Antony Gormley pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026
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具体描述
Recipient of the 1994 Turner Prize, Antony Gormley is an internationally acclaimed artist who has revitalized the human figure in sculpture. His public sculpture projects, such as the "Angel of the North", have continued to grow in scale and ambition, as well as popularity. This book is published to coincide with a major solo exhibition of his work at SITE Santa Fe in New Mexico in November 2000, and on tour in the US in 2002. Fully revised and expanded, this edition has 52 extra pages documenting new work from 1995-2000, including a new update essay, new artist's writings and an expanded chronology.
作者简介
目录信息
读后感
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用户评价
这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，拿到手上就能感受到那种沉甸甸的分量感，这绝不是一本可以轻易翻阅的“消遣读物”。封面那种粗粝的质感，像是直接从雕塑现场取下来的材料，带着一种原始的、未经打磨的力量感。内页的纸张选择也十分考究，那种略微偏黄的米白，让原本就极具冲击力的图像得以温柔地承载，不至于显得过于冰冷。尤其值得称赞的是那些布景图片的排版，摄影师的取景角度总是那么刁钻而精准，它们不仅仅是记录，更像是在构建一个又一个充满张力的空间叙事。你不得不佩服设计师的功力，他们懂得如何让文字与图像之间产生一种微妙的“呼吸感”，留白的处理恰到好处，既突出了主体，又给予了读者足够的思考余地。每一次翻阅，都像是在进行一次与艺术家对话的仪式，封面、扉页、目录乃至索引页的设计，都透露出一种对艺术本体的极致尊重。这本书本身，在某种意义上，已经成为了艺术家作品的延伸，它不仅仅是作品的“记录册”，更是一件值得收藏的、具有独立审美价值的工艺品。我甚至舍不得在书脊上留下任何折痕，生怕破坏了它原本的完整性，这种对待实物本身的敬畏，也许正是这本书想要传达给我们的第一层信息。
评分读完此书，我心中升起一种强烈的、关于“尺度”和“人类中心主义”的反思冲动。这本书没有落入歌颂天才艺术家的俗套，反而不断地将焦点引向人与“非人”元素——即物质、环境、重力——之间的永恒张力。作者对材料的描述，已经超越了简单的物理属性，它们被赋予了近乎生命体的能动性。例如，对混凝土的论述，不再是关于建筑材料，而是关于“时间在物质中留下的印记”；对光线的讨论，也脱离了摄影美学，变成了关于“被界定”与“未被界定”的哲学边界。这种对“尺度”的颠覆性思考，迫使我重新审视自己习以为常的、将人类置于万物之上的认知模式。书中揭示的，是人类在宏大自然和自身创造的巨大结构面前的渺小与脆弱，但这种渺小却又通过艺术行为获得了某种超越性的、近乎神性的姿态。它让人感到一种深刻的谦卑，同时也激发出了一种去对抗既有尺度的勇气，那种面对巨大空旷时的生理反应，在文字中被精确地捕捉并放大。
评分这本书的语言风格，用“克制中的爆发力”来形容最为贴切。它不像某些艺术评论那样充斥着夸张的形容词和空洞的赞美，相反，它的文字大多是冷静、精确，甚至有些近乎于技术手册的描述。然而，就在这种极度的克制之下，偶尔会迸发出几句极具穿透力的洞察，像冰层下涌动的暗流，瞬间瓦解你先前建立起来的认知屏障。比如在谈及某个特定系列作品时，作者用极其简练的笔触勾勒出艺术家对“缺席”的痴迷，这种对“不存在”的精准描绘，比描绘“存在”本身更具震撼力。它要求读者保持高度的警觉，因为真正的精华往往隐藏在那些看似最不起眼的、最不加修饰的句子之中。这种写作的精准度，让我联想到精密仪器的工作原理，每一个词语都像经过了严格的校准，服务于整体意义的构建，绝无冗余。这无疑是一本需要反复阅读、边读边做笔记才能真正消化的硬核作品。
评分我花了整整一个周末的时间，才算勉强跟上了作者叙事的节奏，老实说，这本书的文本密度高得惊人，它不是那种你可以在咖啡馆里边喝拿铁边轻松阅读的作品。作者在论述中穿插了大量的哲学思辨和身体感知理论，阅读过程更像是在攀登一座知识的高山。他对于“空间性”和“临在感”的探讨，频繁地引用了现象学和后结构主义的观点，使得每读一页都需要停下来，反复咀嚼那些晦涩的词汇和复杂的句式。我发现自己不得不经常在书页和互联网之间来回跳转，去查阅那些陌生的概念源头，才能勉强跟上作者的思维链条。这种阅读体验是具有挑战性的，但正是这种挑战性，构成了其不可替代的价值。它要求读者拿出十二分的专注力，去解构那些看似坚硬的理论外壳，去触碰其下隐藏的关于人类存在状态的敏感神经。这本书无疑是为那些有学术训练背景或者对深度理论探讨抱有浓厚兴趣的读者准备的，它拒绝平庸的总结，坚持在最深邃的层面进行发问，读完后，感觉大脑皮层被强行拉伸了一圈，但收获的深度是无可估量的。
评分这本书的叙事视角转换得极其流畅自然，让人感觉像是置身于一个多维度的迷宫之中。它不像是一本传统的回顾性传记或纯粹的创作手记，而更像是一部由不同“时间碎片”和“空间切片”拼贴而成的视觉日记。有时候，叙述会猛地切入到某个具体的、充满细节的创作现场——比如描述工作室里泥土的气味、金属的冰冷触感，以及身体在长时间工作后发出的低沉呻吟。紧接着，视角又会抽离出来，转变为一种宏大、近乎冷峻的历史批判视角，去审视作品在特定社会语境下的意义。这种在微观体验和宏观理论之间的跳跃，处理得毫无违和感，仿佛艺术家本人就拥有多重人格，每一种都精通不同的表达方式。这种叙事上的“破碎美学”，恰恰呼应了书中讨论的主题：个体在不断变化的环境中如何寻求稳定和意义。我欣赏作者敢于打破线性叙事的桎梏，用这种更符合现实复杂性的方式来构建一个艺术家的内在世界。
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