEORGE,NELSON

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:19991001

价格:NT$ 490

装帧:

isbn号码:9780140280227

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《爵士乐的兴衰：从新奥尔良到曼哈顿的百年回响》 作者： 阿尔伯特·E·格里芬 出版社： 蓝调之声出版社 页数： 620页 内容简介： 《爵士乐的兴衰：从新奥尔良到曼哈顿的百年回响》并非一部关于当代城市音乐流派的著作，而是一部深入挖掘二十世纪美国音乐灵魂——爵士乐——发展脉络的史诗性编年史。本书以详尽的档案考据和敏锐的音乐分析，追溯了这一复杂而迷人的艺术形式如何从美国南部边缘的泥土中萌芽，成长为全球性的文化现象，并最终在不同时代背景下，展现出其内在的张力与蜕变。 本书的核心叙事围绕着爵士乐的地理与精神迁徙展开。作者首先将读者带回了二十世纪初的新奥尔良，这座文化的大熔炉。在这里，欧洲的进行曲、非洲的节奏传统、布鲁斯（Blues）的忧郁旋律以及拉格泰姆（Ragtime）的切分律动奇妙地交织在一起，孕育出了早期的迪克西兰爵士（Dixieland）。格里芬细致描绘了肯尼·奥利弗（King Oliver）和童年路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）在斯特维尔（Storyville）红灯区的早期磨砺，着重分析了集体即兴演奏的魅力及其根植于社区庆典和葬礼游行的文化土壤。 随着“大迁徙”的浪潮，爵士乐的中心开始向北转移。本书的第二部分聚焦于芝加哥的“咆哮的二十年代”。在芝加哥，爵士乐开始摆脱其地域性限制，趋向于更清晰的独奏结构。作者详细探讨了像“热蜂帮”（The Hot Fives and Sevens）这样的先锋团体如何通过录音技术，将阿姆斯特朗标志性的个人化表达和对即兴演奏的结构性重塑推广到全国。格里芬不仅分析了音乐上的创新——如和声的复杂化和节奏的推进——也深入剖析了禁酒令时期爵士乐与地下酒吧文化之间的共生关系。 高潮部分，即本书的第三部分，将焦点投向了纽约哈林区的“摇摆时代”（Swing Era）。在这里，爵士乐达到了其商业和文化上的顶峰。作者运用大量篇幅，剖析了大型乐队（Big Band）的兴起，这不仅是音乐规模的扩大，更是一种对组织性、编排艺术的极致追求。从杜克·艾灵顿（Duke Ellington）在棉花俱乐部（The Cotton Club）的宫廷式叙事，到本尼·古德曼（Benny Goodman）打破种族界限的巡演，本书详尽记录了摇摆乐如何成为美国主流娱乐的代名词，以及它在二战前夕所扮演的文化润滑剂角色。格里芬巧妙地平衡了对舞曲节奏的分析与对乐谱结构复杂性的探讨，展示了摇摆乐在流行性与艺术性之间的微妙平衡。 然而，本书的深度体现在对爵士乐内部反叛精神的捕捉上。第四部分深入解析了比波普（Bebop）的革命。二战后，一批年轻音乐家，如查理·帕克（Charlie Parker）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie），对摇摆乐的商业化和可预测性感到不满。本书详细描述了他们如何在午夜的哈林区小俱乐部中，通过提高演奏速度、引入极其复杂的和声进行和不规则的节奏切分，将爵士乐从舞池带回了音乐厅。作者强调，比波普不仅仅是一种音乐风格的转变，更是一种身份政治的宣言，标志着黑人音乐家对自身艺术自主权的坚决主张。 随后，本书探讨了爵士乐在五十年代的进一步分化：冷爵士（Cool Jazz）对比波普过度热情的冷静回应，以及硬波普（Hard Bop）重新拥抱布鲁斯和福音音乐的根源。作者还关注了调式爵士（Modal Jazz）的突破，特别是迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的《Kind of Blue》如何通过简化和声变化，反而为即兴演奏者提供了更广阔的旋律和空间感。 贯穿全书的，是对种族、社会经济与音乐创新之间复杂互动的深刻反思。格里芬坚信，爵士乐的每一个转折点都与其所处的美国社会背景息息相关——从南方奴隶制的回响，到北方工业化的机遇，再到民权运动前夜的文化觉醒。本书并没有将爵士乐视为一个孤立的音乐现象，而是将其置于二十世纪美国文化史的宏大叙事之中。 对于热衷于深入了解音乐史、社会学和美国文化根源的读者而言，《爵士乐的兴衰》提供了一个全面、权威且极富洞察力的视角。它是一份对美国最重要艺术形式之一的深情致敬，也是对那些在音乐中寻找自由、表达复杂人性的先驱者的不朽记录。本书的篇幅虽长，但其丰富的案例分析和对音乐家个人命运的关怀，确保了阅读体验的连贯性和引人入胜。

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这本书，怎么说呢，就像一场拉锯战，读起来挺费劲的，但每翻过一页，都觉得自己的认知边界被拓宽了一点。它不像那种市面上常见的“名人传记式”的音乐书，一上来就告诉你谁是“King”，谁是“Queen”，而是从文化土壤开始，像剥洋葱一样，一层一层地往里挖。我印象最深的是它对“采样”艺术的深入探讨，不仅仅是技术上的模仿，更是对既有文化遗产的一种“再语境化”和“再创造”的哲学辩论。作者把这种看似简单的音乐手法，提升到了后现代艺术理论的高度来讨论，这绝对是出乎我意料的。当然，书中某些地方的学术性过强，读起来节奏稍慢，需要集中精力去消化那些复杂的术语和理论模型，不适合通勤路上随便翻翻。不过，正是这种“不妥协”的深度，让这本书脱颖而出。它强迫你去思考：嘻哈到底是一种音乐流派，还是一种颠覆性的文化运动？作者给出的答案，绝不是简单的二元对立，而是展示了一个极其庞大且不断自我更新的文化生态系统。读完它，我感觉自己像是掌握了一把解读当代美国社会密码的钥匙。

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要我说，这本书简直是为那些想真正理解美国“软实力”内核的人准备的终极指南。它的叙事视角非常宏大，把嘻哈音乐放在全球化的背景下进行审视，探讨了它如何跨越国界，在欧洲、亚洲、南美洲等地生根发芽，并与当地的社会矛盾进行融合。书中关于嘻哈如何被广告界和时尚界“招安”的部分，写得尤为辛辣和到位，揭示了商业逻辑如何无孔不入地侵蚀反叛精神的过程。我特别欣赏作者在描述不同年代的嘻哈风格演变时，那种近乎电影蒙太奇的手法，几个关键的事件、几句标志性的歌词，就能瞬间勾勒出一个时代的氛围。这种文字的画面感极强，仿佛我能闻到那个年代录音棚里弥漫的烟草味和汗味。唯一让我略感遗憾的是，书中对女性说唱歌手的篇幅相对较少，虽然提到了几位关键人物，但感觉对这个重要的女性视角挖掘的力度还不够，这或许是受限于当时资料的普遍性，但仍然是一个值得探讨的点。总而言之，这是一部充满活力、洞察深刻的文化编年史。

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老实说，我刚拿到这本厚厚的《嘻哈美国》时，内心是抗拒的，我更偏爱经典文学，对这种“新潮”的文化研究多少有些不屑。然而，这本书的结构和论证的严谨性彻底颠覆了我的刻板印象。它没有沉溺于浮华的炫富和表面的狂欢，而是将嘻哈视为一种复杂的文化现象学研究对象。作者的学术功底非常扎实，引用了大量的社会学、人类学和传媒学的理论框架来解析嘻哈的文化资本积累过程。尤其精彩的是关于嘻哈商业化进程中，主流媒体如何“驯化”和“剥削”底层声音的段落，那种带着批判性的冷静剖析，让人读后脊背发凉。这本书的妙处在于，它既能让资深乐迷找到共鸣，也能让对嘻哈一无所知的人迅速建立起一个清晰的知识体系。它不是在赞美，也不是在贬低，它只是客观、尖锐地解剖了一个时代最强劲的文化脉搏。读完后，我开始重新审视那些充斥在广告和热门榜单上的说唱歌曲，发现它们不再是简单的背景音乐，而是一个个充满矛盾和历史重量的文化符号。这本书的语言风格非常克制，即便在描述最激烈的街头冲突时，也保持着一种学者般的疏离感，这种专业性令人肃然起敬。

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这本《嘻哈美国》简直是打开了一扇通往美国文化心脏地带的任意门，我原本以为它会是一本枯燥的音乐史论，没想到读起来比最劲爆的纪录片还过瘾。作者对嘻哈音乐从街头俚语到主流商业的演变过程捕捉得极其精准，那种那种从布朗克斯区地下派对里冒出来的原始能量，被文字刻画得仿佛能听见鼓点在耳膜里震颤。特别是关于早期DJ如何用唱盘技术“偷”出节奏的细节描写，简直是神来之笔，让我这个非专业人士都感到无比震撼，仿佛亲眼目睹了文化革命的诞生。书中对不同地域风格——比如东海岸的硬核与西海岸的G-Funk——之间的微妙差异和互相影响进行了细致入微的对比分析，这种深度挖掘远超一般流行音乐读物所能企及的范畴。它不是简单地罗列歌单和艺术家名字，而是深入探讨了嘻哈如何成为特定社会阶层发声的工具，探讨了贫困、种族和身份认同在歌词中的复杂交织。读完后，我对那些看似简单的说唱片段，背后蕴含的社会张力有了全新的理解，感觉像是上了一堂生动至极的当代社会学课，而不是在看一本音乐书。这本书的叙事节奏把握得极好，时而像快节奏的说唱，时而又像深沉的叙事诗，让人欲罢不能。

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这本书的文字风格极其口语化，读起来感觉就像是跟一个对嘻哈了如指掌的资深DJ在深夜的酒吧里聊天，非常接地气，充满了生动的比喻和道地的俚语解释。它没有刻意去拔高主题，而是用一种近乎八卦和轶事的叙事方式，将那些惊心动魄的版权官司、帮派间的恩怨情仇，以及音乐制作背后的秘辛，娓娓道来。我特别喜欢它对“Flow”和“Punchline”这类技术性概念的通俗解释，完全没有晦涩的术语，全是用生活化的例子来阐释，让人茅塞顿开。它成功地将嘻哈音乐的“艺术性”与“街头政治”紧密地焊在了一起，展现出一种强大的生命力——即便是最市侩的商业运作，也无法完全扼杀其原始的创造冲动。这本书的魅力就在于它的“真实感”，它不回避嘻哈文化中存在的争议和黑暗面，比如对女性和少数族裔的刻板描绘，并让读者自己去思考这些矛盾点。读完后，我感觉自己对美国流行文化脉搏的感知能力得到了显著提升，不再是隔靴搔痒的肤浅了解，而是真正体会到了这种文化是如何在底层挣扎中涅槃重生的。

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