紫砂赏玩

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出版者:藝術
作者:
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:19930000
价格:152.00元
装帧:
isbn号码:9789576721779
丛书系列:
图书标签:
  • 紫砂
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具体描述

《墨痕遗韵:古代书画鉴赏》 简介: 在中国悠久的艺术史长河中,书画始终占据着举足轻重的地位,它们不仅是视觉的享受,更是承载着历史、文化、哲学与个人情感的载体。本书《墨痕遗韵:古代书画鉴赏》旨在带领读者穿越时空,深入探索中国古代书画艺术的精髓,从笔墨的挥洒间领略古人的智慧与情怀。 本书并非对某一特定风格或朝代的片面介绍,而是以宏观的视角,系统地梳理了中国古代书画的发展脉络。我们将从史前陶器上的刻画符号说起,追溯到商周青铜器上的铭文,感受早期文字艺术的萌芽;继而进入春秋战国时期,探寻帛画的雏形,了解绘画与书法的早期融合;汉魏六朝时期,是书法艺术的第一个高峰,王羲之等书法巨匠的作品,如何将笔墨的韵律发挥到极致,本书将详细解析。 在绘画方面,我们将重点关注中国画的几个关键转折点。从魏晋南北朝时期的人物画,如顾恺之《女史箴图》的细腻传神,到唐代阎立本《步辇图》的雍容大气,再到吴道子“吴带当风”的飘逸洒脱,勾勒出不同时代人物画的时代精神。山水画的发展更是中国艺术史上的重要篇章,从晋代宗炳“山水为卧游”的理论萌芽,到隋唐时期展子偃、李思训父子的金碧辉嵘,再到五代、北宋的荆浩、关仝、董源、巨然等人的“笔精墨妙”,以及南宋马远、夏圭的“边角之景”的写意山水,本书将一一剖析其风格演变、技法创新以及背后蕴含的哲学思想。 除了人物画和山水画,本书还将触及花鸟画的精彩世界。从唐代薛稷、边鸾的工致写实,到宋代黄荃、徐崇嗣的没骨法,再到宋徽宗的“院体”花鸟,以及明清时期文征明、陈淳、徐渭、八大山人等人的写意花鸟,展现了不同时期画家对自然生灵的独特观察与表达。 在鉴赏方面,本书将提供一套系统化的方法论。我们将探讨纸、绢、墨、笔等书画材料的特点与演变,了解不同时期材料对艺术风格的影响。在技法上,我们将深入剖析笔墨的运用,包括用笔的提按顿挫、转折勾勒,用墨的浓淡干湿、泼墨晕染,以及设色的和谐与碰撞。同时,我们也关注画面的构图、意境的营造,以及画家如何通过“以形写神”、“气韵生动”等中国画的独特审美原则来传达情感与思想。 更重要的是,本书将引导读者认识到书画作品的“气韵”。“气韵生动”是中国画评价的最高标准,它不仅仅是技巧的体现,更是画家生命力、精神气质的流露。我们将通过对不同作品的细致品读,体会其“气”的流动、“韵”的悠长,感受作品背后画家的人格魅力和时代精神。 本书还将涉猎一些重要的书画流派与风格,如文人画的兴起,它强调艺术家的个人情感表达、笔墨情趣和诗书画的结合,代表人物如苏轼、文徵忡、董其昌等。我们也将讨论书画收藏的文化,从唐代帝王的收藏,到明清士大夫的雅玩,以及书画作品上常见的题跋、印记等,这些都为我们理解作品的流传与价值提供了重要的线索。 《墨痕遗韵:古代书画鉴赏》不仅仅是一本知识的汇集,更是一次艺术的朝圣。它鼓励读者用一颗宁静的心,去感受笔墨间的生命力,去品味色彩中的哲学,去理解古人寄情山水的深意。阅读本书,您将不仅仅学会如何“看”一幅画、一幅字,更将学会如何去“读”它,去与古人进行一场跨越千年的对话,在墨痕遗韵中,找到属于自己的精神共鸣。这本书将是您探索中国古代书画艺术的忠实向导,帮助您拨开历史的迷雾,领略那些永恒的艺术之美。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书带给我最大的改变,是让我对“文人化”这一概念有了更深层次的反思。过去,我总觉得紫砂壶的价值就等同于文人介入的程度,认为越是诗词歌赋、诗书画印俱全的壶就越是“高贵”。然而,《紫砂赏玩》这本书却提供了一个非常清醒的视角。它并没有贬低文人壶的价值,但它清晰地梳理了“文人趣味”是如何一步步渗透到紫砂工艺中的,以及这种渗透带来的艺术提升与实用性上的潜在冲突。书中对比了早期的“实用性导向”作品和晚期的“艺术性溢出”作品,引导读者思考,究竟是“泥的本性”重要,还是“文人的笔墨”更重要。这种哲学层面的探讨,让我的阅读体验从单纯的知识获取,升华到了对艺术创作本质的追问。它不是简单地告诉你“什么壶好”,而是促使你思考“你心目中的好壶是什么样子”,这种启发性,是任何一本只罗列名录的书籍都无法给予的。

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这是一本非常“接地气”的紫砂工具书,如果你是想找那种故纸堆里爬出来的、满是生僻名词的古籍翻版,那这本书可能会让你失望——但如果你的目标是提升日常把玩和收藏的实用技能,那么它绝对是近期最好的选择之一。我尤其赞赏书中关于“实用性”的强调。作者没有将紫砂壶神化为只能供奉的“偶像”,而是回归了它作为茶具的本质。书中专门辟了一个章节讲解如何根据不同的冲泡对象(绿茶、乌龙茶、普洱茶)来选择最合适的壶型和泥料,这一点对于像我这样喜欢频繁更换茶类的爱好者来说,简直是雪中送炭。例如,它建议冲泡高火乌龙时,应选用略带砂性的泥料以稳定水温;而对于娇嫩的白毫银针,则推荐使用细腻的段泥以避免高温“烫伤”茶芽。此外,书中对壶嘴出水、把手的握持舒适度、壶盖的密合性等这些常被文人评论忽略的“工程学”细节,进行了详尽的测试和分析,让我明白了“好用”才是紫砂壶长久生命的基石。

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阅读这本书的过程,就像参加了一场穿越时空的制壶艺术展。这本书的厉害之处在于,它没有固步自封在介绍明清大师的作品,而是非常深入地挖掘了紫砂历史上那些“被遗忘的宝藏”和“区域性的流派风格”。作者花了相当大的篇幅去梳理了宜兴周边的各个制陶重镇,比如丁蜀镇内部不同村落泥料的差异,甚至提到了某些已经失传的独特烧制工艺的痕迹。更让我感到震撼的是,书中收录了大量清晰的、高分辨率的实物图片,这些图片不仅仅是展示成品,更多的是对制作工艺细节的“解剖”。比如,对“镶接”部位的处理,对“泥筋”的打磨痕迹,甚至是壶底款识的篆刻力度和风格对比,都做了极其细致的剖析,让读者仿佛能透过书页看到制作者指尖留下的温度。这本书的史料性和图像资料的丰富程度,远超出了普通“赏玩”书籍的范畴,更像是一部微型的、高度浓缩的紫砂工艺史志。

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这本《紫砂赏玩》简直是为我这种刚刚入门的茶客量身定做的!我一直对紫砂壶那种温润的质感和独特的韵味心生向往,但面对市场上琳琅满目的作品,常常感到无从下手。这本书的结构非常清晰,不像有些专业书籍那样晦涩难懂。它从紫砂泥料的形成讲起,图文并茂地展示了不同产区泥料的细微差别,比如朱泥的娇艳、本山绿泥的内敛,就连那些听起来很玄乎的“含铁量”和“颗粒感”,作者都用非常生活化的语言进行了阐释。最让我惊喜的是,书中花了大量的篇幅介绍如何“上手”——如何通过触摸、听声、看水流等直观感受来判断一把壶的优劣。我记得有一个章节专门讲了“养壶”的误区,让我立刻检查了我自己那把“新手壶”的操作,发现自己居然一直在用不恰当的清洁方式。这本书没有高高在上的专家腔调,更像是邻家一位经验丰富的老茶友在耐心指导,让我对紫砂的认识不再停留在“好看”的层面,而是真正开始懂得欣赏它内在的“精气神”。现在,我拿起壶,心里踏实多了,知道自己手里拿的是什么,该如何对待它。

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说实话,我对艺术品鉴赏类的书籍往往抱持着一种审慎的态度,因为很多要么是过于学术化,读起来像是在啃石头,要么就是流于表面,充斥着空洞的赞美。然而,《紫砂赏玩》这本书在“形”与“神”的探讨上,达到了一个非常微妙的平衡。它没有陷入无休止的款识考据中,而是着重分析了紫砂造型艺术的演变脉络。作者对“筋囊式”、“圆式”、“方式”等经典器型的解析,简直是教科书级别的细致入微。比如,他如何分析曼生十八式中的“笠帽壶”如何将实用性与禅意完美融合,又如何通过对比早期邵派的古朴与晚清民国时期文人壶的秀逸,展现了紫砂工艺在不同时代背景下的精神诉求。我特别欣赏书中对“泥门”和“骨架”的论述,这使得我观看拍卖图录时,不再仅仅关注壶身上有没有名家落款,而是能更深入地去审视器型的比例是否协调,线条的转折是否干净利落。这本书极大地提升了我对紫砂美学的鉴赏维度,让我理解了为什么一把看似简单的光素器,其价值往往远超那些繁复雕饰的作品。

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