abc of 20th-century graphics pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Phaidon Press

作者:Sergio Polano

出品人:

页数:248

译者:

出版时间:2004-3-1

价格:USD 29.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781904313243

丛书系列:

图书标签:

• 平面设计
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• 图像设计
• 20世纪
• 图形艺术
• 设计史
• 视觉传达
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《二十世纪图形艺术百科》：视觉浪潮的宏伟叙事 这是一本致敬二十世纪波澜壮阔的图形艺术演进的精要之作。它并非仅仅罗列风格流派或收录零散的杰出作品，而是致力于呈现一个更深邃、更具全局观的视角，带领读者穿越一个世纪的视觉革命，理解那些塑造了我们今日所见的广告、海报、书籍、品牌标识乃至一切视觉传达的驱动力。 本书将二十世纪的图形艺术视为一个充满活力、不断探索的有机体。从世纪初的新艺术运动余晖中萌生的现代设计思潮，到包豪斯学院对功能与形式的革命性思考；从立体主义、达达主义、超现实主义等前卫艺术运动对视觉语言的颠覆性尝试，到装饰艺术（Art Deco）的优雅与奢华；从信息爆炸时代对信息设计的日益重视，到后现代主义对风格的戏谑与重构——本书都将一一细致梳理。 我们将重点关注那些标志着时代转折点的重要设计运动、理论与实践。读者将深入了解先驱设计师们如何运用排版、色彩、构图和新兴技术，创造出既具有艺术价值又能有效传达信息的视觉作品。例如，我们将探讨瑞士风格（International Typographic Style）如何以其清晰、理性和普适性原则，在全球范围内播撒了理性设计的种子；以及早期平面设计师如何为新兴起的商业广告、电影推广和政治宣传活动量身定制视觉语言，从而塑造了大众的审美趣味和消费习惯。 本书还不会回避技术进步对图形艺术产生的深远影响。从印刷技术的革新，到摄影、电影的兴起，再到数字时代的到来，每一个技术飞跃都为设计师提供了新的工具和表达可能。我们将审视这些技术如何催生出新的艺术形式，例如摄影拼贴在早期现代主义中的重要作用，以及计算机图形学如何彻底改变了我们设计、制作和消费视觉内容的方式。 此外，作为一本全面的“百科”，本书也会深入研究不同文化背景和地域对二十世纪图形艺术的独特贡献。从东欧的政治海报艺术，到日本的现代平面设计，再到拉丁美洲的社会性设计，我们将展现图形艺术如何成为不同社会、政治和文化背景下思想传播与身份认同的重要载体。 本书的结构精心设计，旨在提供一种循序渐进的学习体验。我们会从宏观的历史脉络出发，逐步深入到具体的案例分析，剖析经典作品的设计理念、创作过程及其历史意义。通过对著名设计师的生平及其代表作品的深入解读，读者可以更直观地理解他们的创新之处和对行业的影响。同时，本书也会关注图形艺术在社会发展中的作用，探讨其如何参与到公共议题的讨论，如何影响社会观念，甚至如何成为抵抗或变革的视觉力量。 《二十世纪图形艺术百科》是一次对塑造我们现代视觉世界的伟大头脑和卓越创造力的致敬。它不仅是设计师、艺术家和学生的宝贵参考资料，更是任何对视觉文化、历史进程以及人类创造力充满好奇的读者不容错过的指南。它将帮助你理解，那些在报刊、杂志、广告牌、屏幕上闪烁的每一个图形元素，都承载着一段独特的历史、一种深刻的思想，以及一个时代的精神印记。通过阅读本书，你将能够以全新的眼光审视你周围的视觉世界，发现其中蕴含的丰富故事和无穷魅力。

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这部《二十世纪图形学abc》的标题倒是挺吸引人的，那种经典的、似乎要给初学者铺平道路的承诺，让我满怀期待地翻开了第一页。然而，我很快就发现，这本书的“abc”更像是一种故弄玄虚的暗示，而非真正清晰的入门指南。它似乎更热衷于探讨一些极其细微、只有资深设计师才能体会到的风格流变，比如字体笔画中衬线的微小倾斜如何反映了战后某一特定思潮的微妙转变。对于我这样一个想系统了解平面设计发展脉络的人来说，书中充斥着大量我需要停下来查阅才能理解的专业术语和晦涩的理论框架。我原以为会看到清晰的时间线索和标志性的设计案例解析，但它更像是一场关于“视觉哲学”的漫长独白。作者似乎更关心如何用极具学究气的语言去解构每一个设计元素背后的“深层意义”，而不是直截了当地展示“这个时期最流行的设计是什么？” 这种倾向导致了内容的跳跃性和碎片化，读起来非常费力，需要极大的耐心去消化那些过分细致的分析，让人不禁怀疑，这种深度是否真的服务于“普及”这一目标。我更倾向于认为，这本书更适合已经身处行业多年，渴望在现有知识体系上添加更多哲学思辨的专业人士，而不是我这个带着初级好奇心而来的读者。

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这本书的视觉呈现简直是一场灾难，这对于一本谈论“图形”的书来说，简直是致命的疏忽。我期待看到高质量的复刻品、清晰的印刷和适当的版式设计来佐证文中的论点，但实际情况是，那些用来阐述关键设计范例的插图，其分辨率低得令人发指，仿佛是从泛黄的旧杂志上粗暴地扫描下来。有些关键的字体案例，由于印刷质量的低劣，那些原本需要仔细辨别的细微差别完全丧失了，变成了一团模糊的色块。作者在文字中洋洋洒洒地描述着瑞士风格的严谨和清晰，但呈现出来的版面却显得拥挤不堪，文字行距狭窄，大量的留白被无谓地挤占，设计感全无。这让我产生了强烈的割裂感：文字在赞美视觉的精准，而自身的视觉呈现却粗糙得可以。我感觉自己像是通过一块布满灰尘的玻璃在观察艺术品，而不是直接面对原作。这种对自身主题的漠视，极大地削弱了书籍的权威性和说服力。

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坦白说，这本书的英文写作风格，或者说译文风格（我无法确定是原文如此还是翻译的锅），简直就是一场对英语语言的折磨。它的句子结构极其冗长，一个完整的论点往往需要跨越三行才能结束，充满了层层嵌套的从句和大量的非必需的修饰语。阅读它时，我常常需要大声地朗读几遍，才能勉强梳理出作者到底想表达哪个主谓宾之间的关系。它完全放弃了任何试图与读者建立友好连接的努力，而是采取了一种“如果你跟不上，那是你的问题”的姿态。很多本该用简洁有力的短句说明白的设计原则，被包装在华丽而晦涩的辞藻之下，变成了一堆难以消化的“学术口水话”。读完一章后，我常常感到智力上的疲惫，而非知识上的充盈。我需要一本关于图形学的书来启发我的创造力，而不是一本让我怀疑自己阅读理解能力的哲学论文集。总之，这是一部在语言表达上严重脱离其主题的、令人望而生畏的著作。

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读完这本书后，最让我感到困惑的是它的叙事结构——它似乎根本就没有一个坚实的叙事核心。它就像是把一个设计史的博物馆橱窗里的所有展品随意地拆下来，然后用一种散文诗的语调把标签上的文字混合在一起，铺陈开来。我试图寻找从早期现代主义到后现代主义的清晰脉络，但书中对“清晰”的追求似乎是反着来的。比如，它会花三页篇幅去分析某种特定的色彩搭配在六十年代的短暂流行，却对七十年代影响深远的孟菲斯运动草草带过，仿佛那只是一段不值得赘述的“喧嚣”。这种选择性叙事，让我严重怀疑作者的侧重点在哪里。我期待的是一本能够像建筑史那样，条分缕析地展示“结构如何支撑起风格”的书籍，但这部作品更像是对视觉符号的冥想，充满了隐喻和反讽，对读者提出了很高的二次解读要求。如果我不知道背景，很多引用的图像和理论都像是空中楼阁，抓不住实际的落脚点。整体感觉是，它更像是一本设计师的个人日记，而非一本权威的教科书，非常个人化且难以捉摸。

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阅读过程中，我最大的困扰来自于其对特定设计流派的偏执性褒扬与贬低。这本书明显带有强烈的作者个人倾向，它似乎对某个年代或某种流派怀有近乎虔诚的崇拜，并以此为唯一的评判标准来衡量其他所有视觉实践。对于被“推崇”的风格，书中会用近乎宗教布道般的语气去赞美其纯粹性和逻辑性，恨不得把其神化；而对于那些不符合其美学框架的设计，则表现出明显的排斥甚至轻蔑，往往用几句刻薄的断言就将其打入“商业媚俗”的冷宫。这种“非黑即白”的评判体系，使得整个二十世纪图形发展的丰富性和复杂性被严重扁平化了。设计史不应该是一场美学上的道德审判，而应该是对历史、技术、社会需求共同作用下的结果进行客观梳理。这本书却把自己定位成了一把美学裁判的锤子，让人在阅读时需要时刻警惕，区分哪些是历史事实，哪些是作者的个人好恶。这种带着明显偏见的视角，让我无法将其作为一本可靠的参考书来使用。

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