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出版者:中国纺织出版社

作者:马建华

出品人:

页数:292

译者:

出版时间:2002-8-1

价格:32.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787506421263

丛书系列:

图书标签:

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艺术的边界：解构与重塑的理论前沿 作者： [此处可填充虚构的作者姓名，如：陆远、陈思雨] 出版社： [此处可填充虚构的出版社名称，如：新视野学术出版社] 出版年份： [此处可填充虚构的年份，如：2024年] --- 导言：在定义的真空地带游弋 本书《艺术的边界：解构与重塑的理论前沿》并非一本关于具体艺术实践的指导手册，它更像是一次对当代艺术哲学领域进行深度挖掘的智力探险。我们并非关注“如何设计一个引人注目的视觉形象”，而是探究“形象”本身在后现代语境下意义的崩塌与再生。本书的核心在于挑战那些被视为理所当然的艺术范畴和审美标准，通过对一系列关键理论的梳理、批判与整合，为读者构建一个理解当代艺术复杂性的全新理论框架。 我们生活在一个图像泛滥的时代，每一个瞬间都可能被捕捉、编辑、传播。然而，在这种饱和状态下，什么是“真实”的形象？什么是“有效的”表达？艺术不再仅仅是模仿或再现，它已经成为一个自我指涉、不断循环的文化系统。本书正是聚焦于这个系统的内部逻辑，试图揭示在媒介技术飞速发展和社会结构剧烈变动的背景下，艺术的本体论地位正在经历怎样的剧变。 第一部分：本体论的坍塌——从再用到解构 本书的第一部分集中于审视西方美学史中关于“艺术本体”的传统定义，并系统地展示这些定义是如何在20世纪下半叶的哲学思潮中被逐步瓦解的。 第一章：模仿论的黄昏与现代性的疲惫 本章首先追溯柏拉图以降的模仿（Mimesis）理论，指出西方艺术传统长期以来将“再现世界的准确性”视为核心价值。然而，随着摄影术的发明和机械复制时代的到来，这种价值基础被动摇。我们探讨了本雅明的《机械复制时代的艺术作品》，分析技术如何消解了艺术的“灵光”——即其独一无二的权威性。这一章的重点在于论证：当复制变得轻而易举时，艺术作品的“在场感”和“神圣性”便不再依赖于其物质形态，从而为观念艺术的兴起铺设了理论基础。 第二章：形式主义的僵局与能指的漂移 形式主义作为对模仿论的反叛，将焦点转向作品自身的结构、线条、色彩等“形式元素”。本章批判了克莱夫·贝尔（Clive Bell）所提出的“有意味的形式”的局限性。我们引入索绪尔的语言学转向，探讨艺术符号（Signifier）与所指（Signified）之间的关系。在艺术的语境中，这种关系不再是稳定的指涉，而是不断游移的“能指漂移”。观念艺术的勃兴正是对这种漂移的拥抱，它宣告了“什么（What）”并不重要，“如何思考（How to Think）”才是关键。 第三章：德里达与“延异”：图像的无限延伸 德里达的解构主义为我们提供了拆解既有艺术概念的强有力工具。本章深入分析了“延异”（Différance）在艺术批评中的应用。图像不再是瞬时的意义承载体，而是一个由历史、社会、权力结构层层叠加的文本。艺术作品的意义不再固着于创作者的意图，而是悬置于观众的解读和无休止的阐释链条之中。因此，任何试图为艺术下一个封闭定义的努力都注定失败，艺术的“边界”成为一个动态的、开放的裂隙。 第二部分：重塑：技术、权力与体验的交织场域 在本体论基础动摇之后，本部分转向探讨新的理论框架如何解释当前艺术实践的复杂性，特别是技术介入和权力批判在重塑艺术经验中的作用。 第四章：鲍德里亚的拟像景观与超真实 本书重点分析了让·鲍德里亚（Jean Baudrillard）的拟像理论。在当代社会，艺术品往往不再是真实世界的摹本，而是更高阶的“拟像”（Simulacra）——它们比真实更真实，却与任何真实都没有直接关联。本章探讨了数字艺术、沉浸式体验（VR/AR）如何成为拟像景观的终极体现，艺术不再是“对世界的反思”，而是“对自身媒介的编码”。我们审视了这种超真实状态对观众主体性的消解作用。 第五章：福柯与知识的谱系：谁有权定义艺术？ 理论必须触及权力。本章借鉴福柯的知识考古学方法，分析艺术史和美术馆制度如何建构起一套排他性的“知识权力”。“什么是好的艺术”这一问题，本质上是一个权力分配的问题。艺术的“边界”从来不是自然形成的，而是由学院、赞助人和批评家共同划定的。通过考察非西方艺术、边缘群体艺术的被遮蔽历史，本书试图揭示既有艺术谱系中的权力暗流，并倡导一种多元、去中心化的批评视角。 第六章：现象学的回归与具身性：触觉的抵抗 尽管概念和数字媒介占据主导，本章坚持认为具身性（Embodiment）和现象学体验仍是理解艺术不可或缺的一环。在屏幕化的世界中，艺术的“在场”被简化为视觉信息。我们重新审视梅洛-庞蒂的理论，探讨身体如何作为我们理解世界的首要媒介。一些当代艺术家通过强调材料的质地、空间的关系、以及观众身体的运动参与，试图在拟像的洪流中寻回一种“触觉的抵抗”，重建与物质世界的直接关联。 第三部分：未来展望：不确定的美学与开放的体系 本书的最后部分将视野投向未来的理论可能性，探讨在技术加速和全球化背景下，美学思考应如何适应这种不确定性。 第七章：网络美学与分布式创作的伦理 随着区块链技术和分布式自治组织（DAO）在艺术领域的渗透，创作主体性再次面临挑战。谁是作者？作品的所有权如何界定？本章探讨了网络作为一种“非线性叙事空间”如何改变艺术的生产和消费模式。我们讨论了生成性算法（Generative AI）所带来的复杂性——当机器能够自主“创作”时，人类的审美判断和价值赋予将置于何地？这并非对技术的盲目乐观，而是对其带来的伦理困境的严肃审视。 第八章：不完全美学：对确定性的告别 终章总结了本书的论点：艺术的本质不再是追求某种“完美”或“终极”的形态，而是拥抱其自身的不完全性（Incompleteness）。一个成功的理论不应是封闭的系统，而应是一个可以不断被修正、被挑战的开放平台。艺术的未来在于其持续的自我质疑和对既有边界的不断试探。本书旨在为读者提供一套批判性的工具箱，使他们能够游刃有余地穿梭于日益复杂的当代艺术景观之中，而非被动接受既定的美学教条。 --- 读者对象： 艺术史专业研究者、美学与哲学专业学生、当代艺术批评工作者，以及所有对视觉文化和理论思辨感兴趣的知识探索者。 本书价值： 《艺术的边界》拒绝提供简单的答案，它致力于提出更深刻的问题，引导读者构建属于自己的、能够应对不断变化的世界的、坚韧而灵活的批判性思维体系。

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