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出版者:日本聖書協会

作者:何 恭上

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2003-3

价格:JPY 3150

装帧:単行本

isbn号码:9784820242147

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 绘画
• 设计
• 艺术史
• 艺术理论
• 插画
• 视觉艺术
• 创意
• 文化
• 艺术指南

《艺术圣经》 《艺术圣经》并非一本宗教典籍，而是一本深度探索人类文明进程中艺术演变与精神寄托的宏大叙事。它以其严谨的学术态度和引人入胜的笔触，带领读者穿越数千年时光，从人类最初的洞穴壁画到当代前卫的艺术实验，描绘了一幅波澜壮阔的艺术画卷。 本书并非罗列名家名作的图册，而是旨在揭示艺术品背后所蕴含的深层意义——它们如何反映了特定时代的社会结构、哲学思想、宗教信仰，以及人类对宇宙、生命和自身的永恒追问。从古埃及雕塑中凝固的永恒追求，到古希腊罗马雕塑中对理想人体的赞颂；从基督教艺术中对神性光辉的描绘，到文艺复兴时期人文主义的勃兴所催生的对个体价值的肯定；从巴洛克时期的戏剧性张力，到浪漫主义的激情与自由；从印象派对瞬间光影的捕捉，到立体主义对形体本质的解构；再到抽象艺术的纯粹表达，以及当代艺术对媒介、观念和边界的不断挑战，《艺术圣经》都以其独到的视角进行了深刻的剖析。 书中详尽阐述了不同文明的艺术特征及其相互影响。例如，它会追溯东方艺术（如中国、日本、印度）的哲学根源，分析其如何强调意境、留白、线条的韵律以及与自然的和谐统一，并考察这些元素如何通过丝绸之路等途径与西方艺术发生碰撞与交融。同时，本书也深入探讨了宗教在艺术发展中的关键作用，分析了不同宗教如何塑造了各自的视觉语言和象征体系，例如佛教的造像传统、伊斯兰艺术的几何图案和书法之美、犹太教艺术的象征意义等等。 《艺术圣经》的价值更在于它对“艺术”这一概念本身的哲学审视。它会探讨什么是美，美是客观存在还是主观感受？艺术的目的是什么，是为了再现现实、表达情感、引发思考，还是纯粹的审美体验？艺术与科学、哲学、政治、伦理之间存在怎样的关系？本书通过梳理不同艺术流派的理论基础和创作实践，引导读者形成自己对艺术的理解和判断。 此外，本书还关注了艺术的社会功能和历史意义。艺术品是如何被创作、传播、接受和被赋予意义的？它们如何成为历史的见证，记录了人类的荣耀与苦难，以及时代的变迁？艺术如何影响了人们的认知方式和情感体验？《艺术圣经》将艺术的创作置于更广阔的历史和社会背景中，使其不再是孤立的个体创造，而是文明脉络中不可分割的一部分。 《艺术圣经》的语言风格力求严谨而不失文学性，专业的术语会被清晰地解释，复杂的概念会被生动地阐释。书中会引用大量的历史文献、艺术评论以及艺术家的自述，以增强内容的真实性和说服力。通过阅读《艺术圣经》，读者不仅能增长艺术知识，更能提升对人类文化和精神世界的理解深度，学会从艺术作品中“看见”更广阔的世界，并在这个过程中，发现艺术给予的深刻启示与力量。它是一本献给所有对人类文明、对美、对思想的探索者们的宝贵读物。

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我发现这本书最独特的地方在于其对“色彩的命名与语言”的批判性审视。作者非常敏锐地指出了，我们对色彩的理解和表达能力，往往受限于我们能为之赋予的词汇。书中收录了许多不同语言中对颜色命名的有趣差异，比如某些文化中缺乏对“蓝色”的明确区分，或者某些语言中对特定绿色调有十几种不同的称谓，这强有力地佐证了语言如何塑造我们的感知。阅读这部分时，我忍不住停下来，仔细思考自己平时是如何描述我所见到的天空、水面或植物的色彩的，常常发现自己的语言是何等贫乏和粗糙。此外，书中还涉及了后现代艺术对色彩命名的解构，例如艺术家如何故意使用误导性的标题来挑战观众对既定色彩的固有认知。这种对“符号”层面的挖掘，让这本书从一本技法书升华为一本关于认知论和符号学的探讨，使我对艺术的理解从“看”升华到了“解读”的层面，每一次重读都能发掘出新的层次感。

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这本书的编排方式简直是为我这种偏爱系统性学习的读者量身定制的。它的逻辑结构异常严谨，从最基础的色谱起源追溯到现代色彩心理学，层层递进，没有一丝跳跃感。引人入胜之处在于，作者巧妙地穿插了大量的“跨学科”案例，这让阅读过程充满了惊喜。它并非纯粹的艺术理论，而是将色彩置于更广阔的文化背景下去考察。比如，书中有一节探讨了不同文明中对特定颜色的象征意义的演变，从古埃及的矿物颜料使用，到中世纪宗教艺术中的符号化色彩运用，再到20世纪抽象表现主义对色彩纯粹情感的释放，这种历史纵深感让人欲罢不能。我尤其喜欢它在论述“色彩禁忌”与“色彩解放”时的对比分析，它不仅展示了艺术家如何打破既有的视觉规范，更揭示了艺术史背后隐藏的社会思潮和权力结构。这本书与其说是一本工具书，不如说是一部浓缩的“西方视觉文化史”，它教会我如何从色彩的“使用”中去解读艺术家的意图和社会语境。

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这本关于色彩理论与实践的著作，简直是打开了我对视觉艺术理解的一扇新窗。作者以一种近乎诗意的笔触，将那些原本枯燥的色轮、补色、邻近色关系，描绘成了充满生命力的交响乐章。我尤其欣赏书中对“光影与色彩的相互作用”这一章节的深入探讨，它不仅仅停留在理论层面，而是通过大量的经典画作案例，细致入微地剖析了不同光照条件下色彩情绪的微妙变化。例如，书中对比分析了印象派画家对自然光捕捉的精妙，以及伦勃朗在室内光线下如何运用暖调的阴影来营造戏剧性的氛围，这些分析细腻到让我几乎能感受到画布上颜料的厚度和温度。更难能可贵的是，作者没有将这些知识束之高阁，而是提供了大量的实践指导，从基础的色彩调和配方到复杂的多色混合技巧，步骤清晰，即便是初学者也能照猫画虎地进行尝试。读完这部分内容，我立刻拿起画笔，尝试用新的视角去观察和捕捉周围环境中的色彩关系，收获颇丰，感觉自己的创作视野瞬间开阔了许多，不再是简单地堆砌颜色，而是开始有意识地构建一个有层次、有情感的色彩世界。

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如果用一个词来形容这本书带给我的感受，那一定是“启迪”。这不是那种告诉你“要用蓝色配黄色”的浅显指南，它更像是一本关于如何“看见”的哲学著作。作者对“非可见光”与色彩认知的探讨，打开了我对人眼局限性的反思。书中详细阐述了人类视觉锥细胞的工作原理，并进一步引申到不同物种的色彩感知差异，这种科学的严谨性为艺术想象力提供了坚实的基石。它挑战了我们习以为常的“三原色”概念，介绍了更复杂的色彩空间模型，比如Lab色彩空间，并解释了这些模型在数码设计和印刷领域中的实际应用。我过去总觉得色彩理论是写给画家的，但这本书的后半部分，特别是关于色彩在现代媒体传播中的应用分析，让我认识到其对平面设计师和摄影师同样具有不可替代的价值。它不是在教你如何调色，而是在教你如何运用色彩来精确地操纵观众的情绪和注意力焦点，其深度和广度都超出了我的预期。

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我必须承认，一开始我对这本书的期待值并不高，毕竟市面上关于艺术技巧的书籍汗牛充栋，大多不过是陈词滥调的重复。然而，这本书在“材质与色彩的对话”这一主题上的处理方式，彻底颠覆了我的固有印象。作者似乎拥有某种魔力，能让抽象的色彩概念与具体的触感建立起深刻的联系。书中花了大量篇幅讲解不同媒材——油画的厚重、水彩的通透、蛋彩的干涩——是如何影响最终色彩的表现力及其在视觉上产生的“质感”。举例来说，书中对丝绸褶皱处色彩的反光和吸收进行了解构，这不仅仅是色彩学，更像是物理学和美学的完美结合。最让我震撼的是关于“时间性”在色彩中的体现，比如作者如何论述年代久远的油画颜料因氧化而产生的“包浆”色泽，以及这种随着时间沉淀下来的色彩如何反过来赋予作品新的生命力。这种从时间维度去审视色彩变迁的视角，着实让人深思。它让我明白，我们所见的色彩并非一成不变的物理属性，而是历史、材质和观看者共同作用下的动态产物。这使得我在欣赏老作品时，多了一层对“物质性”的敬畏之心。

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